Catégorie : Arts Plastiques

Arts Plastiques, Yékri

L’éphéméride du 19 novembre

Ouverture du musée du Prado le 19 novembre 1819

Le musée du Prado (en espagnol : Museo Nacional del Prado) à Madrid (Espagne) est l’une des plus grandes et des plus importantes pinacothèques du monde. Il présente principalement des peintures européennes (flamandes, espagnoles, françaises, italiennes et allemandes) du xive siècle au début du xixe siècle, collectionnées par les Habsbourg et les Bourbons.

Les œuvres des peintres Diego Vélasquez, Francisco Goya, et Jérôme Bosch sont les plus célèbres et les plus nombreuses mais il y a aussi celles de El Greco, de Pierre Paul Rubens, Anton van Dyck, Raphaël, Titien, Antonio Moro, Tintoretto, Bartolomé Esteban Murillo, Francisco de Zurbarán, José de Ribera, ainsi que des tableaux de Fra Angelico, Botticelli, Andrea Mantegna, Véronèse, Le Caravage, Albrecht Dürer, Rembrandt, Nicolas Poussin, Claude Gellée, Watteau, etc.

Le musée détient aussi des collections de dessins et d’estampes (quelque 6 400 dessins et 3 000 estampes), un fonds d’un millier de sculptures (dont une importante collection de sculptures gréco-romaines) et un grand nombre d’objets décoratifs et de documents historiques. Après les travaux d’agrandissement dirigés par Rafael Moneo, il expose en permanence une collection de 1 300 œuvres dans son siège, plus 3 000 prêtées pour être exposées dans d’autres galeries et institutions officielles.

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Expositions

Siyonnaj : 1ère exposition de l’artiste Syal.

Du 6 au 26 novembre à l’Insolite, rue Garnier Pages, FdF

Vous avez déjà pu voir ses oeuvres sur les murs de la ville à travers des projets collectifs. Cette fois-ci, Syal, s’expose pour la première fois en solo, avec un commissariat de Medhi Michalon et Kelly Barast et nous ouvre les portes de sa forêt enchantée, au coeur du vivant. Feuilles séchées, fragments de bois, encres végétales et pigments deviennent matière pour recomposer le vivant. Siyonnaj est un carnet de passages, à la manière d’un herbier contemporain où chaque oeuvre est une halte et chaque feuille tombée, une empreinte laissée, l’exposition est à découvrir jusqu’au 26 novembre, au bar l’Insolite à Fort-de-France.

A propos de l’artiste Syal

Dessinatrice et peintre autodidacte, Alice Arnaud s’intéresse aux relations entre les êtres vivants. Elle passe sa jeunesse en banlieue parisienne, où elle suit des études scientifiques, tout en ayant la passion du dessin. Un coup de coeur pour la forêt tropicale l’amène dans les Antilles, en Guadeloupe, puis en Martinique, où elle devient botaniste de terrain. Fascinée par la beauté du végétal, elle ramasse des feuilles mortes et autres trouvailles en forêt, qu’elle commence à mettre en valeur dans des tableaux.

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Peinture, Yékri

L’éphéméride du 13 novembre

Claude Monet peint Impression, soleil levant à partir du 13 novembre 1872

Impression, soleil levant est un tableau de Claude Monet conservé au musée Marmottan à Paris, dont le titre donné pour la première exposition impressionniste d’avril 1874 a donné son nom au courant de l’impressionnisme.

La date d’exécution de cette marine, probablement pendant l’hiver 1872-1873, est hypothétique.

Historique de l’œuvre
Claude Monet a peint cette toile en une séance le matin de bonne heure lors d’un séjour au Havre, ville de son enfance, avec son épouse et son fils, choisissant un de ses thèmes favoris, un port symbole de la révolution industrielle du xixe siècle et s’inspirant des marines, soleils levant et soleils couchant peints avant 1872 par Eugène Delacroix, Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind ou William Turner.

Selon Daniel Wildenstein et d’autres historiens d’art, ce tableau a certainement été peint en 1873 ou 1874, probablement en janvier 1874 à partir d’une fenêtre de la chambre de l’hôtel de l’Amirauté qui donne sur le bassin de l’avant-port, et signé et daté de 1872 après coup au moment de sa vente.

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Peinture

Alex Saturnin – Artiste-peintre : « Je m’émerveille toujours quand mon travail est accompli, quand une toile est terminée ! »

— Un entretien avec Rodolf Étienne —

Installé à la campagne de Ducos en Martinique, Alex SATURNIN, après avoir longtemps vécu au Canada en qualité de peintre, développe un art enraciné dans la nature, la mémoire et la lumière. Loin des effets de mode comme des « réseaux » du marché de l’art, il revendique une pratique intérieure, lente et sensuelle : une peinture qui se nourrit d’odeurs, de végétations, de couleurs exagérées et transposées. Rencontre avec un artiste pour qui peindre n’est pas représenter — mais tout simplement être.

Propos recueillis par Rodolf ÉTIENNE

Rodolf ÉTIENNE : Depuis ton installation en Martinique, il y a forcément eu une évolution, un changement dans ton rendu artistique. Mais qu’est-ce que la Martinique a amené à ta peinture ? Certains parlent de couleurs, d’autres de thèmes, de traditions, de retour aux sources.

Alex SATURNIN : Pour moi, c’est le sentiment du retour aux sources, à la nature, à l’exotisme. C’est-à-dire retrouver tout ce qui a bercé mes rêves, intérieurement, comme mes cocotiers, mes mangots, ce que je ne retrouvais pas là-bas. Là-bas, pour moi, ça a été une étape.

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Bande dessinée

Angoulême : la bande dessinée en révolte contre la reconduction de 9eArt+

— Par Jean Samblé —

Le monde de la bande dessinée est en ébullition. Vingt-deux lauréats du Grand Prix du Festival international de la bande dessinée d’Angoulême – parmi lesquels Florence Cestac, Riad Sattouf, Jacques Tardi, Art Spiegelman, Lewis Trondheim ou encore Anouk Ricard – ont signé une tribune dans L’Humanité pour dénoncer la reconduction de la société 9eArt+ à la tête de l’événement.
Selon eux, le festival, créé en 1974 et considéré comme l’un des plus prestigieux au monde, est aujourd’hui « en danger de mort ».

Les signataires pointent du doigt une gestion jugée « opaque », des « scandales à répétition », des « erreurs de communication » et un « manque d’ambition » qui, affirment-ils, menacent la réputation internationale du rendez-vous. « Il est grand temps de tourner la page 9eArt+ pour que le Festival retrouve, avec de nouveaux opérateurs, les valeurs qui ont construit sa notoriété », écrivent-ils, avertissant que « sans un changement rapide et profond, l’édition 2026 risque fort d’être la dernière ».

Un secteur en crise de confiance

La décision, annoncée samedi par l’association du Festival d’Angoulême (FIBD), de reconduire 9eArt+ à l’issue d’un appel d’offres très critiqué, a mis le feu aux poudres.

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Expositions

« Femmes noires ». Exposition de Karine Joseph-Rose

— — Par Philippe Charvein — —

L’exposition de Karine JOSEPH-ROSE est construite autour d’un impératif : célébrer les femmes noires dans leur diversité par le biais de leurs visages. Visages multiples, saisis dans leurs déclinaisons les plus diverses ; vecteurs des expressions les plus diverses, elles aussi ; que ce soit la sérénité, la détermination, le défi ou le bonheur.

Autant d’expressions traduisant une volonté, chez l’artiste, de promouvoir une identité féminine se déployant, s’exposant au regard de tous ; une identité féminine affirmant et affichant sa présence envers et contre tout.

Derrière ces nombreux visages, sublimés pour la plupart, se trouve cette volonté, chez Karine JOSEPH-ROSE, d’inscrire cette identité féminine dans un absolu aux allures d’éternité ; dans une sorte de renaissance perpétuelle, préservée des affres de l’oubli et du néant ; de là l’emploi du procédé de la « technique mixte » (impliquant également celui de la « tempéra ») par le biais duquel des couches de peinture se superposent à d’autres, sans risque d’effacement pour telles ou telles.

La préoccupation majeure de Karine JOSEPH-ROSE est de mettre en lumière un visage féminin inscrit dans un processus de renaissance permanent.

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Expositions

Patricia Lollia, un parcours entre reconnaissance et nouvelles perspectives

Le Salon international Business Art Fair s’est tenu du 24 au 26 octobre à l’Espace Nesle, dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés à Paris, à l’occasion du week-end d’art contemporain de la capitale.
L’événement a réuni une centaine d’artistes de différents horizons et a mis en avant la diversité des expressions artistiques actuelles.

Le collectif Art Freedom, dirigé par Mélissa Biron, a une nouvelle fois assuré la présence d’artistes ultramarins au sein du salon. Trois créatrices originaires de Guadeloupe et de Martinique y ont présenté leurs œuvres : Patricia Lollia, Jorgi et Marie-Françoise Luce.

Originaire du Gosier, Patricia Lollia participait pour la seconde fois à un salon parisien. Elle y a présenté une fresque mettant en scène quatre femmes antillaises, dans la continuité de sa démarche artistique intitulée « Une œuvre, une histoire ».
Son travail a été récompensé par le troisième prix du jury, une distinction saluant la qualité de sa recherche plastique et la singularité de son univers.

« Il est important que les artistes guadeloupéens soient visibles sur la scène nationale et internationale.

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Peinture, Yékri

L’éphéméride du 31 octobre

Michel-Ange termine le Jugement dernier dans la chapelle Sixtine le 31 octobre 1541.

Le Jugement dernier est une fresque peinte par Michel-Ange, alors âgé de soixante ans, sur le mur de l’autel de la chapelle Sixtine au Vatican. Commandé par le pape Clément VII (Jules de Médicis), le travail dura six ans et fut inauguré par son successeur Paul III le 1er novembre 1541.

Historique
En 1532, Michel-Ange revient à Rome après un séjour de plusieurs années à Florence, où il a pris parti contre Clément VII dans le conflit qui l’opposait à l’empereur Charles Quint. Le pape, qui a pardonné, lui demande de remplacer les peintures des deux extrémités de la chapelle Sixtine par deux grandioses représentations : la Chute des anges rebelles et le Jugement dernier. Presque aussitôt, le peintre entame les études nécessaires à ce projet démesuré. En septembre 1534, Clément VII meurt et Michel-Ange espère pouvoir renoncer à cette tâche écrasante pour se remettre au tombeau de Jules II, qu’il regrette de n’avoir pu achever. Mais le nouveau pape Paul III entend que le projet de son prédécesseur soit mené à terme.

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Expositions

« Femmes Noires », de Karine Joseph-Rose

— Par Marie Gauthier —

Au travers d’une galerie de portraits peints, Karine Joseph-Rose nous présente une célébration des femmes noires. Plutôt que la ressemblance à un modèle, l’artiste choisit de peindre des visages sans identité précise, plutôt imaginaires, à la fois singuliers et universels. Au-delà des caractéristiques physionomiques, elle révèle une notion plus abstraite du portrait par le visage, juste le visage et ses expressions.

Tour à tour, tristes, en colère, volontaires, pensives, engagées, fières, rêveuses, retirées, hautaines, ces représentations de femmes noires, expriment leur désir ferme d’être respectées et reconnues dans le regard d’autrui. Mais surtout, en dépit de toutes les situations chaotiques du monde, elles affirment leur désir de transmettre les valeurs féminines d’accueil, d’écoute, de tendresse, de soutien, tout ce qui peut créer le lien à l’intime de soi et à l’autre, tout ce qui peut nourrir l’espoir de paix pour notre humanité.

Par des jeux d’ombres et de lumières, les œuvres peintes à l’acrylique sur toile montrent des modelés maîtrisés. Les fonds, abstraits quand ils existent, ne servent qu’à recentrer l’intérêt sur le visage qui souvent prend toute la surface de l’œuvre.

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Expositions

Exposition : Héroïnes de la Caraïbe

— Par Philippe Charvein —

Héroïnes de la Caraïbe : tel est le nom de cette exposition collective dont la finalité est de remettre en lumière, tout en les célébrant, des figures féminines caribéennes ; qu’elles soient martiniquaises, haïtiennes ou guadeloupéennes.

Cinq femmes de la Caraïbe sont donc mises en avant par les cinq artistes féminines conviées à l’occasion de cette exposition : Glawdys GAMBIE, JADDICT, Linda MITRAM, Shanon BARRO et Stéphanie DESTIN.

Cinq femmes qui, sous les différents médiums utilisés par les artistes, retrouvent un visage ; leur visage au moyen duquel elles affichent et réaffirment une identité et une présence que l’histoire et le temps avaient reléguées au second plan ou à l’oubli.

Par le biais de ce visage ainsi restauré par les artistes, nous redécouvrons la place et le rôle que chacune de ces femmes a joué à un moment donné de notre histoire ; qu’il s’agisse de la lutte contre l’esclavage ou de la défense des arts et de la culture, vecteurs précisément d’une identité à la fois noire et plurielle.

Elément central s’agissant de cette exposition : l’utilisation de moyens modernes et des nouvelles technologies « démultipliant » les possibilités dans la restitution du visage de ces femmes ; dans la restitution d’une destinée humaine, en fin de compte, parvenant à une forme d’éternité.

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Expositions

Une étoile dans le ciel antillais !

3 expositions : Paris, Dakar et Atlanta.

— Par Alex Lollia (*)

Derrière le pinceau de Patricia Lollia se cache une psychologue scolaire de talent qui a choisi de révéler son autre facette ,il y a quelques années.

Depuis, son style singulier, à la croisée de Picasso et de la peinture naïve haïtienne, a conquis un large public qui suit avec enthousiasme ses créations multiples et toujours surprenantes.

La notoriété de Patricia Lollia dépasse désormais les frontières de la Guadeloupe, son archipel natal.

Après avoir illuminé les cimaises de Genève et de Londres, l’artiste se prépare à conquérir Paris.

Trois expositions prestigieuses l’attendent ; chacune offrant un éclairage unique sur son univers créatif.

*Du 26 au 28 Septembre, la galerie « Libre est l’art » l’invite à exposer ses « Petits Portraits » au Salon « Expo 4art » à La Halle des Blancs Manteaux (Paris 4). Les visiteurs pourront découvrir les dernières créations de l’artiste et apprécier son langage plastique.

*Ensuite, du 24 au 26 Octobre, Patricia Lollia sera présente au Salon « Business Art Fair » à l’Espace de Nesles (Paris 6).

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Expositions

Vernissage de l’exposition itinérante 490 : Une réflexion artistique sur la fragilité du littoral martiniquais

Vendredi 26 septembre 2025 à 18h00 à Sainte-Marie.

La Station Culturelle, en partenariat avec le Parc Naturel Marin de Martinique (PNMM), le Conservatoire du littoral, et le Bureau de Recherches Géologiques et Minières (BRGM), a le plaisir de vous inviter au vernissage de l’exposition « 490 », le 26 septembre 2025 à 18h00 à Sainte-Marie.

Cet événement gratuit et ouvert à tous·tes proposera un programme varié incluant un discours des officiels, des artistes et des projections autour d’un buffet convivial. Visible du 26 septembre au 19 octobre, cet évènement marquera la troisième étape de l’exposition itinérante, qui explore la fragilité du littoral martiniquais à travers trois axes temporels : passé, présent et futur. « 490 », comme les 490 kilomètres de côtes qui dessinent l’île. Ce projet artistique propose une réflexion sur la transformation du littoral, en mêlant sciences, art et participation citoyenne. À quoi ressemblera le littoral martiniquais dans le futur ? L’exposition présente les oeuvres créées lors d’une résidence d’artistes qui s’est tenue du 8 septembre au 8 octobre 2023 sur quatre sites emblématiques : Cap Macré (Le Marin), Quartier Canal (Ducos), Anse Charpentier (Sainte-Marie/Marigot), Les Abymes (Le Prêcheur).

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Expositions

Claude Henry, la poésie en couleurs au Diamant

— Propos recueillis par Rodolf Étienne —

Installé au Diamant, Claude Henry, artiste peintre martiniquais, a ouvert son atelier-galerie « Aux Couleurs Locales » face à la mer. Anciennement installé à Gallochat, il a choisi ce nouveau lieu « séduit par la sérénité et la solidarité des habitants ».

Rodolf ETIENNE : Tu as entamé ta carrière d’artiste peintre en France, avant de t’installer en Martinique. Pourrais-tu nous présenter ton parcours ?

Claude HENRY : Oui, j’ai tenu un atelier-galerie d’abord en France, à Biot, dans l’arrière-pays de Nice. Je l’avais ouvert avec un ami. Nous y avons travaillé ensemble. C’était un village artisanal, qui est devenu un village de souffleurs de verre réputé. Puis, les choses se sont enchaînées et je suis rentré au pays, ici, en Martinique.

R.E : Et quelque chose s’est passée en Martinique, quelque chose qui a changé ton style ?

C.H : Ah ben là, j’ai retrouvé, justement, une Martinique riche en culture. Oui, il y avait de quoi faire. Il suffit d’observer autour de soi pour découvrir toute la richesse identitaire. Il faut que nous soyons tous fiers de cette identité, qui est riche, riche en couleurs, mais aussi riche en joie de vivre.

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Critiques d'Art, Peinture

Cézanne au Jas de Bouffan

Je vous dois la vérité en peinture
Cézanne

— par Selim Lander —

La dernière exposition consacrée au peintre Paul Cézanne par sa ville natale remonte à 2006, à l’occasion du centième anniversaire de la mort du peintre (1839-1906). Cette nouvelle exposition accompagne l’ouverture au public de la propriété familiale du Jas de Bouffan, devenue propriété de la ville en 2002, après de lourds travaux de rénovation. C’est là où Cézanne a commencé à peindre et où il a travaillé par intermittences jusqu’en 1899, lorsque la famille a vendu le bien.

Les œuvres sont exposées au musée Granet (nommé en mémoire du peintre aixois François Marius Granet, 1775-1849), qui fut auparavant commanderie de l’ordre de Malte (il jouxte l’église Saint-Jean de Malte) et déjà, du temps de Cézanne, le musée des beaux-arts de la ville. L’exposition qui regroupe 135 tableaux – huiles, gouaches, aquarelles, dessins –, bien que centrée sur Cézanne au Jas, ne se limite pas uniquement aux œuvres qui y furent réalisées. On remarque en particulier une « Montagne Sainte-Victoire » datée de 1897 appartenant au Kunstmuseum de Berne et une « Carrière de Bibemus » (vers 1895) venue du Volkwang Museum d’Essen.

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Expositions, Peinture

La yole dans l’œuvre de Claude Henry

Claude Henry : artiste peintre

À travers une série de toiles expressives et lumineuses, Claude Henry célèbre la force des marins, la danse des voiles, l’énergie du vent… et l’âme d’un peuple tout entier. Sa peinture, empreinte de lumière caribéenne et de couleurs éclatantes, fait respirer la mer et vibrer la mémoire.

La yole, symbole vivant

Bien plus qu’une embarcation, la yole devient, sous les pinceaux de Claude Henry, un symbole vivant de liberté, de courage et de culture. Chaque tableau incarne le mouvement, l’émotion, la tradition. L’artiste vous invite à un voyage sensible entre mer, patrimoine et création.

Un moment de partage

Cette exposition, accessible gratuitement pendant toute la durée du Tour, s’adresse autant aux amateurs d’art qu’aux passionnés de la mer, aux supporters des équipages ou aux simples curieux de passage. Vous pourrez échanger avec l’artiste dans une atmosphère conviviale, prolonger l’expérience autour de jus locaux frais de saison, et célébrer ensemble notre patrimoine maritime et culturel.

La yole comme sujet plastique et politique

La yole n’est pas, pour Claude Henry, un simple objet nautique. Elle est le reflet d’une culture vivante, d’une résistance, d’une mémoire collective.

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Expositions, Peinture

Le Rendez-vous des Yoles

La yole dans l’œuvre de Claude Henry

Tour des Yoles Rondes de Martinique 2025 (27 juillet – 03 août)

Exposition Atelier-Galerie de l’artiste, 4 rue des Arawaks, Diamant. Entrée libre.

La yole, chez l’artiste-peintre Claude Henry, est bien plus qu’une simple embarcation, c’est un symbole vivant de liberté, de courage et de culture.

À travers ses toiles, l’artiste capte l’énergie du vent, la danse des voiles, la force des marins.

Ses couleurs vibrantes, sa lumière caribéenne et son trait expressif font de la yole une icône créole, entre mouvement, mémoire et émotion.

Une peinture qui fait respirer la mer.

LE RENDEZ-VOUS DES YOLES avec Claude Henry au Diamant

Tour des Yoles Rondes de Martinique 2025 (27 juillet – 03 août)

À l’occasion du Tour des Yoles, Claude Henry, artiste peintre d’origine martiniquaise, vous donne rendez-vous pour un hommage vibrant à la yole ronde à travers une exposition exceptionnelle de ses œuvres.

Couleurs éclatantes, voiles gonflées, scènes de mer en mouvement… Claude Henry célèbre la beauté, la force et la symbolique de la yole, dans une série de toiles inédites inspirées par cet emblème de notre culture créole.

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Architecture

À propos de « l’écovillage » de Ducos

— Par Gustavo Torres, architecte —

– Et jusqu’à quand pensez-vous qu’on peut continuer dans cet aller et venir de fous ? demanda-t-il.

Florentino Ariza avait la réponse toute prête depuis cinquante-trois ans, sept mois et huit jours avec ses nuits,

Il dit alors : – Toute la vie.

Gabriel García-Márquez (1927-2014) in CIEN ANOS DE SOLEDAD – México / Buenos Aires – 1967.

Vous êtes encore là vous, à bâtir des zones ? Déjà pour la Galleria on nous disait que c’était « ma ville à moi »… ne jamais oublier que les vautours avancent toujours masqués, usant d’un vocabulaire convenable enveloppé d’euphémismes flatteurs… Dire aujourd’hui écovillage n’est qu’édulcoration malhonnête pour recommencer ce qu’on fait et refait depuis 60 ans : une zone commerciale entourée de parkings sur un vague terrain soi-disant vague.

Depuis l’arrivée des « architectes des colonies » – envoyés pour nous vendre le modernisme et le béton armé dans les années 30 – et ensuite après-guerre avec la départementalisation, la Martinique subit passivement les injonctions spatiales de la mère-polis et participe au saccage sans pitié du maigre territoire dont on dispose.

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Expositions

Manuel Mendive à la Fondation Clément

— Par Selim Lander —

La Fondation Clément offre aux Martiniquais le plaisir d’une belle redécouverte avec cette grande exposition rétrospective consacrée à un plasticien cubain, né en 1944, auteur d’une œuvre considérable couronnée de nombreuses récompenses et que les Cubains comparent par son importance à un Wifredo Lam. Plaisir de contempler des formes inédites dans le paysage de l’art caribéen contemporain. Certes, on avait déjà beaucoup vu de figures anthropo- ou anthropozoo-morphes mais celles-ci sont différentes, des êtres composites, difformes qui ne nuisent pas à l’équilibre, à l’harmonie du tableau ou de la sculpture.

Mendive a expérimenté de nombreux supports, carton, tissu, bois, métal pour ses peintures. Quant à ses sculptures elles ont souvent une structure souple en chiffon, pour d’autres une sculpture en ciment recouverte de toile, d’autres enfin sont en bronze.

Au premier abord, on peut se demander quelle est la signification cachée de ces œuvres étranges. Des titres qui évoquent les divinités de la santeria nous mettent sur le chemin. Dayneris Brito qui signe le texte de présentation dans le catalogue précise que Mendive est porteur d’« une éthique de résistance fondée sur la spiritualité, un programme poéticio-politique qui ne nie pas la dévastation du présent mais la confronte par une autre logique […], d’« une esthétique vitaliste et guérisseuse ».

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Expositions, Peinture

« Âmes en Mutation » : Le vivant à l’épreuve de la lumière

— Par Marie Gauthier —

Objets inanimés, avez-vous donc une âme
qui s’attache à notre âme et la force d’aimer ?

Alphonse de Lamartine

La persistance du magico-religieux dans les mornes de Martinique imprègne l’enfance et l’adolescence de Jérémie Priam. Dans sa pratique artistique, il interroge le vivant dans ses complexités et ses métamorphoses, la métaphysique, les liens entre l’esprit et la matière.

Ses œuvres sont des images monochromes bleues obtenues par contact d’éléments organiques, d’images ou d’objets, sur un papier enduit d’un mélange chimique spécifique qui le rend sensible à la lumière. Ce procédé photographique ancien, appelé cyanotypie, ne requiert pas d’appareil photo. L’image n’est pas non plus dessinée manuellement, elle apparaît par solarisation, en interposant l’objet entre la lumière et le support qui sera ainsi sensibilisé. Par ce procédé technico-scientifique, Jérémie Priam montre l’image auratique* d’organismes animés, d’ordinaire invisible.

L’artiste associe cette technique ancienne à l’infographie qui lui offre les internégatifs à partir desquels il fabrique ses cyanotypes.

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Expositions, Peinture

« Âmes en Mutation », de l’artiste plasticien performeur Jérémie PRIAM

« Âmes en Mutation »
Exposition d’arts plastiques
Du 28 juin au 13 septembre 2025
Cabinet médical Etang Z’Abricots – Port de plaisance –
Bat. Perle 1er étage – porte 4 – interphone 4 – 97200 Fort de France

Organisée par Muryelle MOULFERDI, et Marie GAUTHIER, sous l’égide des médecins mécènes, Docteurs Charlie et Medhi JEAN-LAURENT, l’exposition dans la salle d’attente du cabinet médical, rassemble une trentaine d’œuvres (cyanotypies et sculptures) de l’artiste plasticien Jérémie PRIAM, intitulée ÂMES en MUTATION.

A l’heure des intelligences artificielles, il est bon de se questionner sur la nature du vivant. C’est ce que fait le plasticien martiniquais Jérémie PRIAM, qui par le biais des cyanotypies, scrute et révèle cette particularité que sont les champs énergétiques des organismes, notamment dans ses œuvres ici présentées à partir d’images de végétaux et d’animaux. Certains rangeraient dédaigneusement ces phénomènes du côté de l’animisme. En dévoilant à nos yeux l’invisible, l’artiste nous permet de regarder plus consciemment la nature, et nous offre l’occasion et la nécessité de changer nos regards et surtout nos attitudes, face à cette dimension sacrée du vivant.

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Expositions

« bleu », quand l’art se fait cri et mémoire

— Par Marie Ozier-Lafontaine —

Dans la salle d’attente d’un cabinet de gynécologie, en Martinique, les patientes se surprennent à s’arrêter. À lire. À ressentir. L’artiste et poétesse Nadia Burner y présente BLEU, une exposition intense, organique, qui plonge dans les blessures du féminin et dans la mémoire collective caribéenne.

Le bleu des hématomes, le bleu des mers, celui des silences et des cris étouffés. Tout au long de ce parcours intimiste, Nadia Burner donne corps à ce qu’on ne dit pas, ou plus : la douleur des mères, l’oppression des femmes, les combats trop souvent tus. “J’ai voulu qu’ici, dans cet espace si symbolique, les femmes puissent se reconnaître, se rappeler que le combat n’est jamais fini”, confie-t-elle.

Deux séries se répondent, chacune composée de linogravures et de vers créés pour l’occasion. La première, autour des marches blanches, rend hommage aux mères d’enfants disparus. Une armée de conques de lambi, en linogravure, rythme les murs — motif de deuil et de transmission. Chaque gravure est accompagnée de poèmes ciselés, autant de voix têtues contre l’effacement.

Suspendue au centre, une conque véritable, brutale, crie dans le vide, comme ces marches silencieuses qui résonnent face à l’indicible.

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Expositions

PooL Art Fair Guadeloupe

13, 14 & 15 juin 2025

Since 1847
Inspiré du salon des indépendants de Gustave Courbet en 1846, le salon PooL Art Fair est né à New York en 2000 sous le nom de New York Independent Art Fair. Il a été renommé à sa 2ème édition en 2004. Cette édition s’est tenue au Four Points Hotel à la West 25ème rue. Notre ambition de départ était d’offrir une vitrine au grand nombre d’artistes non représentés par une galerie.

La première édition Guadeloupéenne a vu le jour à la galerie T&T Art Contemporain à Basse-Terre, la deuxième à Manioukani Bouillante.

Les deux autres, à l’hôtel Fleur d’Épée avant de trouver le lieu le plus approprié, le terminal de croisière. Cela nous a permis de servir un nombre grandissant d’artistes et d’accueillir des dizaines de milliers de visiteurs.

Année après année, le salon ne ne cesse de grandir, affirmant avec passion son rôle clé dans le développement du monde de l’Art en Guadeloupe. Un rendez-vous incontournable, selon la presse, pour les amateurs comme pour les professionnels en quête de découvertes artistiques.

PooL Art Fair est le seul salon d’art contemporain de la Caraïbe (y compris les grandes îles) et la scène de l’art de Guadeloupe est probablement la plus active.

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Expositions

« Disco, I’m coming out » : quand la fête devient un manifeste

Philharmonie de Paris, jusqu’ au 17 août 2025

— Par Sarha Fauré —

À la Philharmonie de Paris, l’exposition Disco, I’m Coming Out redonne à la musique disco ses lettres de noblesse en révélant la profondeur sociale, politique et culturelle d’un genre trop souvent réduit à ses boules à facettes. Loin des clichés, ce parcours immersif revient sur les origines et l’héritage d’un mouvement né au cœur de l’Amérique des années 1970, dans les clubs underground où convergent les luttes des communautés afro-américaines, latinos et LGBTQ+.

Un phénomène musical né de la résistance

Portée par l’élan des mouvements Black Pride, féministes et LGBTQ+, la culture disco s’enracine dans une histoire collective de réappropriation et d’affirmation. Héritière directe de la soul, du funk, du gospel et des rythmes afro-latins, cette musique devient rapidement un exutoire, un cri de liberté pour celles et ceux que la société marginalise. Des divas puissantes aux DJ visionnaires, la piste de danse devient un théâtre d’émancipation où chacun·e peut être pleinement soi-même.

Une expérience multisensorielle et politique

Scénographiée par le duo GGSV, l’exposition déploie un espace spectaculaire inspiré des clubs mythiques comme le Paradise Garage.

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Arts Plastiques, Expositions

Trente ans de « Recherches en Esthétique », ça se fête – Une exposition à l’Atrium

— Par Selim Lander —
Recherches en Esthétique a trente ans, trente années au cours desquelles le numéro annuel a paru sous la même forme avec une régularité métronomique. Un exploit dans l’absolu et a fortiori dans un domaine aussi élitiste que l’esthétique. Ainsi la Revue d’Esthétique, certes plus ancienne puisque créée en 1948, a-t-elle connu de nombreuses vicissitudes, changements de périodicité (trimestrielle, semestrielle), de forme et d’éditeur, cessant même de paraître en 2004 avant de renaître en 2008 sous l’intitulé Nouvelle Revue d’esthétique. Il a existé naturellement depuis longtemps des magazines qui rendaient compte des expositions (à l’instar de votre Madinin’art !), enrichis de quelques articles plus fouillés, comme Beaux-Arts (créé dès 1923, qui a cessé de paraître en 1944), Artpress (créé en 1972), Beaux-Arts Magazine (créé en 1983) mais il s’agit de magazines grand public ayant certes leur utilité, qui ne sont pas contrairement aux revues l’œuvre d’universitaires à la pointe de la recherche dans leurs domaines (histoire de l’art, art contemporain, cinéma, …).

De surcroît, cette belle revue au format A4, dirigée par le professeur Dominique Berthet, est conçue et publiée à la Martinique, petite « collectivité territoriale » de l’outre-mer français.

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Arts Plastiques, Expositions, Peinture, Photographie

Quatre expositions (plus une) à la Fondation Clément

–— Par Selim Lander —

Festival de tableaux, de photographies, de couleurs, de formes, d’inspirations les plus variées jusqu’au 15 juin à la fondation Clément. Des photographies de la Martinique, des tableaux de la Guadeloupe, de Sainte-Lucie et de la Martinique.

Antoine Nabajoth – Pawòl Tras

Le plus ludique, Antoine Nabajoth, né en 1964 aux Abymes (Guadeloupe), titulaire du DNSEP et du Capes d’arts plastiques, pratique une peinture décomplexée avec des flamboiements de couleurs, une peinture intense qui accroche les regards même les plus blasés, des personnages dont Alexandre Alaric, dans le catalogue, souligne à juste titre « l’altérité radicale ». L’intitulé de la présente exposition, Pawòl Tras (après Pawòl an kanncette même année au Memorial Acte à Pointe-à-Pitre), des « traces de paroles » évoque immédiatement la traduction picturale de la mémoire d’anciennes paroles (dont il ne reste que des traces), celles d’un peuple brutalisé par l’histoire. Alexandre Alaric propose pourtant une autre explication : ces peintures – « éclats de jouissance-puissance » – qui, d’une certaine manière, agressent le spectateur ne sont pas récriminations d’un passé esclavagiste mais affirmations d’une résistance ici et maintenant.

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