Catégorie : Théâtre

Théâtre

« Il n’y a pas de Ajar », texte de Delphine Horvilleur, m.e.s. Johanna Nizard et Arnaud Aldigé, jeu: Johanna Nizard

— Par Michèle Bigot —

C’est un monologue, une charge contre l’identité que Delphine Horvilleur publie en 2022. Il est plus que jamais d’actualité aujourd’hui alors que les « identitaires » menacent de prendre le pouvoir. Identitaires que l’on ne trouve pas seulement à l’extrême droite, quoique ce soit leur terreau naturel. « Les imbéciles heureux qui sont nés quelque part » font florès aujourd’hui, comme ceux qui croient dur comme fer être quelqu’un, un seul et unique quelqu’un, que les thérapies douces et la spiritualité new age californienne nous inviteraenit à retrouver, à cultiver. Que ces idéologies soient funestes autant que risibles, ça ne fait aucun doute.
Delphine Horvilleur appuie sa démonstration sur l’exemple de caméléon qu’a fourni Romain Gary avant de disparaître. Fiction littéraire, double de papier savamment entretenu, supercherie d’écriture, autant de figure de la multiplicité de l’être et Emile Ajar est là pour nosu le rappeler. Delphine horvilleur en rajoute une couche en imaginant un fils pour Emile Ajar, Abraham Ajar, fils d’un père ficitf , enfant d’un livre. elle va chercher dans les textes de la tradition juive l’aliment de cette philosophie du manque et de la pluralité: on reconnaît ici la philosophie de Marc-Alain Ouaknin, précieuse pour les temps qui nous attendent.

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Avignon, Théâtre

« Exit » adaptation de Karine Dubernet et Benjamin Gautier, d’après le documentaire de Fernand Malgar, m.e.s. Charles Templon

— Par Michèle Bigot —

Voici un spectacle original et courageux qui relève d’une thématique difficile et éminemment contemporaine: le suicide assisté. L’assemblée nationale était en pleine discussion sur le projet de loi ouvrant enfin une perspective d’espoir à ce sujet quand est arrivée la dissolution. Dès lors il est à craindre que le projet passe aux oubliettes, surtout si l’extrême-droite arrive au pouvoir de façon imminente. D’autant plus nécessaire paraît cette proposition théâtrale, qui a vu le jour au moment où la convention citoyenne s’était prononcée en faveur de l’euthanasie et du suicide assisté. Que de recul en quelques mois!

Charles Templon, le metteur en scène s’empare du sujet après avoir vu le documentaire de Fernand Melgar Exit. Totu le travail d’adaptation théâtrale reste à faire, qui implique remaniement du texte, coupes choisies, montage inédit, distribution des rôles aux acteurs, scénographie, bref une véritable mise en scène de théâtre. On est en droit de se demander pourquoi faire un tel travail quand le documentaire pouvait suffire à faire le tour de la question. La réponse est apportée par le metteur en scène lui-même.

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Avignon, Théâtre

« Le journal d’un fou », de Nikolaï Gogol, adaptation et m.e.s. Ronan Rivière

— Par Michèle Bigot —

En dépit du tire, il s’agit moins d’un journal que d’une narration au fil des jours de la vie du petit fonctionnaire Pétersbourgeois, Aksenty Ivanovitch Poprichtchine. quoique d’antique noblesse et fier de son sang bleu, Aksenty a tout d’un déclassé., un de ces ronds de cuir dont fourmillent les administrations du XIXèsiècle et pas seulement en Russie: voir chez Balzac ou Maupassant. Le réalisme littéraire raffole de cette triste figure. Mais chez Gogol la figure se teinte d’une dimension métaphysique; il fait sombrer son anti-héros dans la folie . Vivant seule avec sa domestique ( Mavra, une paysanne ukrainienne nostalgique de la vie au village et qui éprouve un secret mépris pour ces hobereaux russes perdus dans le système et fort incultes à ses yeux, déjà!!), Aksenty se voit contrarié dans son ambition comme dans ses amours. La frustration qu’il accumule est telle qu’il finit pas sombrer dans la folie. L’univers parallèle que lui inspire ses bouffées délirantes le protège de sa déception. Il s’y accroche comme au seul remède à sa solitude et à son désespoir.

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Avignon, Théâtre

« Hécube, pas Hécube », d’après la tragédie d’Euripide, texte et m.e.s. Tiago Rodriuez

— Par Michèle Bigot —

Le texte imaginé par Tiego Rodriguez est une adaptation libre de la tragédie d’Euripide: la répétition de la tragédie antique par la troupe de la Comédie-Française est l’occasion de l’écriture d’une nouvelle tragédie, contemporaine, qui vient s’inscrire entre les lignes du texte d’Euripide. C’est une réplique moderne dans laquelle Nadia, l’interprète d’Hécube (jouée en l’occurrence l’excellente Elsa Lepoivre), apprenant que son fils Otis, atteint de troubles autistiques est l’objet de maltraitance dans l’institution qui l’a pris en charge.

Hécube femme de Priam eut de nombreux enfants dont Hector et Cassandre. Mais ce sont les deux derniers qu’elle perd dans cette tragédie: son dernier fils Polydore avait été confié au roi de thrace, Polymnestor, avec de grands trésors. Polymnestor, le traître fait assassiner Polydore pour lui dérober ses trésors. Hécube trouve le corps de son fils abandonné sur le rivage. Elle s’introduit dans le palais de Polymnestor, lui crève les yeux à l’aide de ses servantes troyennes et assassine ses fils. Elle représente donc une image de la vengeance en action et la question posée par la tragédie est celle de la justice.

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Avignon, Théâtre

« Un pas de chat sauvage », de Marie Ndiaye, m.e.s. de Blandine Savatier

— Par Michèle Bigot —

Impressionnée et quelque peu déroutée de voir son texte porté sur scène , Marie NDiaye écrit: « Le spectacle somptueux, furieusement féerique de Blandine Savatier m’a mise en présence de ce que je n’avais pas su ni compris en l’écrivant: cette histoire est un télescopage d’apparitions ou, plus précisément de revenantes. » Belle expérience d’extériorité par rapport à son propre texte, résultat de ce qu’on nomme publication. En rendant un texte public , on le lâche dans la société, il a désormais libre cours et fait son chemin loin de l’auteur. Cette extériorisation est décuplée lorsque ce texte est adapté à la scène: miracle de la scénographie, de l’incarnation par des actrices, des chanteuses, éclairé par des lumières , porté par des voix, des effets de rythme, des évolutions chorégraphiées.

L’affaire est complexe et d’un actualité étonnante: Une femme écrivaine, intellectuelle et blanche , double fictionnel de Marie Ndiaye, envisage d’écrire un roman à propos d’une chanteuse cubaine du XIX ème siècle, Maria Martinez. Mais pour ce faire, elle a recours à une femme faisant office d’intermédiaire, Marie Sachs, elle-même chanteuse noire, qui ayant eu vent de l’ambition de l’écrivaine la relance en lui demandant où elle en est de ses recherches.

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Avignon, Théâtre

« Entrée des artistes », texte & m.e.s. d’Ahmed Madani

— Par Michèle Bigot —

Voici un petit bijou à ne rater sous aucun prétexte. Ceux qui ont eu la chance de voir F(l)ammes et Incandescences retrouveront ici la fête théâtrale qui les a charmés. C’est tout un esprit d’équipe, un vrai travail collectif qui anime le groupe. Ce sont des jeunes issus de tous les milieux et de toutes les régions qui ont été sauvés par le théâtre. Sur les planches, ils ont appris la liberté du corps, la juste expression des voix, le choix mesuré des mots, la danse, la musique, l’exultation des corps délivrés des pesanteurs familiales et sociales. Tous les personnages jouent ensemble cet hymne au théâtre libérateur. A la faveur d’un apprentissage long et exigent, ils se tiennent au bord du quatrième mur, fiers, libres et joyeux. On leur a enseigné que « Se tenir debout sur une scène et faire de son corps, de sa voix, de ses sentiments, le matériau premier de son art n’est pas donné de tout le monde » (dixit Ahmed Madani). Cette authenticité, cette absolue sincérité ne s’obtient certes pas à coup de match d’impro; c’est le fruit d’un intense travail.

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Avignon, Théâtre

« Dämon. El funeral de Bergman », texte, m.e.s., scénographie, costumes d’ Angelica Liddell

— Par Michèle Bigot —

Angelica Liddell est désormais une habituée du Festival d’Avigon, où elle avait présenté Liebestod. L’odeur du sang ne me quitte pas des yeux et plus récemment Juan Belmonte (histoire du théâtre III). Voici qu’aujourd’hui elle s’empare de l’espace de la Cour d’honneur, gageure qu’elle tient avec succès, quoique occupant la scène à elle seule dans le plus grand dénuement pendant la première moitié du spectacle. Comme dramaturge et comme actrice, cet espace scénique est investi d’une valeur symbolique forte: il est porteur de la mémoire de tous les spectacles qui l’ont précédée depuis la création du festival, mais pour elle il est surtout le lieu de quantité de massacres aussi vieux que la cour papale: « Pour moi, la cour n’est pas un bâtiment. Le gradin est une représentation du monde, mais le château lui-même est l’âme, une âme hantée par les fantômes de la Tour Glacière et les cadavres de l’Inquisition. C’est un lieu de mort, de torture, rongé par des fantômes nés de corps torturés, battus, transpercés, violés, décapités, éviscérés et roués de coups de pied, des fantômes d’une guerre contre la pensée humaine, comme le dit Michelet. 

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Avignon, Théâtre

« L’Os à moelle Pierre DAC » un projet imaginé et m.e.s. par Anne-Marie Lazarini

— Par Michèle Bigot —

Le 13 mai 1938 paraît dans les kiosques français un hebdomadaire intitulé L’Os à moelle. Quatre pages, d’apparence sérieuse, mais entièrement dédié au non-sens , « Organe officiel des loufoques » selon son éditorialiste. Absurde, délirant , l’hebdomadaire ne tarde pas à essuyer des critiques acerbes, en un temps où la plaisanterie dérangeait l’esprit de sérieux dont on sait où il a mené la France. Pourtant le succès fut également considérable, 400 000 exemplaires s’arrachent la première semaine. L’hebdomadaire regorge de petites annonces loufoques , d’articles désopilants , de reportages fantaisistes, d’incongruités en tout genre, de maximes à toute épreuve: L’artichaut est la plus nobles conquête de l’homme après l’arrosoir. Pierre Dac se moque de tout et son sens de l’absurde vise à miner l’idéologie fasciste qui menace. Il entre même ouvertement en résistance en raillant Hitler: ainsi cette annonce: On recherche: recherchons mort ou vif le dénommé Adolf, taille 1m.47, cheveux bruns avec une mèche sur le front. Signes particuliers: tend toujours la main, comme pour voir s’il pleut. Signe spécial, le seul le rapprochant un peu d’un être humain: moustache à la Charlot.

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Avignon

« Le Mythe de Sisyphe », d’après Albert Camus, adaptation et jeu Pierre Martot

— Par Michèle Bigot —

Qu’il est étrange d’assister à une représentation du texte adapté de Camus au lendemain d’un premier tour des élections portant le RN en tête des suffrages et dans l’attente d’un deuxième tour ne promettant guère de lendemains qui chantent. Alors même que ce texte fut écrit en février 1941 au lendemain de la défaite de la France face au nazisme triomphant. Peut-on y puiser quelque espoir?

Oui et non, répondra la critique pondérée. Oui, car cette adaptation est un hymne au théâtre et à l’humanisme en général, en forme de pied-de-nez au totalitarisme qui monte. Pierre Martot qui incarne à merveille la figure de l’homme absurde portant son désespoir et sa révolte en étendard, illuminant notre nuit d’une lucidité vengeresse, portant haut la fierté des humains, laquelle consiste à accepter sa condition en dehors de toute transcendance. En tant qu’homme de théâtre, Camus voit dans l’art dramatique et le jeu des acteurs une parfaite image de l’humaine condition, se résumant au corps qu’il incarne dans sa finitude consentie et même revendiquée. En ce sens Pierre Martot continue et sublime ce message , par son jeu épuré quoique fortement incarné, sa diction claire, sa gestuelle éloquente non moins que par le jeu avec les rythmes et les tonalités.

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Littératures, Théâtre

Les Lectures du Laminaire

 Tropiques-Atrium Salle Frantz Fanon – 19h30

Mercredi 26 juin 19h 30

À l’encre de Mancelunier
Texte : Loran Kristian
Lecture dirigée par Charly Lerandy
Avec : Charly Lerandy et Dominik Lauréat
Dans ce recueil de poésie, « code source de 60 articles d’encre de lumière noire », Loran Kristian déploie une parole insulaire et globale, destinée à nommer la singularité plurielle des imaginaires caribéens.

Loran Kristian est un poète martiniquais. Son premier recueil Les mots de silence (K. Éditions) a reçu le prix Carbet de la Caraïbe et du Tout-Monde 2021. Son nouveau texte, À l’encre de Mancelunier (Edition Atlantiques déchainés), est paru en 2023.

Jeudi 27 juin 19h 30

Rosanie Soleil!
Texte : Ina Césaire
Mise en lecture : Arielle Bloesch
Avec : Alexandra Déglise, Rita Ravier, Suzy Singa, Caroline Savard
Pièce intimiste sur arrière-fond de drame historique, Rosanie Soleil fait entendre la parole occultée de quatre femmes s’efforçant, pour se protéger l’une l’autre, de passer sous silence leur participation à la révolte qui en 1870 a enflammé le sud de la Martinique.

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Théâtre

L’Autre Bord ouvre un théâtre de poche pour 3 soirées exceptionnelles.

27-28-29 juin 2024 à 19h30 au Murielle Bedot Center au Village de la Poterie aux Trois-Ilets

Après trois dates de l’Atelier de FDF au Théâtre Aimé Césaire, qui ont affiché complet, c’est maintenant aux comédiens amateurs de l’Atelier des Trois-Ilets dirigés par Guillaume Malasné de monter sur scène, ils présentent « Cet Enfant » de Joël Pommerat.

27-28-29 juin 2024 à 19h30 au Murielle Bedot Center au Village de la Poterie aux Trois-Ilets

Tarif unique 15€ / A partir de 14 ans

Informations et billetterie sur www.lautrebordcompagnie.com et facebook / instagram

Lire aussi :

« Cet enfant » : une création de Joêl Pommerat — Par Michèle Bigot —

10ème Rencontre Théâtre Amateur : « Ne croyez, pas que je ne l’aime pas cet enfant » — Par Christian Antourel —

«Ne croyez pas que je ne l’aime pas cet enfant » : du père au pire…— Par Roland Sabra —

 Ne croyez pas, que je ne l’aime pas cet enfant »: la famille, nœud de vipères ? — par Janine Bailly —

« Ma mère […] elle crèvera de voir que je suis capable de faire mieux que ce qu’elle a fait elle pour nous ses enfants. 

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Théâtre

Le renouveau du théâtre français : une évolution inattendue

— Par Hélène Lemoine —

Après la crise sanitaire liée au Covid-19 qui a mis à mal le monde du spectacle, le théâtre en France connaît un regain surprenant. Selon l’enquête « Les Français et le théâtre » menée par Médiamétrie et publiée le 20 juin, la fréquentation des théâtres est en hausse. Cette étude révèle que 24 % des internautes interrogés ont assisté à une représentation théâtrale au cours des douze derniers mois, une augmentation notable par rapport aux années précédentes.

Une augmentation de la fréquentation théâtrale

Les Français semblent retrouver le chemin des salles de théâtre. En effet, 12,2 millions de personnes ont déclaré être allées au théâtre l’année dernière, une augmentation de près de 20 % par rapport à l’année précédente. Cette tendance est particulièrement marquée chez les jeunes, une démographie qui s’était éloignée des salles obscures ces dernières années. En moyenne, les spectateurs ont assisté à 6,2 représentations au cours de l’année, un chiffre en hausse par rapport aux précédentes études.

Des thématiques audacieuses plébiscitées

Un aspect notable de cette étude est l’intérêt croissant des spectateurs pour des sujets complexes et parfois controversés.

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Théâtre

« Re Chicchinella », une fable librement inspirée de Giambattista Basile, m.e.s. d’Emma Dante

Festival des Comédiens Montpellier, 18-19 juin 2024

— Par Michèle Bigot —

Une fois encore, le public français est ravi de recevoir un spectacle d’Emma Dante, dans une production du Piccolo Teatro di Milano. Et, comme ce fut le cas avec les spectacles précédents proposés à Avignon, Bestia di scena, Le Sorelle Macaluso, Misericordia, Pupo di zucchero, elle nous propose un spectacle original, à mi-chemin entre la performance, le ballet, la comédie italienne, l’opéra et le drame shakespearien.

La richesse de ses propositions théâtrales tient au fait qu’Emma Dante est tout à la fois une comédienne, une dramaturge, une réalisatrice et une metteuse en scène d’opéra et de théâtre. Comme ce fut le cas pour ses pièces précédentes, elle tire son inspiration d’un écrivain napolitain du XVIème siècle, Giambattista Basile, auteur d’un Pentamerone et nous livre ici une fable en dialecte napolitain qui met en scène un roi de fantaisie, dont on ne compte plus les titres: Charles III d’Anjou, roi de Sicile et de Naples, prince de Giugliano, comte d’Orléans, vicomte d’Avignon et de Forcalqier, prince de Portici Bellavista, roi d’Albanie, prince de Valence et roi titulaire de Constantinople!

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Théâtre

Balkony – Pieśni Miłosne (Balcons-Chants d’amour), d’après John Maxwell Coetzee et Federico Garcia Lorca

Première en France au Festival des Comédiens, Montpellier 14-15 juin 2024

— Par Michèle Bigot —

Krystian Lupa, bien connu en France, surtout depuis sa mise en scène retentissante des Les Emigrants de W.G. Sebald à l’Odéon en janvier, mais aussi pour ses mises en scène de Broch, Musil, Bernhard et Kafaka, se déploie ici dans toute sa verve, dans un spectacle en polonais sous-titré dans lequel il adapte et coud ensemble des extraits de L’Eté de la vie de J.M.Coetzee et de La Maison de Bernarda Alba de Federico Garcia Lorca. Deux textes apparemment fort éloignés dans le temps comme dans la thématique. C’est donc une gageure que relève K.Lupa en y ajoutant sa marque personnelle: une médiatisation à deux étages qui fait apparaître la voix caverneuse du metteur en scène guidant ses acteurs d’une parole critique ou mystérieuse au premier niveau et au second niveau (niveau diégétique) les auteurs des deux textes eux-mêmes, figures pleines d’ironie moqueuse de Lorca et de Coetzee. Tout se passe donc comme si les trois artistes, Lupa, Lorca et Coetzee se faisaient complices dans le regard ironique qu’ils portent sur les textes, les personnages et la représentation elle-même.

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Théâtre

« Des jours entiers, des nuits entières », dans une mise en scène de Guillaume Malasné

« Des jours entiers, des nuits entières » de Xavier Durringer, est une œuvre théâtrale singulière composée de fragments, de monologues et de dialogues sans lien narratif évident. Xavier Durringer, réputé pour sa capacité à créer une langue orale et instinctive, nous livre ici une série de « bouts de textes » et de petits événements croqués à chaud, tel un grand jeu de cartes où chaque texte apporte sa propre fin. Cette structure éclatée reflète la vie moderne et ses complexités, mêlant des histoires d’amours et de fric, de crises et de résolutions.

Photo : Peggy  Leblanc Fargues

La pièce explore principalement les relations amoureuses, avec des personnages qui ont évolué au fil des ans, traversant des expériences variées : amourettes, crises, paternité, maternité, abandons et reconstructions. Les thèmes abordés vont des scènes de ménage aux flirts surréalistes, des désirs aux espoirs, des violences aux sourires cachés. Durringer puise son inspiration dans les mots de la rue et les errances individuelles, créant ainsi un réalisme poétique saisissant.

La langue de Xavier Durringer est percutante, familière et poétique. Elle est spontanée et immédiate, les personnages s’exprimant sans détours, « sans fleurs ni fards ».

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Théâtre

« Berlin Berlin », texte de Patrick Haudecoeur et Gérard Sibleyras, m.e.s. Marie Alba

Vendredi 07 juin & samedi 08 juin2024 à 19h30 au théâtre Aimé Césaire

— Présentation par Marie ALBA —
Plébiscitée par le public à Paris la pièce » Berlin Berlin », co-écrite par Patrick Haudecoeur et Gérard Sibleyras, a reçu en 2022 le Molière de la meilleure comédie et du meilleur comédien.

La troupe de l’Art Gonds Tout propose au théâtre Aimé Césaire le 07 et 08 juin 2024 cette pièce qui aborde de manière loufoque et hilarante le thème de la guerre froide et du mur de Berlin à la fin des années 80.

Le spectacle débute par une vidéo retraçant, dans un cadre historique singulier, l’existence de ce mur de quatre mètres de hauteur sur cent cinquante-cinq kilomètres de long gardé par 14 000 soldats à la détente facile et par des chiens.

Erigé en 1961 et jalonné de miradors, le mur sépare en deux la ville de Berlin et représente le symbole de l’opposition de deux mondes, celui du capitalisme et du communisme.

La suite se déroule dans un appartement austère et chargé de symboles soviétiques, situé à Berlin Est et dans les locaux de la Stasi, police secrète de la RDA, au service du parti communiste et chargée de surveiller chaque citoyen.

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Théâtre

« Des jours entiers, des nuits entières », adaptation des textes de Xavier Durringer, m.e.s. Guillaume Malasné

30-31 mai et 1er juin 19h30 au Théâtre Aimé Césaire

Évènement : l’Autre Bord Compagnie revient sur les planches du Théâtre Aimé Césaire avec une nouvelle création amateurs.

Après les succès du « Vol des oies sauvages » en 2019, de « Jeux de Massacre » en 2018, « Ne croyez pas que je ne l’aime pas cet enfant » en 2017 et de deux adaptations de « La Réunification des deux Corées » en 2016 et 2023), l’atelier amateur de Fort-de-France présente : Des jours entiers, des nuits entières, adaptation des textes de Xavier Durringer (Chroniques 3 des jours entiers, des nuits entières, 2013).

Une nouvelle aventure artistique et collective pour les 14 comédiens amateurs accompagnés et dirigés par Guillaume Malasné.

30-31 mai et 1er juin 19h30 au Théâtre Aimé Césaire Tarifs 22€ / 18€
Toutes les infos et les réservations sur: www.lautrebordcompagnie.com et facebook / instagram

Dans une langue percutante, familière, poétique, Xavier Durringer nous immerge dans le flot tu-multueux du chaos amoureux : des sentiments naissants entre une artiste et son modèle nu à la fuite d’une femme qui sauve sa peau et celle de ces enfants, en passant par la rupture d’un couple qui se déchire pour un canapé ou les confidences d’une femme libre sur ses ébats amoureux…

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Théâtre

HDN, Opéra d’un Tout-Monde est une reprise vibrante et poignante de « Histoire de nègre » d’Édouard Glissant

Édouard Glissant propose une réflexion profonde sur la mise en contact des cultures. À travers HDN, il défend une dynamique de la diversité contre l’idéologie de l’Un et de l’unique, en célébrant une poétique des humanités et du vivant. L’auteur s’oppose à une vision linéaire et unique de l’histoire, préférant une approche plurielle et relationnelle qui reflète la complexité des expériences humaines. Reliée aux différentes réalités du monde, sa pensée invite à percevoir autrement les beautés infimes de la planète, abordant des thèmes comme l’identité, l’écologie, le racisme, et la mondialisation. Transformé en conteur, il nous fait vivre l’histoire de la colonisation et de l’esclavage, une histoire faite de sang, de chaînes, de domination, mais aussi de luttes pour la liberté et la justice. Il célèbre les héros de la résistance et de l’indépendance, engageant le spectateur dans une marche épique depuis la terre mère africaine jusqu’aux Amériques en passant par l’Europe.

Ce spectacle incarne un patchwork à l’image des Antilles, relatant des événements et figures marquantes de l’histoire, de Patrice Lumumba à Malcolm X, en passant par le Roi Léopold II, Luther King, Sankara, Aliker, les kalinagos, les arawaks, les premiers colons, et les grèves réprimées.

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Cinéma, Théâtre

« Les Faux British », une pièce de Henry Lewis, Jonathan Sayer et Henry Shields

Dimanche 26 mai à 21h sur France 4

— Par Hélène Lemoine —

 « Les Faux British », proposée par la Compagnie des Femmes à barbe, est une pièce de théâtre hilarante qui se joue depuis près de 10 ans. Ovationnée par le public depuis de nombreux mois, elle a remporté le Molière de la Comédie en 2016. La pièce, qui reprend les codes de l’absurde à la manière des Monty Python, promet une soirée de rire et de bonne humeur.

L’histoire tourne autour du club des admirateurs de Conan Doyle, qui décide de monter une pièce inédite, supposément écrite par le célèbre romancier anglais. Cependant, l’amateurisme de cette troupe va transformer la représentation en un véritable chaos comique, où tout ce qui peut mal tourner le fait. Dès l’arrivée des spectateurs, les imprévus se multiplient : un chien perdu, une cheminée qui s’écroule et des accessoires défectueux.

La pièce débute avant même que les spectateurs ne soient assis, avec des éléments de décor qui tombent en morceaux et des acteurs qui se présentent maladroitement. Les comédiens, incarnant des amateurs, exagèrent leurs traits et leurs performances deviennent grotesques, ajoutant une couche supplémentaire d’humour.

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Théâtre

« 1902 – Une catastrophe au bout de folles certitudes » de Léo Ursulet, m.e.s. d’Élie Pennont

Samedi 25 mai à 19h30 au T.A.C. de FdF

Cette pièce de théâtre s’appuie sur les recherches historiques de Léo Ursulet.

La pièce se déroule du début du carnaval de 1902 au 8 mai. Outre la vie à Saint-Pierre, elle nous fait partager les doutes, les questionnements des autorités responsables sur la situation quelques jours, quelques heures avant la tragédie.

L’auteur : Léo Ursulet est historien spécialiste de la catastrophe de Saint-Pierre en 1902 qui fut l’objet de sa thèse de doctorat.

Le metteur en scène : Élie Pennont, comédien, dramaturge et metteur en scène, Elie Pennont est responsable de l’atelier théâtre du SERMAC.

La catastrophe de 1902 à la Martinique figure de manière très discrète dans le répertoire des catastrophes naturelles les plus meurtrières dans le monde. Pourtant la perte de 29 000 victimes pour sa population en 1902 de 204 000 âmes, correspondrait par exemple pour la France d’aujourd’hui à une perte de 9,4 millions de personnes.

De même, cette catastrophe, verrons-nous, a interpellé le monde, de par sa nature, de par ses échos, de par la diversité d’origine de ses victimes ; elle est également retenue par l’histoire pour sa richesse en divers enseignements.

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Théâtre

HDN – Opéra d’un Tout Monde

Samedi 25 mai – 19h30 Tropiques-Atrium

D’après Histoire de Nègre, texte original d’Édouard Glissant et le groupe de théâtre de l’Institut Martiniquais d’Études (IME)
Adaptation et mise en scène : Gilbert Laumord
Avec la collaboration artistique de Tanbou Bô Kannal, Atelier Théâtre Tropiques Atrium et Voukoum-Mouvman Kiltirèl Gwadloup

50 ans après sa création, voici la première production de cette pièce qui relate les luttes noires contre l’oppression et pour la dignité humaine, une histoire qui gagne aujourd’hui encore à être racontée.

Édouard Glissant, métamorphosé en conteur, invite son auditoire à vivre l’histoire de la colonisation et de l’esclavage, une histoire faite de sang, de chaînes, de domination et de luttes pour la liberté et la justice. Cette histoire célèbre les héros de la résistance et de l’indépendance et engage le spectateur dans une marche épique depuis la terre mère africaine jusqu’aux Amériques en passant par l’Europe.

Héritier du chantre de la Créolisation, le metteur en scène Gilbert Laumord défend un théâtre ancré simultanément dans la tradition caribéenne ancestrale et ouvert sur le monde contemporain : il puise dans les contes créoles et dans le rituel guadeloupéen du Léwòz pour construire un spectacle transversal qui parle à tous les publics.

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Théâtre

« Brazza – Ouidah – Saint-Denis », une enquête théâtrale sur la mémoire coloniale

Alice Carré, venue pour la troisième fois en Martinique, poursuit son exploration théâtrale avec « Brazza – Ouidah – Saint-Denis », une œuvre où le documentaire et la fiction se mêlent pour donner vie à une enquête poétique sur la mémoire collective. En collaboration avec Margaux Eskenazi, Carré s’inspire de la formule d’Édouard Glissant, « Apprendre à nous souvenir ensemble », pour interroger les souvenirs enfouis et les zones d’ombre de l’histoire coloniale française.

Synopsis

« Brazza – Ouidah – Saint-Denis » suit les parcours entrelacés de deux femmes : Melika, une Française d’origine béninoise découvrant tardivement que son grand-père fut tirailleur sénégalais durant la Seconde Guerre mondiale, et Luz, qui enquête à Brazzaville sur les implications familiales dans les conflits passés. Leurs recherches les confrontent à des archives ambiguës et à des témoignages rares, mettant en lumière des épisodes tragiques et méconnus comme le massacre de Thiaroye.

Une Traversée Historique

Le texte d’Alice Carré plonge dans l’histoire des tirailleurs africains, souvent appelés à tort « sénégalais », et révèle la complexité de leur engagement et des stigmates laissés par les guerres et la colonisation.

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Théâtre

« Brazza – Ouidah – Saint-Denis », texte & m.e.s. Alice Carré

Vendredi 17 Mai – 19h30 Topiques-Atrium

Brazza – Ouidah – Saint-Denis pénètre au cœur de l’histoire des tirailleurs qu’on a, par méconnaissance et facilité, tous appelés sénégalais – qu’ils proviennent d’Oubangui-Chari, de Brazzaville, de Libreville ou de Porto-Novo… Le texte s’inspire de matériaux d’archives, et de témoignages d’anciens combattants, de descendant.e.s d’anciens combattants à qui l’histoire n’a été que partiellement transmises. Il y est question de mémoire, d’oubli, d’engagement, de combats dans la neige, du blanchiment des troupes pour la libération de Paris, d’évasions des camps de prisonniers, de luttes pour l’indépendance, de Thiaroye, des Sapeurs paradant sur le boulevard Matsua. A travers différents personnages, il souhaite se faire l’écho des descendants deuxièmes et troisièmes générations d’immigrés porteurs de ces mémoires, de tous ces récits de vie qui construisent la France d’aujourd’hui.

Lire aussi : « Thiaroye44 » : les mystères d’un crime de masse, au Sénégal en 1944

« Ce qu’[Alice Carré] a entrepris dans un très savant et subtil tissage construit comme une enquête aux multiples ramifications, et où l’on va de découverte en découverte, de révélation en révélation (secrets familiaux dévoilés) trouve encore dans notre société d’aujourd’hui des échos : les ravages du colonialisme imprègnent et expliquent sans doute encore certains de nos comportements.

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Théâtre

« A bout de sueurs », texte de Hakim Bah, m.e.s. de Diane Chavelet & Hakim Bah

Samedi 4 Mai – 19h30 à Tropiques-Atrium

Présentation :
Lauréat du Prix Lucernaire – Laurent Terzieff et Pascale de Boysson 2019.

À bout de sueurs est une tragédie sur le mirage de l’exil, et une longue plongée aux enfers, qui engloutit implacablement une famille entière, femme, mari et enfant. Ce qui a motivé l’écriture est un fait divers authentique à partir duquel Hakim Bah remonte une chaîne dramaturgique. Un drame : celui de deux jeunes passagers retrouvés morts de froid dans le train d’atterrissage d’un vol Conakry-Bruxelles. L’action a lieu dans un pays du Sud. Binta revoit Fifi, son amie d’enfance, après de longues années de séparation. Fifi est allée vivre en France après avoir rencontré Michel sur internet. Elle initie Binta à cet outil pour la libérer d’une vie conjugale harassante. Binta quitte son mari Bachir pour aller rejoindre un autre homme, sous prétexte d’aller secourir un frère malade en France. Les mois passent. Bachir met tout en œuvre pour reconquérir Binta, désormais injoignable. Il prend le parti de venir la récupérer à Paris, et abandonne ses enfants. Les enfants décident alors de partir à leur tour avec l’espoir de revoir leur maman, ce qui entraîne leur mort dans le train d’atterrissage de l’avion.

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Théâtre

« La Machine de Turing », de Benoit Solès, m.e.s. de Tristan Petitgirard

Les 2, 3 et 4 mai 2024 à 19h30 au T.A.C.

4 MOLIÈRES

Meilleur spectacle Théâtre Privé
Auteur francophone vivant : Benoit Solès
Metteur en scène Théâtre Privé : Tristan Petitgirard
Comédien  : Benoit Solès

L’incroyable destin d’Alan Turing, le mathématicien anglais qui a brisé le code secret de l’Enigma allemande pendant la Seconde Guerre mondiale.

L’histoire vraie d’un génie au destin brisé.
Manchester. Hiver 1952. Suite au cambriolage de son domicile, le professeur Turing porte plainte au commissariat. D’allure peu conventionnelle, il n’est d’abord pas pris au sérieux par le sergent Ross. Mais sa présence n’échappe pas aux Services Secrets. Et pour cause, Alan Turing est un homme détenant de nombreux secrets… De son incroyable acharnement pour briser l’« Enigma », à sa course irrépressible pour comprendre le « code » de la nature, nous découvrons un homme atypique et attachant, inventeur d’une « machine pensante », véritable genèse de l’intelligence artificielle et des ordinateurs… Marqué à jamais par la mort de son ami d’enfance, Christopher, Alan Turing sera finalement condamné pour homosexualité et mettra fin à ses jours, tel Blanche-Neige, en croquant dans une pomme empoisonnée… Voici le destin hors du commun d’un génie injustement resté dans l’ombre et broyé par la « machine » bien-pensante de l’Angleterre des années 50.

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