Catégorie : Théâtre

Avignon

Avignon 2022-1 : « Glob », « Hidden Paradise », « Arletty » (OFF)

— Par Selim Lander —

Ouverture bien tardive de cette chronique alors que le festival est déjà en son mitan. Pour débuter, deux pièces québécoises et, pour finir, Arletty, la nouvelle pièce du dramaturge Koffi Kwahulé consacrée à la star qui a traversé presque tout le XXe siècle.

Glob par les Foutoukours

Jean-Félix Bélanger et Rémi Jacques sont deux clowns à nez rouge mais qui ne font pas dans la pantalonnade. Chez eux tout est douceur, grâce, élégance. Ils nous font rire mais à peine. Ils nous enchantent, ils nous ravissent dans leur monde où rien ne semble avoir d’importance, où tout s’arrange avec un (tout) petit peu d’astuce et beaucoup de bonne volonté. S’ils font mine, parfois, de se fâcher, leur complicité ne faillit jamais. Pas besoin de mots pour se comprendre, quelques onomatopées suffisent. Les outils pour nous séduire se résument à peu de choses : une « échelle d’acrobate » inventée pour la circonstance, des balles de jonglage, des boules lumineuses qui ont tendance à changer de couleur,… ce qui n’est pas sans poser à nos deux comparses les problèmes qu’on imagine facilement.

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Théâtre

Avignon 2022 : quand la scène exorcise les démons du Bataclan

Avignon – « Les morts vivent un peu en toi »: au Festival d’Avignon, deux pièces fondées sur des histoires de rescapés de l’attaque terroriste contre le Bataclan sont une véritable ode au pouvoir guérisseur de l’écriture et de l’amour.

La comédienne Fanny Chasseloup et son mari étaient dans la salle de concert le soir du 13 novembre 2015. Un an plus tard, cette rescapée noircissait des pages pour soulager son cœur, mais hésite à les rendre publiques. 

« J’avais trop de blocages et trop peur que les familles pensent que j’instrumentalisais mon récit« , affirme à l’AFP la comédienne aujourd’hui âgée de 38 ans et dont le mari a survécu à ses blessures. 

« J’ai ensuite rencontré (la metteuse en scène et réalisatrice, NDLR) Ariane Mnouchkine. Je lui ai dit que je n’avais pas le droit d’écrire tout ça. Elle m’a répondu: +Tu n’as pas le droit, tu as le devoir+. Ça m’a complètement débloquée« , se rappelle-t-elle. 

– S’éloigner du simple témoignage – 

Le résultat est « Les Vivants« , pièce qu’elle a créée dans le « off » d’Avignon en 2021 et reprise cette année dans le même festival. 

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Festivals, Théâtre

À Almada, « ödipus » sur la grande scène du TMJB 

Quand Ostermeier s’approprie le mythe d’Œdipe 

–– par Janine Bailly ––

Pour avoir vu, en 2016, au Théâtre parisien de l’Odéon, la version de La Mouette, proposée par Thomas Ostermeier, membre de la direction artistique et metteur en scène à la Schaubühne de Berlin, je partage cette idée que, tout en respectant l’esprit des textes, contemporains ou classiques, le metteur en scène sait leur insuffler une modernité bien à lui, se les approprier et les marquer de son sceau. Mais si dans La Mouette, il donnait le texte original, le faisant précéder d’un prologue où les comédiens, rappelant l’attention que Tchekhov portait au monde, évoquaient la Syrie, ou se livraient à la critique des modes et outrances d’un certain théâtre contemporain, pour ödipus – sans majuscule – il ne prétend pas travailler les œuvres ni de Sophocle ni d’Euripide. Il demande à Maja Zade, dramaturge à la Schaubühne, de lui écrire un texte qui placera le mythe au cœur de notre siècle, en le connectant aux problèmes qui sont les nôtres.

Nous voici donc en Grèce, pour des vacances sur cette terre éminemment mythologique, évoquée par une projection d’images qui peignent davantage une terre brûlée qu’un lieu paradisiaque : pressentiment d’un drame et mise en éveil du spectateur ?

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Avignon

Avignon 2022: « L’Occupation », texte d’Annie Ernaux m.e.s. Pierre Pradinas avec Romane Bohringer et Christophe « Disco » Mink

— Par Michèle Bigot —

Occupée, une femme est ici occupée, au deux sens du terme. Cette femme c’est le double de l’autrice, elle vient de se séparer de W. avec qui elle a vécu pendant cinq ans. Elle a pris l’initiative de cette rupture mais elle espère néanmoins le retrouver un jour. Sauf que de son côté, lui se remet en couple avec une femme, dont il tait le nom. La narratrice est désormais habitée par un obsession, tout connaître de sa rivale, mais surtout son nom, comme si le nom disait l’essentiel de la personne, qu’il suffisait à l’appréhender, voire à la cerner. « La jalousie! C’est le monstre aux yeux verts qui produit l’aliment dont il se nourrit » dit Macbeth.

Romane Bohringer incarne à la perfection cette femme dévorée par la jalousie et elle nous entraîne irrépressiblement dans les méandres de son ressassement, accompagnée qu’elle est par la musique de Christophe ‘Disco » Mink. Successivement la harpe, synthétiseur, la guitare, le piano vont souligner les accents variés de cette passion dévorante. « Cette femme emplissait ma tête, ma poitrine et mon ventre.

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Avignon, Expositions

Avignon 2022 : l’artiste afghane Kubra Khademi met en scène des corps libres

Exposition. À Avignon, l’artiste afghane, autrice de l’affiche du Festival, présente à la collection Lambert une sélection de ses œuvres dans « First but not last time in America ».

Correspondance particulière.

L’artiste afghane Kubra Khademi entre dans la pièce, déroule une bobine de fil doré et commence à tisser une toile sur un tas de vestes éparpillées au sol. Elle ignore le public qui l’observe, concentrée sur sa création. La performance De l’armure aux gilets accompagne l’exposition « First but not last time in America » à la collection Lambert, sur toute la durée du Festival d’Avignon. Kubra Khademi est aussi l’autrice de l’affiche de la 76e édition du Festival, une colonne de jeunes femmes nues qui regardent à l’horizon.

S’affranchir de toute sexualisation

Bien loin de la polémique qui accuse l’artiste de promouvoir la pédophilie, Kubra Khademi défend un art engagé, inspiré de la culture afghane et mettant en scène des corps libres. Les fresques exposées à Avignon s’affranchissent de toute sexualisation du corps des femmes. Les lignes sont nettes, l’artiste a choisi des gouaches ocre et bleu uni, et les silhouettes rappellent des miniatures mongoles.

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Théâtre

« Moi Chien créole », de Bernard Lagier, m.e.s. D. Bernard, jeu Ndy Thomas

Le 13 juillet 2022 à 19h30 au T.AC.

— Par Marie-André Brault —
Hurler à la lune
Profitant de l’obscurité qui délie les langues, un chien errant s’adresse à vous, raconte sa vie et surtout celle des hommes qui partagent son lot. Exclu, rejeté, méprisé ou tout simplement ignoré, le voici qui devient la voix des sans-voix. Ce chien créole – « ce pelé, ce galeux », disait-on du baudet de La Fontaine – imaginé par l’auteur martiniquais Bernard Lagier, s’il vit dans la fange et dit la détresse des laissés-pour-compte, raconte en cherchant la grandeur chez ces esseulés.

Lire aussi sur Madinin’Art : Moi Chien créole

Le texte de Lagier prend la forme d’un monologue polyphonique qui exige de l’interprète un va-et-vient entre les propos du chien et ceux de Titurpice, employé de la voirie sans envergure dévoré par l’amour, ou de Lacolas, petit voyou, poète des rues qui veut devenir quelqu’un pour honorer la mémoire de son père. À la faveur de la nuit et de l’alcool, le chien créole, croyant en l’importance de faire entendre ce qui est tu, se fait l’écho de leur parole pour retrouver ensuite sa condition de cabot.

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Avignon

Avignon 2022 : « Pourquoi Jessica a-t-elle quitté Brandon ? » Concepteurs et interprètes : Pierre Solot et Emmanuel De Candido

— Par Michèle Bigot —

Présenté ainsi, vous diriez qu’il s’agit encore d’une de ces bluettes dont les séries télévisées américaines sont friandes. Et en effet, ça commence comme ça: Brandon a rendez-vous avec Jessica dans un Starbucks et elle lui met le marché en mains: « Brandon, ou bien tu me parles ou bien je te quitte! ». Que va faire Brandon? Assurément, Jessica va le quitter, mais pourquoi?

Pour connaître la suite, il va falloir se pencher sur la vie de Brandon, le monde dans lequel il évolue. Ici commence l’enquête. Et il s’avère que Brandon a été pendant toute son adolescence accroc aux jeux video. On va suivre avec lui l’évolution de la technique et de l’IA qui les crée. En s’emparant d’outils numériques variés, les auteurs refont l’histoire des jeux vidéo avec dérision. Brandon se révèle être un « digital native » de la plus pire espèce. Il est taiseux, isolé, on peut s’inquiéter pour lui. Mais où cela va-t-il le mener?

L’enquête théâtrale autour de Brandon, sous forme de conférence gesticulée, va nous mener sur les traces d’un lanceur d’alerte.

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Théâtre

Avignon 2022 : une pièce monstre relie le jour et la nuit

Avignon – « Quelle abnégation! », lance la comédienne au public. Ou « ils sont masochistes », plaisante un autre acteur. Au Festival d’Avignon, une épopée théâtrale relève le défi de garder assis des spectateurs pendant 13 heures… avec quelques entractes tout de même.

Ce n’est pas une première. En 2018, Julien Gosselin faisait une adaptation en dix heures de trois romans de l’Américain Don DeLillo et, cette année-même, le directeur sortant du festival, Olivier Py, monte sa monumentale œuvre « Ma Jeunesse exaltée » (10 heures également). 

A la Fabrica, une des scènes du festival juste en dehors de la « Cité des papes« , le public, resté globalement jusqu’au bout, s’est levé vers minuit pour applaudir bruyamment les 17 comédiens et comédiennes du « Nid de cendres« , du dramaturge français Simon Falguières, 33 ans. 

Après chacun des quatre entractes et deux pauses, deux comédiens s’extasient (« Ils ne sont pas partis!« ) et s’amusent à encourager ou à taquiner l’assistance.  

Dans cette épopée divisée en sept parties et qui oppose un monde réel à celui des contes, on retrouve un couple qui abandonne son bébé près de la roulotte d’une troupe itinérante de théâtre puis, d’un autre côté, une reine malade –une sorte d’allégorie de l’Occident– ainsi qu’un roi et une princesse qui veulent la guérir.  

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Avignon

Avignon 2022 : « À ne pas rater », écriture, scénographie et m.e.s. Nicolas Heredia

— Par Michèle Bigot —

“Rien n’est si insupportable à l’homme que d’être dans un plein repos, sans passions, sans affaire, sans application.” Alors comment traduire cette vacuité sur un plateau, alors même que le théâtre relève du divertissement au sens où l’entendait Pascal (même si hélas il relève aussi souvent du divertissement tel que l’entend la telereality, la programmation du off en témoigne)?

Chaque spectateur qui choisit un programme se demande avec anxiété ce qu’il a raté comme performance pendant ce temps là. Peut-être quelque chose de plus intéressant?

C’est d’emblée ce que nous jettent à la face les deux personnages en scène. “ À la base, un spectacle, c’est d’abord ça: un certain nombre de personnes enfermées dans une salle pendant un certain temps. Voilà. Pendant une heure, vous allez donc être coincés ici, pour assister à ce spectacle. Et forcément pendant que vous assisterez à ce spectacle, vous allez rater tout ce qui se passe ailleurs. ‘

Nous sommes tous pris par l’angoisse d’être en permanence en train de rater quelque chose, même si ça se passe au bout du monde.

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Avignon

Avignon 2022 : « Le Moine noir » d’après Anton Tchekhov, m.e.s. Kirill Serebrennikov

— Par Michèle Bigot —

En pleine tourmente et au beau milieu de la guerre en Ukraine, un artiste russe présente dans la Cour d’honneur un spectacle sur la folie. Proposition théâtrale adaptée d’un récit de Tchekhov, lui-même intitulé Le Moine noir. L’histoire que raconte Tchekhov est simple, c’est celle de Kovrine, philosophe en perdition, recueilli à la campagne chez un horticulteur, Pessotki, qui le considère comme son fils adoptif et lui destine sa fille Tania. Ce qui lui paraît être une façon de sauvegarder la pérennité de son domaine. Mais peu à peu Kovrine va sombrer dans la folie, précipitant ainsi le malheur de tout son entourage.

A la différence de Tchékhov, K. Serebrennikov présente l’histoire dans quatre versions successives, chacune d’elle illustrant le point de vue d’un des protagonistes, Pessotski puis Tania, Kovrine et enfin le moine noir. Le fil de l’intrigue est ainsi repris quatre fois, avec les adaptations nécessaires. Cette reprise illustre également la progression du délire, la déconstruction du réel qu’il entraîne et les brouillages référentiels qu’il occasionne. Le procédé consistant à alterner les regards et à modifier la perception fait entrer le spectateur dans une sorte de tourbillon souligné par les chants, la chorégraphie et l’alternance des idiomes, anglais allemand (le spectacle est produit par le Thalia Theater de Hambourg) et russe se faisant concurrence.

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Théâtre

Avignon 2022 : des artistes réunionnais en quête de visibilité

Du Marivaux en créole, du Beckett en marionnettes: les compagnies réunionnaises, présentes en force cette année à Avignon, aspirent à ce que la métropole les regarde « d’un oeil attentif », loin de tout exotisme.

Un collectif de neuf compagnies ont joint leurs forces pour la 56e édition du Off d’Avignon, le plus grand « marché » de spectacle vivant en France.

« J’ai beaucoup de fierté à amener ma compagnie pour la première fois à Avignon parce qu’on sait combien c’est difficile pour les Outremer de montrer leur travail » en métropole, affirme à l’AFP Lolita Tergémina, directrice de la compagnie Sakidi.

Elle a adapté « Le jeu de l’amour et du hasard » de Marivaux en créole réunionnais, qui est à base lexicale française: « Kan lamour èk lo azar i zoué avek ».

– Démocratisation et émergence –

Au théâtre de la Chapelle du Verbe Incarné, la compagnie interprète avec brio cette comédie, avec surtitrage en français. « Mi prefer i done amoin la shans trap out ker plitok done amoin tout lo bien néna su la ter » (« J’aimerais mieux qu’il me fût permis de te demander ton coeur que d’avoir tous les biens du monde »), soupire Dorante, travesti en faux serviteur.

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Avignon

Avignon 2022 : Les compagnies et artistes des Antilles sont au rendez-vous

Je ne suis pas d’ici, je suis ici

« Je viendrai à vous avec une armée de pauvres, des désastres programmés, avec les valets, les sous-fifres, les ombres en tablier, avec les mômes d’ouvrières, les fils de pas-de-papa et les filles de pas-de-bol, avec les déshérités, les spoliés, les déplacés, les possédés, dépossédés,
les assignés à résistance ! »Ainsi parle celle à qui l’on demande ses papiers d’identité et qui en a marre. N’est-elle pas française, femme, noire… comme tout le monde ? Dans une performance où les images et les mots se confondent et où la poésie embrase le réel, le spectateur est entraîné dans la quête d’une terre sans frontières.

Poète, réalisatrice de fictions et de films documentaires, Véronique Kanor s’intéresse particulièrement à l’afrodescendance, aux sociétés en mouvement et aux questions décoloniales.
Sa pièce est tirée de son recueil Eclaboussure, publiée aux éditions Présence Africaine.

D’après Éclaboussure de Véronique Kanor © Présence Africaine 2011
Conception, mise en scène, interprétation Véronique Kanor

Conception sonore Lionel Elian
Administration La Noiraude et Compagnie

La Noiraude et Compagnie

Soutiens DAC Martinique, Ministère de l’outre-mer

Martinique, Nouvelle Aquitaine

De Vénus à Miriam, au pas de mon chant

La chorégraphe guadeloupéenne Chantal Loïal invite la soprano martiniquaise Marie-Claude Bottius à entrer dans la danse pour réinventer totalement son spectacle « On t’appelle Vénus » présenté au TOMA 2015.

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Festivals, Théâtre

Festival d’Almada : « At Home at the Zoo » / « Em casa, no zoo »

De l’intimité dans le couple à la violence dans la société

– Par Janine Bailly –

D’Edward Albee, le metteur en scène portugais Jorge Silva a choisi de nous donner, non pas la pièce la plus connue du dramaturge américain, disparu en 2016, « Who’s Afraid of Virginia Woolf ? » / « Qui a peur de Virginia Wolf », mais le diptyque « At Home at the Zoo », traduit en portugais par « Em casa, no zoo », en français par « La maison, le zoo ». Une pièce à trois personnages qui, nous faisant entrer dans l’intimité du couple, fustige en fait la société américaine tout entière, telle que Edward Albee a pu la connaître dans la seconde partie du vingtième siècle. Mais au-delà encore, c’est de notre nature humaine, de la sauvagerie qui en chacun de nous s’enkyste et perdure, qu’il sera ici question. « At Home at the Zoo » a en commun avec « Who’s Afraid of Virginia Woolf ? » de ne pas nous épargner cette cruauté qui trop souvent régit les relations humaines, surtout quand une société se fonde sur des inégalités qui divisent.

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Théâtre

“La Sextape de Darwin”, texte & m.e.s. de Brigitte Mounier

Le 11 juillet à 20h au Théâtre Aimé Césaire ( T.A.C.). À voir absolument !

Avec Marie-Paule Bonnemason, Antonin Chedigny, Brigitte Mounier et Sarah Nouveau

Présentation :

Incroyablement baroque, aussi improbable qu’amusant voici le bricolage le plus délirant de l’Évolution. Une heure et demie pour parcourir l’inouïe diversité des comportements sexuels et modes de reproduction, et s’étonner de l’étroitesse de notre imaginaire.

Voyant le monde à travers le filtre de sa propre convenance culturelle, l’Homme a longtemps considéré l’hétérosexualité comme étant la norme et tout autre combinaison lui semblait contre nature.

Contre nature ? Vraiment ? Alors voyons de plus près ce que nous dit la nature à ce sujet.

Une heure et demie pour découvrir le monde animal dans lequel nous vivons, dont nous sommes part entière. Une heure et demie pour fêter ce qui est en train de disparaitre.

« On se demande comment Noé s’est débrouillé en embarquant tout ce monde dans son bateau.»

Note d’intention

Suite à Eve contre Lucy, l’autre cauchemar de Darwin, (battle scientifique opposant les darwinistes aux créationnistes) que la Compagnie a créé en 2008, la Compagnie enfonce le clou et promène sa curiosité sur la biodiversité, l’infinie variété du monde animal et ses pratiques sexuelles.

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Festivals, Théâtre

Au Festival d’Almada : Smashed2 et Se eu fosse Nina

– Par Janine Bailly –

Des femmes bien présentes dans le Festival

Smashed2, par la compagnie londonienne Gandini Juggling

Vivant et coloré, sautillant, léger et enjoué de prime abord, Smashed2, présenté par la troupe de Sean Gandini et Kati Ylä-Hokkala, est un spectacle qu’on ne saurait précisément nommer, qu’on ne saurait ranger dans aucune catégorie définie. Sept femmes, deux hommes, quatre-vingts oranges et sept pastèques pour dérouler une prestation qui allie le jonglage à la danse, le théâtre au cirque, dans une chorégraphie se disant hommage au Tanztheater de Pina Bausch. 

Tout semble dans les premiers moments fort sage et bien classique, mouvements d’ensemble parfaitement réglés pour sept jeunes femmes à la robe assez sage, aux cheveux disciplinés, au maintien tout empreint d’élégance. De jolies ballerines, en somme… Et les deux jongleurs, bien qu’en costume de ville leur présence grise semble un peu incongrue au cœur de ce gynécée, les deux jongleurs donc s’intègrent sans peine apparente à la troupe féminine. Pourtant, quelques gestes, en clin d’œil humoristique, pourraient nous alerter, nous guidant subrepticement vers une autre voie, moins innocente, plus âpre.

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Avignon

Avignon 2022 : « Together » de Dennis Kelly, m.e.s. Arnaud Anckaert

— Par Michèle Bigot —

Together est le dernier texte de Dennis Kelly, écrit en février 2021. En pleine pandémie de Covid et à la suite de la désastreuse expérience du confinement. On a beaucoup dit que le confinement a été une épreuve extrême pour les familles et également pour les couples. Surtout ceux qui ne se supportent qu’à la faveur d’une vie professionnelle leur permettant de sortir de chez eux et de se réaliser à l’extérieur. Mais quand il faut se supporter à l’intérieur et à longueur de journée, c’est l’implosion! C’est bien ce qui arrive à nos deux protagonistes qui finissent par se détester, parce que tout les oppose, tempérament, idéologie, activité professionnelle… Et leur fils adolescent se trouve pris dans ce maelström, victime OKdes querelles, taiseux , sombre et solitaire. Un schéma hélas bien trop banal. On assiste en direct aux affrontements où explosent la colère et le ressentiment. Leur mésentente débouche sur une hostilité très physique. Ils se disent leur haine en usant de métaphores plus cruelles les unes que les autres. Mais voilà que le Covid les rappelle au sens de la vie, à sa fragilité, à son impermanence car la grand-mère meurt du Covid dans un abandon général orchestré par l’hôpital.

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Avignon

Avignon 2022 : Portrait de Raoul « Qu’est-ce qu’on entend derrière une porte ouverte? »

De Philippe Minyana, m.e.s.. Marcial Di Fonzo Bo, avec Raoul Fernandez

— Par Michèle Bigot —

Raoul est devant nous, seul en scène et presque nu sous nos yeux, en dépit des habits, costumes et étoffes bigarrées dont il se plaît à se couvrir. Elegant, souple, quasi félin, il danse, il chante, il vocalise: « parler » n’est pas le terme qui convient pour qualifier le son musical de ses paroles. Est-ce un homme, une femme? Un trans? Tout cela ensemble ou tour à tour. Mais sa présence charme, non moins que son chant. Raoul vient du Salvador. C’est une reine, une diva, une tragédienne, en perruque, en robe et en chansons. Sa mère, Mama Betty lui a enseigné la couture, lui a communiqué le goût du chant et du costume. Raoul rêve de Paris. Il débarque un jour dans la capitale de la couture. Costumière de théâtre, il rencontre Copi. Habilleuse à l’Opéra, il rencontre Noureev. Mais voici que Stanislas Nordey le fait passer des coulisses à la scène. Il faut dire qu’il a pratiqué le français en apprenant tout Molière par coeur.

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Festivals, Théâtre

Ouverture du 39e Festival International d’Almada : Aucune idée et Noite de Reis

De la mise en scène austère à la mise en scène chatoyante, toute la palette du théâtre contemporain 

– Par Janine Bailly –

Au Portugal, le Festival international de théâtre d’Almada a su tenir bon, contre vents et marées et, par la volonté, la vaillance et l’obstination de toute une équipe, traverser les turbulences de deux « années Covid ». Par force, les frontières s’étant en 2019 refermées, isolant chacun dans sa tour d’ivoire, la manifestation, réduite à onze pièces de production locale, n’avait pu honorer sa 37e édition de ce fier épithète “d’international”. La 38e quant à elle, bénéficiant du ressac relatif et temporaire de l’épidémie, s’était tenue dans des conditions plus proches de la normale, mais sur une durée plus longue, apte à compenser la réduction de la jauge en salles.

En cet été 2022, la 39e édition s’est ouverte le 4 juillet dans une allégresse de bon aloi, dans le bonheur de ressentir à nouveau la vibration essentielle de l’autre auprès de soi, sans siège vide qui sépare, dans le sourire survivant, vainqueur de masques que d’aucuns plus fragiles, plus inquiets – ou plus conscients ?

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Théâtre

Le légendaire metteur en scène britannique Peter Brook, concepteur de « l’espace vide » au théâtre, est mort à 97 ans

Peter Brook, né le 21 mars 1925 à Chiswick à Londres, et mort le 2 juillet 2022 à Paris, est un metteur en s cène, acteur, réalisateur et écrivain britannique.
Artiste novateur dans ses interprétations des pièces du grand répertoire international, et plus particulièrement des classiques de Shakespeare, il est le théoricien de « l’espace vide ». Depuis le milieu des années 1970, sa compagnie est en résidence à Paris au Théâtre des Bouffes du Nord.

Peter Brook est le fils de deux juifs lituaniens immigrés en Angleterre. Il fait ses études à la Westminster School, la Gresham’s School et le Magdalen College où il étudie la littérature comparée. En parallèle à ses études, il écrit des scripts pour la télévision. C’est dans ce cadre qu’il réalise une adaptation cinématographique d’un roman de Laurence Sterne, A Sentimental Journey.

À l’âge de 5 ans, il met en scène en marionnettes Hamlet. Il commence sa carrière théâtrale en 1942 par une adaptation de The Tragical History of Docteur Faustus de Christopher Marlowe. Il monte à la fois des classiques (dont Shakespeare) et des pièces d’auteurs contemporains comme Jean Anouilh, Jean-Paul Sartre, Jean Genet, André Roussin et des auteurs d’avant-garde tel Peter Weiss.

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Théâtre

Si le théâtre, c’est du mentir, c’est aussi du mentir vrai.

Première édition du Festival Jamais Lu Caraïbe. Soir de clôture.

À contre-courant NOS LARMES !

Texte d’Emmelyne Octavie, mise en lecture par Soleil Launière.

—Par Widad Amra —

La flèche à droite, inter-îles. Bassin de Radoub. Le port de Fort-de-France. Salle D, ils ont dit.

J’y suis. Il y a du monde. Ticket ! Scan. On y est. C’est une salle de départ et d’arrivée, et ce soir aussi salle de théâtre. Des textes jamais lus. L’espace est conséquent. Au fond, une estrade, des spots. Des installations sommaires sur des palettes. Quelques coussins. Bar à droite. Des visages que je connais. Des saluts. Des copains. Les gens sont joyeux de se retrouver. Je suis joyeuse, moi aussi. Enfin, du théâtre ! C’est le troisième jour de cet étonnant festival. De ce fabuleux festival. Un partenariat Montréal- Fort-de-France. Une rencontre autour d’une même passion : le théâtre et d’une même langue, celle de Molière qui fête ses quatre-cents-ans, et de Baudelaire, dont c’est le bicentenaire. Une rencontre en francophonie. C’est le soir de clôture. Avec une nouvelle mise en lecture d’un texte jamais lu.

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Théâtre

« R.A.D (Revolt Against Democraty) », texte de Julien Beauseigle, mise en lecture de Faubert Bolivar

Le Festival Jamais Lu Caraïbe 2ème soir

— Par Roland Sabra —
Amour et Politique sont insaisissables et si la seconde est parente du premier c’est peut-être parce l’un et l’autre abordent, in fine la seule question qui vaille, celle du lien social. Qu’en est-il de l’acceptation de la différence créatrice, de l’acceptation de l’altérité, du partage, de l’égalité ? Unité politique? Union amoureuse ? A chacune leur horizon. L’État et le pouvoir dans le premier cas, la famille dans le second. Badiou, dans « L’éloge de l’amour » le formule ainsi « Il y a entre la politique comme pensée-pratique collective et la question du pouvoir ou de l’État comme gestion et normalisation le même rapport difficile qu’entre la question de l’amour comme invention sauvage du Deux et la famille comme cellule de base de la propriété et de l’égoïsme. » Mais la coexistence de l’amour et de la politique ne va pas sans tensions et si elle a pu revêtir des formes culturelles différentes se pose dans tous les cas de figures la même question : comment concilier le propre (les origines, la famille, le singulier) et le proche (l’amitié, la justice, le pouvoir)?

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Théâtre

« La Route et l’inconnue », texte de Bernard Henri, mise en lecture de Patrick R. Lacharité

Festival du Jamais Lu Caraïbe. 2éme soir

— Par Roland Sabra —

Depuis deux ans il vient la voir régulièrement sur son lieu de travail. Un bordel. Elle et pas une autre. Elle dit ne vouloir que des relations professionnelles. Lui dit vouloir plus, autre chose. Il est sur la route, elle dans une chambre de 8m². Il avale des kilomètres. Elle se protège de l’extérieur dans sa piaule. Il est ce qu’elle n’est pas et réciproquement. Elle et lui boivent. De la bière qu’il paie, lui, comme il la paie elle. Ils se parlent. Ils découvrent ce qu’ils ont en commun : la violence conjugale de leurs parents respectifs. Les mères victimes. Toujours les mères. La même terreur qui lui fait prendre la route. S’enfuir. Elle, elle s’enferme, se cache, se protège dans une maison de passe. Ce qui lui fait peur : La route et l’inconnu[e]!
La même blessure, identique et pourtant dissemblable peut-elle elle le ciment de ce qui pourrait les unir. Un peu avant la fin de la nuit, la réponse sera donnée.
Cinéaste, son film son film « Survivants » a été primé au Festival du Film Mobile Haïtien en 2020, auteur de théâtre, remarqué par ETC Caraïbe, lauréat du Prix Deschamps, Bernard Henri, était présent à Fort-de-France lors de la mise en lecture  de  » La route et l’inconnue » par Patrick R.

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Théâtre

« Je crie et aucun bruit ne sort de ma bouche » , texte de Coline Luzac, mise en lecture d’Emmanuelle Jimenez

Festival Jamais Lu Caribéen, 1er soir.

— Par Roland Sabra —

C’est grâce à la pugnacité d’Astrid Mercier que Le Festival québecois « Jamais Lu » à donné naissance à sa version caribéenne, après bien d’autres, notamment à Montréal, Québec, Paris etc. C’est de la fréquentation quotidienne de dramaturges, sans connaître leurs textes que deux jeunes artistes québecoises ont eu l’idée lumineuse de leur proposer d’organiser une lecture publique. L’engouement a été tel que la rencontre qui devait durer un weekend s’est prolongée dix jours de suite. C’était il y a un peu plus de vingt ans. Aujourd’hui le Festival Jamais Lu soutient chaque année plusieurs centaines d’artistes, attire des milliers de spectateurs, parraine plus d’un cinquantaine d’évènements dans le monde francophone et il se décline désormais dans une version caribéenne.

C’est dans un endroit atypique pour le théâtre, le hall de la gare maritime de Fort-de France, lieu de passages, d’arrivées, de départs, de brassages de populations de tous milieux, de rencontres, comme veut l’être ce Festival, que Coline Luzac, c’est son nom de plume, bien connue sous un autre nom en Martinique dans le milieu du théâtre puisqu’elle anime des ateliers dans certains établissements scolaires et propose, presque chaque année, au public une mise en scène, a présenté « Je crie et aucun bruit ne sort de ma bouche ».

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Théâtre

« Penthésilé.e.s amazonomachie », texte Marie Dilasser, m.e.s. Laetitia Guédon.

— Par Dominique Daeschler —

Quand Laetitia Guédon s’empare de Penthésilée reine des amazones, elle fait équipe avec Marie Dilasser et ça décoiffe !

Juste un petit flash-back : nous sommes en pleine guerre de Troie. Penthésilée entre en combat aux côtés des troyens à la mort d’Hector, tué par Achille, car il a tué Patrocle, l’ami de cœur d’Achille. Œil pour œil, dent pour dent. Au cœur du combat Achille tue Penthésilée et est bouleversé par sa beauté( zoom sur Eros et Thanatos). Cette situation est renversée dans la pièce de Kleist où Penthésilée tue Achille le dévore et se suicide ( grandeur et misère de l’amour vache).

D’Eschyle à Homère les amazones sont des barbares femmes guerrières ne reconnaissant les hommes que dans leur pouvoir de reproduction, leur disputant place et reconnaissance sociales.

De cet héritage, Laetitia Guédon, gardera sans doute le mythe du phénix puisque la pièce commence peu après la mort de Penthésilée dans un au-delà brumeux ( entre Styx, sanctuaire , hammam)où elle règne en figure de proue, interrogeant l’âme d’ Achille qui lui répond sur grand écran.

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Théâtre

« Cendrillon » m.e.s. Joël Pommerat

— Par Dominique Daeschler —

La reprise de Cendrillon au théâtre de la Porte St martin, spectacle créé en 201, nous fait entrer de plein pied dans l’univers de Joël Pommarat , fondé sur un travail entre imaginaire et réel, entre savants jeu de cache -cache, de détournements, de non-dit et de révélé.

Un monde poétique qui part de sa propre écriture où les contes ( cf. le Petit Chaperon Rouge Pinocchio) sont d’âpres morceau de vie où l’on part à la conquête de soi. Cendrillon n’échappe pas à la règle, en apprenant, entre autres, à faire son deuil et à faire « résilience ». Dans une langue qui ne craint pas d’être crue, familière ou cynique nos personnages sont pleins de défauts, le père de Cendrillon est lâche, le prince est un petit rondouillard un peu falot, indécis, réfugié dans le passé, Cendrillon toute au deuil de sa mère se laisse un temps manipuler par sa propre culpabilité et une soumission aux ordres de sa belle-mère …. Tous sont soumis aux mensonges …bref ils nous ressemblent dans leurs faiblesses, leurs doutes, leurs chagrins, leurs rêves ou leurs difficultés à communiquer.

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