18h00 • Centre Culturel Sonis
CONFÉRENCE AUTOUR DE L’ŒUVRE DE JOSÉ JERNIDIER
20h00 • Médiathèque Paul MADO
PASSE-TEMPS ? PAS CE TEMPS !
MARDI 14 MAI 2019
LES AVENTURES DE COMPÈRE LAPIN
09h00 • Complexe socio-culturel Félix PROTO
— Par Scralett Jesus —
Ce jeudi 9 mai, deux représentations de la pièce écrite, mise en scène et interprétée par Françoise Dô sont programmées, l’une étant destinée en matinée aux scolaires. Il revient donc à la Martinique d’annoncer l’ouverture du Festival Théâtre Cap Excellence prévue pour le lendemain. La salle est pleine. Dans le cadre de la tournée CEDAC de Tropiques-Atrium, la pièce, qui avait déjà été à l’affiche de L’Artchipel scène nationale, à Basse-Terre, le 18 novembre 2018, a été programmée conjointement le 7 mai, au Moule et le 10 mai, à Baie-Mahault.
La photo d’illustration est de Blind Larcher
Est-ce la raison pour laquelle le jeu de la comédienne nous donne l’impression d’une certaine lassitude ? Françoise Dô consacre son énergie à une nouvelle pièce dont elle est également l’auteur(e) « A Parté ». « Aliénation(s) » est déjà, en quelque sorte, de l’histoire ancienne. A partir d’une nouvelle, intitulée « Aliénation noire », Françoise Dô, lauréate du concours d’émergence jeunes artistes « En avant la création », avait bénéficié à Fort-de-France d’une résidence d’artiste à Tropique Atrium scène nationale de décembre 2016 à janvier 2017.
— Par Roland Sabra —
C’est un choix courageux qu’a fait la Compagnie des « Buv’Art » en présentant sept (+1?) courtes pièces de Pinter dans le cadre du Festival de Th éâtre Amateur 2019. Comme le souligne Janine Bailly dans Madinin’Art, dans l’univers de Pinter l’important n’est pas ce qui est dit mais ce qui est tu et plus précisément dans l’écart entre ce qui est dit d’ un locuteur et ce qui est entendu d’un destinataire. Encore une fois : le Réel toujours est chape. L’impossible à dire de la jouissance. De part et d’autre. A naître dans un «bain de langage»(Lacan) structuré, organisé et déjà là le sujet ne peut que s’y inscrire que divisé. Quelque chose de sa Vérité (celle de son désir, d’être un sujet désirant) lui échappera toujours. Et le silence est un dire, en témoigne leur importance dans le théâtre de Pinter· Ses personnages ne refusent pas de communiquer, ne se réfugient pas dans des dialogues de sourds pour éviter de regarder la réalité, celle du registre de l’Imaginaire, en face.
« Le Jardin d’Alphonse »
Comédie de Didier CARON
Après la disparition du vieil Alphonse, les amis proches, la famille recomposée de son fils et un couple d’amis très proche se retrouvent dans le jardin de sa maison pour déjeuner. Le temps est doux près des hortensias, sous le pin parasol, mais l’atmosphère va devenir électrique. Les petits et grands secrets vont alors éclater dans le jardin d’Alphonse. Règlements de compte, à ne pas livrer en public, et vérités, que l’on tait habituellement, vont vite fuser.
Une comédie où toutes les vérités ne sont pas bonnes à dire … à vous de voir !
Lire les comptes rendus de Madinin’Art
L’auteur :
Didier Caron commence dans la vie comme employé de banque, puis décide de devenir comédien. Dans la série « Blague à part », il joue le fameux Robert Bineau.
Il écrit aussi des pièces à succès: « Un vrai bonheur », qu’il tourne pour le cinéma, « L’Huitre », « Un pavé dans la cour »… Avec Dominique Deschamps, il signe une adaptation pour la scène de « Sur la route de Madison » que jouent Alain Delon et Mireille Darc.
— par Janine Bailly —
Deux semaines déjà, pour cette Douzième Rencontre de Théâtre Amateur au Théâtre Aimé Césaire, deux spectacles dissemblables, et qui ont cependant en commun de nous peindre les vices, les travers et les failles de la société des hommes, que cela soit au dix-septième ou au vingtième siècle, en France ou au Royaume-Uni. Un voyage enrichissant dans les textes, de Molière à Pinter, d’autrefois à maintenant. À la redécouverte de l’avant-dernière pièce de Molière, Les Femmes savantes, où nous entraînent avec une belle énergie « Les Comédiens » de Julie Mauduech. À la découverte de Sept pièces courtes de Harold Pinter, à laquelle nous convie la troupe des « Buv’Art » sous la houlette éclairée de Laurence Aurry.
Le grand mérite du spectacle donné par Les Comédiens est de nous avoir fait entendre de façon généralement claire et audible des alexandrins, chose assez rare il faut le dire sur les scènes de Martinique. S’est vue ainsi confortée l’idée que les comédies de Molière, quels qu’en soient les choix de mise en scène, de scénographie et de costume, sont bien intemporelles, et toujours génératrices de rires autant que de réflexion.
France 2 proposera une soirée spéciale le lundi 13 mai 2019 : la cérémonie animée par Alex Vizorek et retransmise en léger différé sera précédée d’une fiction. « Brûlez Molière! » de Jacques Malaterre, avec Dimitri Storoge.
Docu-fiction Fr. 2018 – 1h30. Avec Dimitri Storoge, Jules Pelissier, Agathe de La Boulaye
Brûlez Molière ! est une fiction documentée écrite à partir des derniers travaux d’historiens français spécialistes de la vie et de l’oeuvre de Molière.
Synopsis : 1664, Molière joue pour la première fois le « Tartuffe » devant le Roi et sa cour. Face à cette comédie qui ridiculise les dévots, l’Eglise catholique demande au souverain de l’interdire. Soucieux de ses intérêts politiques, Louis XIV accepte. Dès lors, de 1664 à 1669, Molière, libertin affiché, va se battre pour obtenir le droit de rejouer sa comédie. On le traite de « Diable » et les religieux le condamnent au bûcher ! Fervent défenseur de la libre pensée, il refuse de céder à ces menaces et, au risque de tout perdre, fera l’impossible pour défendre sa liberté de pouvoir rire de tout.
— Par Christian Antourel —
Si Harold Pinter est l’un des auteurs contemporains les plus joués dans le monde, c’est d’abord parce qu’il s’est toujours engagé contre toute forme de tyrannie et d’oppression et à toujours pris parti pour la défense de la liberté. Mais c’est aussi pour la finesse du regard qu’il porte sur les difficultés des rapports humains. A travers ces courtes pièces et des textes Pinteriens qui ne livrent jamais directement leurs intentions, le spectateur plonge au milieu de tranches de vie où s’enchainent et se déchainent des portraits corrosifs et sans concession du monde du travail, du couple, de l’amitié et du pouvoir . Un mélange savoureux de styles et de couleurs pour rire, s’émouvoir et s’interroger sur le devenir de notre société, voilà la caractéristique essentielle de son œuvre qualifiée de « théâtre de la menace. » L’incursion d’une agressivité latente dans la banalité du quotidien, traduite par des dialogues anodins qui l’apparentent au théâtre de l’absurde, crée une tension déstabilisante. Tout est drôle, le plus grand sérieux est drôle ; la tragédie même est drôle.
— Par Roland Sabra —
On ne le répétera jamais assez, tant c’est une évidence trop souvent malmenée, la question qui dirige une mise en scène d’un texte théâtral est celle de son urgence. Pourquoi y a-t-il, hic et nunc une si grande nécessité à monter telle pièce, pour qu’elle puisse justifier un tel engagement ? Julie Mauduech en s’attaquant aux Femmes savantes a choisi une des textes les plus énigmatiques de Molière. Par opposition à la « tragédie héroïque » qui traite des affaires de l’État, la comédie est bourgeoise, en ce qu’elle concerne les affaires de la maisonnée et principalement chez Molière celle du mariage. Quel compromis trouver entre les vœux des amants et les exigences de l’ordre social sans que celui-ci soit renversé? La lecture qu’avait faite HKK de « George Dandin » à Tropique-Atrium en est une belle illustration. Les femmes savantes reprennent un schéma dramatique préféré de Molière, celui du renversement des rôles sexuels, dont on sait d’expérience qu’il ne questionne en rien le rôle. Noir ou Blanc c’est du pareil au même. Césaire dans La Tragédie du roi Christophe le disait déjà: « Il est temps de mettre à la raison ces nègres qui croient que la Révolution ça consiste à prendre la place des Blancs et continuer, en lieu et place, je veux dire sur le dos des nègres, à faire le Blanc.
Cette semaine, c’est Coups de Théâtre sur France Télévisions ! L’occasion pour Greg Germain et France Ô de mettre en lumière cinq belles créations dans Multiscénik. Ces pièces de théâtre seront à découvrir ou à redécouvri.
Nous sommes de ceux qui disent non à l’ombre, mise en scène par Margaux Eskenazi et réalisée par Julien Faustino sera diffusée dimanche 05/05 à 2h15 sur France Ô.
Lire :
— Par Roland Sabra —
Association L’art Gonds Tout
Mise en scène Laurence Aury
Le dernier à partir, Le jour et la nuit, Voilà tout, Arrêt facultatif, Crise à l’usine, Monologue, Victoria Station
Harold Pinter (né en 1930 et mort à Londres en 2008), acteur, auteur, écrivain, scénariste, prix Nobel de littérature en 2005, prix Europe pour le théâtre en 2006 et Chevalier de la Légion d’Honneur en 2007, fait partie des grandes plumes « classiques modernes » de la littérature et du théâtre du XXe siècle. Proche du théâtre de l’absurde de Samuel Beckett, dont il sera très ami, il fait partie, au milieu des années 50, de la génération des « Jeunes gens en colère », comme ses collègues auteurs dramatiques et romanciers britanniques, tels que John Osborne ou encore Edward Bond.
Harold Pinter, très marqué par les souffrances de la Seconde Guerre mondiale, « l’expérience des bombardements ne m’a jamais lâché », sympathisant du parti politique de gauche britannique « Respect The Unity Coalition » et fervent militant de l’arrêt des violences militaires au Kosovo, à Cuba, en Turquie, en Palestine, en Afghanistan et en Irak, propose dans ses écrits et pièces de théâtre, une vision politique, sociale et humaniste de la société.
— Par Dominique Daeschler —
C’est un mercredi après midi et les élèves de quatrième sont tous autour de de leur prof d’anglais Rosette Lima pour répéter une comédie musicale « Nous sommes tous martiniquais » qui sera présentée le 12 juin au Grand Carbet de Fort de France.
Qu’on se souvienne : depuis dix ans le collège Glissant utilise en classes une méthode d’ «adéquation par l’image» issue d’une mallette pédagogique conçue par DK qui, s’il n’est pas du sérail de l’Éducation Nationale, a une grande expérience des relations humaines . L’image, la dynamique de groupe avec échanges, soutien, auto -évaluation, la prise de parole sont autant d’éléments qui projettent les élèves dans une meilleure connaissance de soi, en créant du partage et de la confiance. Au rendez -vous : une réussite scolaire sans précédent et une appréhension du vivre ensemble qui chasse la violence.
C’est bien cette appréhension du vivre ensemble qui est valorisée dans Nous sommes tous martiniquais qui fait suite à Stop Violence, Dérive ludique, Moi fils de la mer et la vidéo Say No.
Programme Théâtre Amateur
Les 2, 3 et 4 mai à 19h 30 : COMPLET!
« Les femmes Savantes » de Molière
Les 9,10 et 11 mai à 19h 30
Les 15,16,17 mai à 19h 30 le 18 mai à 15h 30 et 20h 00
Comédie de Didier CARON
Les 23, 24 et 25 mai à 19h 30
— Par Collectif —
Des personnalités du monde de la culture, dont Ariane Mnouchkine et Wajdi Mouawad, s’insurgent contre une « logique de censure intégriste et identitaire », après les accusations de racisme ayant motivé la perturbation d’une pièce.
Les faits sont connus. Le 25 mars, à la Sorbonne, des activistes se réclamant de l’antiracisme (militants de la Ligue de défense noire africaine, de la Brigade antinégrophobie, etc.) ont bloqué l’accès à la représentation de la pièce Les Suppliantes, d’Eschyle, mise en scène dans le cadre du festival Les Dionysies par l’helléniste et homme de théâtre Philippe Brunet.
Cette grave agression est survenue après que le metteur en scène a été « interpellé » sur les réseaux sociaux, explique sur RT France Louis-Georges Tin, président honoraire du Conseil représentatif des associations noires (CRAN), qui, employant un vocabulaire digne d’un tribunal ecclésiastique médiéval, assène : « Je ne mets pas en doute ses intentions, mais nous disons : l’erreur est humaine, la persévérance est diabolique. »
Au motif que les actrices qui interprètent les Danaïdes formant le chœur – des Égyptiennes dans la pièce – ont le visage grimé en sombre et portent des masques cuivrés, cela étant assimilé à la pratique du blackface, il accuse Philippe Brunet de « propagande afrophobe, colonialiste et raciste ».
— Par Dégé —
Le Théâtre de poche Du Flamboyant*, à la fois chaleureux et inconfortable pour le public, offre souvent une programmation intéressante. Disons-le nettement la proposition du Cahier d’un retour au Pays natal joué et mis en scène par Colette Césaire, célébrant ainsi l’hommage anniversaire au poète-guide, surprend et renouvelle les offres antérieures.
En effet, par préjugé identitaire, on imagine instinctivement la voix de la révolte, virile, magnifiquement…martiale. Qu’elle soit douce, voire suave, c’est-à-dire « féminine », est impensable, impensée, improbable du moins tant qu’on n’a pas entendu Colette Césaire.
Ce défi, elle l’a longuement muri. Elle a une maîtrise impressionnante de ce texte immense dont nous connaissons tous par coeur de courts passages. Seule sur scène, elle murmure presque ce qui est habituellement une révolte trop hurlée. Et par contraste se détache dans toute sa force le cri césairien. La beauté nue de ce poème. Son verbe, son arme miraculeuse. Comme si le premier plan d’un tableau devenait secondaire, mettant en relief la grandeur du décor, l’essentiel.
La comédienne danse, elle chante, elle rythme de ses pieds la scène et le texte.
Partie sur les chemins de l’errance pour échapper à son rôle de femme « Potomitan » – sorte de mère courage caribéenne – Litha ne s’attend pas à l’étrange rencontre qu’elle va faire. Bazil, représentant de la mort dans la culture caribéenne, apparaît sous les traits d’un jeune homme séduisant qui l’invite à danser avec lui la dernière danse.
Lire la critique (Avignon 2018) de Roland Sabra sur Madinin’Art
A ce pressant appel, elle répond avec des armes poétiques pour repousser sans cesse l’heure fatidique. Litha fait appel à Édouard Glissant et Aimé Césaire, représentants respectifs du Chaos-Monde et de la Négritude, pour démontrer que la mort n’est pas finitude mais ouvre un cycle nouveau.
Cette pièce fait se rencontrer la Guadeloupe et la Corée du Sud autour du conte, du chant et des musiques traditionnelles dans une proposition esthétique contemporaine qui célèbre la diversité linguistique, culturelle
et artistique.
Le metteur en scène et comédien Hervé Deluge, nous propose avec Mea Culpa, un spectacle en partie autobiographique qui met en lumière les désarrois d’un artiste et ses difficultés à survivre dans notre société martiniquaise en ce qui concerne l’expression culturelle.
Lire :
«Mea culpa»: l’exorcisme des passions tristes — — Par Christian Antourel & Ysa de Saint-Auret —
«Mea culpa» ou plaidoyer pro domo? — Par Selim Lander —
«Mea Culpa», de la vraie vie à la scène— par Janine Bailly —
Si le dérapage de l’Atrium et la solidarité de nombreux artistes sont révélateurs du mal-être artistique, et social du pays, deux ans après jour pour jour il est bon de faire jouer la catharsis, d’évacuer et de purger les passions et il est aussi nécessaire de parler au public.
Cher(e) Adhérent(e), Cher(e) Spectateur(trice),
Pour mieux vous informer du contenu du programme de notre saison théâtrale, nous vous proposons une enquête portant sur les supports de communication utilisés par le Théâtre Aimé CESAIRE afin de mieux cibler ceux qui vous conviennent le mieux.
En répondant à notre questionnaire, vous acceptez de participer à un tirage au sort qui vous permettra de gagner :
Ø Une inscription gratuite à l’Atelier théâtre du SERMAC
Ø Deux places gratuites pour la pièce de votre choix programmée dans la nouvelle saison.
Une fois votre questionnaire rempli, déposez-le dans l’urne prévu à cet effet.
L’équipe du Théâtre Aimé CESAIRE vous remercie de votre parti
— par Janine Bailly —
Il nous est dit que pour écrire « Poussière(s) », Caroline Stella s’est inspirée des contes populaires de Grimm, qu’il y a donc dans son texte citations, reprises ou détournements. Quand bien même nous pensons avoir gardé un peu de notre âme d’enfant, la vie est passée sur nous, et les adultes que nous sommes devenus ne peuvent s’empêcher de les traquer, ces références littéraires. Alors qu’il suffirait de se laisser porter par l’énergie débordante de ce court spectacle d’à peine une heure, rythmé par un musicien hors pair, qui joue de son corps aussi bien que d’un tambour, d’un harmonica et d’une guitare. Avec en point de repères liés à l’univers enchanté et cruel du conte : le moulin, la haute tour à enfermer des princesses ordinairement aux longs cheveux blonds, le voyage initiatique en découverte et de soi-même et du monde, le fruit que l’on croque, des bottes de sept lieues, une blanche robe de noce, une fille jeune et belle qu’un père autoritaire prétend marier selon ses propres désirs,… En début de spectacle cependant, un petit film projeté évoque sans ambiguïté « Les Musiciens de Brême », faisant défiler âne, chien, chat et coq en chemin vers la maison des voleurs, tout petit film en taille et en durée, annonciateur de l’odyssée de Poussière.
— par Janine Bailly —
Il est assis tout au bord, tout au coin côté cour de la scène, immobile, comme une sombre statue qui dans la pénombre attendrait de prendre vie. Ou de mourir. Il est là déjà, alors que nous nous installons, qu’avec les amis retrouvés nous échangeons quelques derniers potins… un sas qui nous fera passer du monde extérieur à l’autre univers, magique, celui de la représentation théâtrale. Et puis les voix s’apaisent, laissant la sienne seule envahir les airs, puisque seul en scène il sera ; de son corps agile, tendre ou courroucé s’appropriant peu à peu tout l’espace du plateau.
Le voici qui se lève et marche jusqu’à cette chaise, sur le devant de la scène seule elle aussi, unique accessoire, unique compagne qu’il déplacera au gré de ses confidences, de ses colères, de ses réminiscences. D’abord il nous fait face et narre en un langage simple et familier une histoire plutôt banale, celle d’un voyage low cost qui aurait pu mal se terminer, histoire de turbulences aériennes autant qu’intimes, incident qui lui aura permis d’appréhender la mort, la certitude que face à elle et à la peur qu’elle inspire on se retrouve toujours seul — encore que cette dernière ne survienne brutalement pour lui qu’un an après ce premier épisode.
— Par Roland Sabra —
Caroline Stella est allée puiser dans ses souvenirs d’enfance les restes des contes des frères Grimm qu’on lui racontait ou qu’elle lisait pour en faire un migan savoureux dans la mise en scène de Nelson-Rafell Madel. Il semble bien pourtant que l’élément essentiel autour du quel s’organise le plat soit le « Peau d’âne. », longtemps oublié parce que sa thématique, l’inceste père-fille, semblait trop sulfureuse. Qu’en est-il de ses réminiscences dans Poussière(s) ?
Une jeune fille vit, dans un moulin, à l’ombre de son père qui la chérit et de Simon un jeune apprenti meunier qui n’est pas insensible à ses charmes. Poussière s’ennuie. Comme les ailes du moulin elle tourne en rond, observant la porte close qui la conduirait vers le monde si elle avait le courage de l’ouvrir et lui permettrait d’échapper au mariage avec l’élu de son père, un double de lui-même en plus jeune et et qui possède tout un champ de poiriers. Un pas de côté de la pomme défendue à la poire pour la soif, ou plutôt pour évoquer l’émancipation implicite contenue dans le proverbe français « Quand la poire est mûre, il faut qu’elle tombe ».
— Par Selim Lander —
Dans un récent billet[i], nous nous interrogions sur le paradoxe du comédien tenu de « jouer vrai ». On exige de lui qu’il s’accapare son personnage de telle sorte que les spectateurs puissent y croire, tout en restant constamment conscient qu’il ne fait que jouer. Evidemment, les spectateurs, qu’ils adhèrent ou non au personnage – du moins les spectateurs aguerris, ceux qui forment le public habituel des théâtres – ne peuvent eux-mêmes pas ignorer que ce qui se déroule sur le plateau n’est qu’un jeu : l’illusion n’est pas complète. Sauf que, n’en déplaise à Diderot, il n’est pas rare qu’un comédien, même un bon, se laisse par moments envahir par son personnage au point de s’oublier lui-même. Les mots sortent de sa bouche comme les siens, il oublie qu’il récite le texte d’un autre qu’il a appris par cœur. Et dans ce cas, il n’est pas rare que les spectateurs – même aguerris – oublient par moments, eux aussi, où ils se trouvent et identifient le comédien à son personnage, voire s’identifient eux-mêmes au personnage.
À l’occasion de la commémoration des dix ans de la disparition d’Aimé Césaire, la comédienne Colette Césaire nous invite dans une « balade poétique ».
Décryptage d’une oeuvre d’Aimé Césaire
Une soirée artistique, littéraire et culturelle pour comprendre et ressentir un des textes les plus célèbres d’Aimé Césaire.
C’est en faisant des études de lettres modernes à Paris, que Colette Césaire découvre « Cahier d’un retour au pays natal ». En lisant le livre à haute voix, elle a entendu un rythme, mais aussi Aimé Césaire.
« Un moment d’émotion pour entendre le rythme du texte, et recréer les conditions de la poésie », c’est le nouveau concept que développe Colette Césaire.
Par sa voix tout à fait originale et personnelle, tantôt douce et sensuelle, tantôt puissante et vibrante, Colette Césaire interprète Cahier d’un retour au pays natal et donne à ressentir toute la dimension émotionnelle, voire mystique et spirituelle, de l’écriture poétique césairienne.
Chant magique. Chant nègre. Colette Césaire révèle la force des mots et donne à comprendre la profondeur des maux du poète martiniquais, disparu le 17 avril 2008.
(entrée libre)
« Tu sais quelquefois on se demande à quoi que ça sert, tout ça, tout ce mal qu’on se donne. Et les matins qui se répètent. Putain de Dieu. Y a des jours où je voudrais être déjà dans le trou. D’ailleurs j’ai jamais été bien que dans des trous… ». Ainsi débute Le Déparleur. Un personnage se raconte, il est au bout du rouleau, il se remémore les principales étapes d’une vie de misères plus que de bonheurs qui l’ont conduit là où il est enfin parvenu, sur un bout de trottoir d’où il harangue les passants.
Lire sur Madinin’Art les critiques de Janine Bailly et Roland Sabra
Ce « seul en scène » est un monologue adressé au public, divisé en dix brèves parties, chacune traitant d’un thème particulier, récit d’un épisode vécu ou considérations plus générales (l’alcool, les trafics de drogue, la démocratie, la révolution, la médecine, etc.), tous sujets à propos desquels le personnage « déparle », nourri par son expérience et ses lectures.
Théâtre musical d’objets sonores
Association Lanbéli (Quartier Monnerot)
Muriel Morelle de la Compagnie Vent de Sable ( France) nous revient avec To to to! Ki moun ki la?
Chansons des îles, chansons françaises, bilinguisme franco-créole, une histoire où se mêlent des personnages issus des fables de la Fontaine à certaines entités emblématiques de la Martinique
Une mise en scène dynamique et amusante où les instruments de musique deviennent des personnages et s’invitent successivement pour partager un délicieux gâteau coco…
Un spectacle jeune public de 3 à 10 ans
— Par Roland Sabra —
Entre père-trop-peu et mère-trop un inventaire pour l’au-delà. À père défaillant, mère envahissante. L’ordre de cet énoncé ne vaut pas causalité univoque… «Seulaumonde» est né d’une rencontre entre l’auteur Damien Dutrait et le comédien, metteur en scène Nelson-Rafaell Madel. Une écriture issue de l’enfance de l’un dans laquelle l’autre se connaît. Au féminin elle s’appelle Izanami au Japon, Hel dans la mythologie nordique. Au masculin il se nomme Yama pour les hindouistes, Yanluowang en Chine bouddhiste, Mictlantecuhtli chez les Aztèques. Plus communément, plus prosaïquement on dira «La Faucheuse». Le souffle de sa lame a balayé «Seulaumonde» dans les turbulences d’un vol à trois sous de Paris à Barcelone. Il a eu peur. Il ne voulait pas mourir: il venait juste d’apprendre à nager! Il le dit à cet Autre aux trois visages le père, la mère et cet amour de derrière la porte. Il survivra à ce voyage. Mais la faucheuse est une conne, elle reviendra subrepticement, délestant la une des journaux d’un accident d’avion, pour une précoce rupture d’anévrisme. Plus conne tu meurs! «Seulaumonde» colle à son signifiant.
