— Présentation par Michèle Césaire —

Trois ruptures est le titre du premier spectacle de cette nouvelle saison du Théâtre Aimé Césaire. Il annonce justement la thématique de notre programmation 2018 -2019 : La rupture, sociale, idéologique, créatrice.

On rit, on pleure, on s’interroge, on vit les émotions incontournables du théâtre comme l’ont montré de nombreux artistes, amuseurs avertis et baladins intemporels.

Vive le spectacle et que perdure sa liberté de ton.

Trois ruptures, La pièce de Remi De Vos, n’est pas une tragédie, mais plutôt, en raison de l’humour corrosif de l’auteur, une comédie, dramatique certes, mais surtout une comédie.

Cette saison est dédiée de fait à l’écriture théâtrale contemporaine, celle qui est ancrée dans la réalité d’aujourd’hui et qui rend le spectacle vivant. Le théâtre actuel, celui qui reflète notre société et ses composantes, peut bousculer et choquer, mais nous considérons qu’il est important de le promouvoir. Notre sélection de spectacles est révélatrice d’une grande envie de divulguer et de faire apprécier les écritures modernes, et par conséquent de ne pas éviter les paris culturels difficiles.

La volonté et la détermination à faire exister ce beau théâtre à l’italienne caribéen, dont la rénovation s’est arrêtée trop tôt puisque l’étage et les balcons demeurent fermés, s’expriment fortement dans notre programmation.

Cette saison, nous ferons du théâtre contemporain dans un lieu ancien, chargé d’histoire.

Nous multiplierons les propositions théâtrales jusqu’à présenter aux mois de mars et d’avril 2019, deux spectacles différents sur quatre jours d’affilée, du mercredi au samedi.

Cela impliquera un important investissement organisationnel de la part de l’équipe du Théâtre ainsi que des artistes puisque les pièces s’enchaîneront sans répit, du jour au lendemain.

Le deuxième spectacle, proposé au mois de novembre, Une Maison de poupée d’Henrik Ibsen, a marqué son temps. Créée en 1879, cette pièce a été interdite de représentation en Angleterre et en Allemagne, car la femme y est représentée trop libre d’agir et de décider de son devenir sans tenir compte du mari dont la fonction sociale était à l’époque toujours dominante dans le couple.

La vie quotidienne nous démontre qu’il est encore important de faire découvrir Ibsen, auteur féministe précurseur du théâtre moderne. Philippe Person, metteur en scène et comédien, qui a travaillé plusieurs fois à nos côtés pour présenter chez nous ses créations, nous le rappelle en nous livrant sa vision personnelle de ce drame social, dans une adaptation dont il signe aussi la mise en scène.

Une place exceptionnelle sera aussi accordée à la musique, avec du jazz et les deux concerts de Luther François pour clôturer l’année de manière festive. Il s’agit d’un plaisir à partager les 14 et 15 décembre avec le quartet du saxophoniste caribéen vivant en Martinique, apprécié de tous ainsi que les musiciens bien connus de sa formation.

En janvier, nous présenterons Races. Nous ne pouvions que programmer cette création de François Bourcier, comédien, metteur en scène qui nous a déjà fortement interpellés avec le spectacle-performance « Résister c’est exister ». Il explique à propos de Races : « Alors qu’aujourd’hui des théories racistes ressurgissent dans l’économie et la politique, il nous semble urgent de sortir ce spectacle de son espace habituel et d’aller à la rencontre de tous les publics ».

François Bourcier a construit cette pièce qui traite de l’édification de la suprématie raciale prônée par l’idéologie nazie en s’appuyant sur des textes historiques glaçants subtilement articulés avec les poèmes d’Anne de Commines. Ce spectacle demeure d’actualité, car nous sommes en droit de nous poser la question : « et si l’histoire se reproduisait… ? »

Le mois de mars sera donc intense avec deux créations contemporaines présentées sur quatre jours d’affilée, dans les mêmes conditions qu’au Festival d’Avignon. Le public découvrira des comédiennes aux multiples visages et des thèmes difficiles, concernant notamment la question du genre et de l’identité sexuelle. Il ne faudra pas rater Choisir de vivre avec Nathalie Mann.

Les créations théâtrales de février et d’avril 2019 seront, elles, martiniquaises. Il y aura tout d’abord le Seul en scène d’Hervé Déluge qui sera l’interprète et le metteur en scène de Mea culpa une pièce -autobiographique qui parle de la difficulté d’exister chez nous en tant qu’artiste. Puis le collectif La Palméra présentera deux créations, le conte Poussière(s)et Seulaumonde interprété par Nelson-Raphaell Madel. Deux spectacles bien différents, un conte initiatique et un monologue montés par ce collectif dont la démarche artistique est inspirée par des idées humanistes et émancipatrices.

Les mois de mai et de juin seront ceux d’une Rencontre théâtre amateur renouvelée et pour finir la saison, la participation des écoles de musique Fort-de-France nous garantit comme toujours une belle fête de la Musique le 21 juin.

Nous continuons à faire vivre le Théâtre de Fort-de-France malgré tout et vous êtes nombreux à le fréquenter. Tant que vous nous soutiendrez, il sera garanti d’une programmation de qualité, mise en oeuvre par notre équipe et des compagnies artistiques créatives qui comprennent notre combat culturel.

Nous faisons beaucoup avec peu de moyens, mais nos jours sont comptés sans les subventions de l’État et un soutien plus important de notre action culturelle par les collectivités territoriales. Merci à tous et aux artistes.

Michèle CESAIRE

En écrivant Compartiment fumeuses, l’auteur raconte au plus vrai, au plus juste, au plus délicat, au plus simple, une histoire d’amour entre deux femmes. Dans un univers carcéral morne et sans âme, dans un univers où la réglementation annihile tout ressort humain, où seuls retentissent dans la tête des prisonnières, le bruit des clefs, les pas qui résonnent, le claquement sec d’un oeilleton qui retombe, dans un univers où une cellule s’apparente à une tombe d’acier, un amour éclôt… Petit miracle subversif inattendu. L’amour n’a ni sexe, ni temps, ni lieu, ni nom, ni patrie. Le passage de Blandine de
Neuville en prison n’est pas une mort mais une résurrection.

Mars 2019

22 & 23 mars 2019

Choisir de vivre

Choisir de vivre
de Mathilde Daudet
Tiré du livre Choisir de vivre
de Mathilde Daudet
Edition Carnets nord
Mise en scène
Franck Berthier
Adaptation pour la scene
Mathilde Daudet et Franck Berthier
Avec
Nathalie Mann
Lumières
Alexandre Dujardin
Décor
Vincent Blot

C’est l’histoire de deux êtres, un frère et une sœur, un homme et une femme, fratrie siamoise et inséparable.
C’est l’histoire de leurs vies. Ce qui les sépare et ce qui les unit.
C’est l’histoire des rôles qu’ils ont interprétés, forcés d’exister dans la norme tout en suivant les règles sacrées.
Mais c’est l’histoire d’un duel à mort, d’une lutte sans merci qui ne couronnera qu’un seul champion car seul, le vainqueur survivra. Au long du récit ils vont s’affronter, s’armant tour à tour de force, de tendresse, d’amour, de courage et de témérité, de lâchetés et de faiblesses. Enfermée à double tour dans une prison gardée par la honte et la dissimulation, il faudra cinquante ans à la Captive pour qu’elle se libère, cinquante années de lutte dans un corps à deux faces, à deux genres, successions de défaites, de victoires et de sacrifices…
C’est toute cette histoire que raconte Choisir de Vivre.
Mathilde Daudet – Juillet 2017

Vivre et mourir est une sorte de félicité dès l’instant où l’on affronte seul l’univers. Il n’y a point de repos dans les cimetières, et pas d’avantage en Dieu, aucune magie ne pourrait briser la chaîne infinie des naissances, le rythme de la respiration divine. Mais il existe une autre paix, que l’on ne retrouve qu’en soimême : se laisser aller, ne pas se défendre, accepter la mort, et assumer sa vie.
Herman Hesse

Note du metteur en scène
Depuis deux ans je cherchais à aborder la question du genre. J’ai vu beaucoup de films, reportages et lu aussi beaucoup. Le déclic se fit à la découverte du livre de Mathilde Daudet Choisir de Vivre.
En parcourant ce récit de Thierry devenu à soixante ans Mathilde, après des années d’emprisonnement dans un corps qui n’était pas le sien, j’eu la certitude qu’un jour je la rencontrerai. Il y a des évidences, des reconnaissances d’âme qui vous propulsent dans la découverte de l’autre en sachant profondément que vous en connaissez les rouages, les doutes.
La rencontre fut aussi évidente que la lecture du roman le fût. Mathilde et moi appartenons pour des raisons différentes à la famille des survivants. Il y a une compréhension commune et immédiate du sens de la vie.
Aussi je lui proposais l’adaptation de son roman pour la scène. La réponse ne se fit pas attendre et c’est à 4 mains que nous avons démarré le travail. Nous avons gardé le double Mathilde/Thierry comme pivot du récit et avons projeté l’intrigue dans un espace mental qui n’est pas si éloigné de nos empêchements et interdits.
Je tenais beaucoup à ce que la voix de Mathilde soit entendue par celle d’une autre femme. Il était évident que seule une femme, terriblement et diablement femme s’approprie cette parole, ce récit, ce témoignage.
Nathalie Mann apparut alors sur mon chemin et de nouveau ce fût une rencontre et une évidence. Nathalie, immense actrice à la carrière riche autant au cinéma qu’au théâtre ou à la télévision a cette voix si particulière dans laquelle résonne rage, colère et douceur. Nathalie est un combat à elle seule et que rêver de mieux pour incarner le combat de Mathilde. « A une époque où règne la confusion ne dîtes jamais c’est naturel, dans la règle trouvez l’abus et partout où l’abus s’est montré, trouvez le remède. Ne dîtes jamais c’est naturel ». Cette parole de Brecht provoque en moi un écho puissant et me pousse à proposer cette parole pour un avenir de liberté, d’acceptation des différences et d’amour.
Vivre pour ne pas mourir, se libérer de ses entraves afin de gagner sa vérité, se rapprocher de soi en le respectant et en apprenant à l’aimer, voilà le chemin que Mathilde m’inspire. Aussi je compte travailler sur un espace réduit, minimaliste, permettant le travail du détail, et laissant au récit toute sa puissance. Pas d’artifice mais la nudité des mots et la présence de l’actrice contrainte à une partition chorégraphiée, jouant de la lumière et de l’univers sonore.
Cette femme devenue femme par choix a décidé de faire mourir Thierry afin de lui survivre en acceptant les regards et violences de la société. Cette femme, héroïne des temps nouveaux nous oblige au respect.
A travers cet acte ne provoquerait-elle pas chez nous le besoin de respecter ce que nous sommes dans nos différences ? Pour ma part elle m’ouvre un chemin de liberté que je n’avais que rarement ressenti auparavant.
Je vous invite tous à emprunter ce chemin pour découvrir nos différences, nos paradoxes et réaliser que nous ne sommes pas si éloignés les uns des autres.

Avril 2019

10 & 11 avril 2019

Seulaumonde

de Damien Dutrait

Avec
Nelson-Rafaell Madel

Remerciements à
Emmanuelle Ramu,
Nicolas Delarbre,
Nicolas Cloche,
Pascale Renard,
Selin Dündar,
Jean-Michel Unger,
Alvie Bitémo

Un comédien, 3 personnages
Seulaumonde est seul, et en plus, il est mort… Il attend, puis, se met à parler. À la mort d’abord, qui rode tout autour de lui ; à son père et à sa mère ensuite… Et, enfin, à son amour, resté « derrière la porte ».
Seulaumonde ne veut pas partir, il a 20 ans, il s’accroche à ses souvenirs, à sa courte vie, à ses projets avortés. Le bras de fer s’engage entre lui et la faucheuse…
Seulaumonde est un monologue pour un comédien et trois personnages. C’est un monologue en forme de dialogue. Il attend, se souvient, raconte, regrette, pleure, rit, s’emporte, se tait.
Seulaumonde est un cri de vie, de résistance à la fatalité et à l’absurde de l’existence.
Au début le texte se déroule sans but, comme si l’éternité s’ouvrait devant lui. Mais l’urgence du départ imminent et les émotions prennent le dessus.
Seulaumonde invente un dialogue de la dernière chance : avec sa mère, puis avec son père. Mettant dans leur bouche les regrets, les non-dits, l’amour, le pardon…
La langue est simple et directe et s’ouvre régulièrement à une poésie rythmée tant par les longueurs de phrases que par les sonorités choisies. Le langage est mis en avant comme un lien charnel entre le fils et ses parents et comme un lien sensible entre l’acteur et le public.

« Quoi ? J’ai le temps ou pas ?
Au point où en est, je peux bien raconter mon histoire non ?
Qu’est-ce que ça change ? »
« Tu ramasses sans te baisser, c’est ça ?
En te bouchant le nez ?
Tu es trop bien pour ça ?
Au-dessus de tout ça ?
Tu veux de la confiture sans avoir à grimper à l’arbre ?
Sans t’écorcher les mains aux branches ?
Sans les abeilles qui t’attendent sous les feuilles pour te perforer la peau ? »

Note du metteur en scène
Le texte
Ma rencontre avec Nelson-Rafaell Madel, pour qui j’ai écrit ce texte, est déterminante. Sa force de vie et d‘interprétation, son amour du théâtre, du texte, ont guidé mes premières impulsions.
Cette écriture est faite de mon enfance, de mes images, de mes peurs et de mes angoisses, et d’une certaine violence, mais elle est avant tout pensée pour être dite, interprétée. Texte devenu matière que le comédien s’approprie et façonne jusqu’à la rendre unique et particulière.
Un acteur, un personnage, seul en scène, « mort », parlant pour personne et donc pour tous ; un dialogue de l’impossible rendu vivant par la présence du public. Le langage est aiguisé, offre une apparente légèreté et creuse la langue, travaillant les sensations pour que surgissent les émotions.
Pièce « sono-graphique »
Un espace suffisamment dégagé et nu pour y créer un espace mental et non « réaliste ». Un espace sculpté par la lumière et le son. Un espace dans lequel la chair du comédien devient la chair du texte. Un espace sans entrée ni sortie, fait de sonorités et de résonances, de lumières et d’ombres. L’espace de jeu est délimité par du tissus de sol blanc suspendu, formant un fond de de scène et un sol. Dans et autour de cet espace des hautparleurs diffusent la matière sonore, mélange de sons concrets et de compositions originales.
Les collaborateurs au projet, lumières/scénographie, son/musique, chorégraphie, dialoguent étroitement dans le but de créer cette matière spatiale dans laquelle le comédien se meut et s’émeut. L’écriture scénique se fait sur propositions et improvisations de tous, dans le but de garder tout au long du travail, la fraicheur et la vie. La prise de risque est grande mais l’enjeu est de taille : traquer le vivant pour parler de la mort.
Résonnances
Le travail s’appuie sur l’intensité du texte, sa dramaturgie, autant que sur la création physique des trois personnages.
Une attention particulière est portée au travail d’adresse : à qui Seulaumonde parle-t-il ? A la mort ? Au public ?
A lui-même ?
Les personnages du Père et de la Mère sont-ils des personnages à part entière ou des projections de Seulaumonde ?
Se parlent-ils ? S’entendent-ils ?
Koffi Kwahulé parle du comédien comme un résonateur, qui à l’instar d’un instrument, vibre de toute sa chair et ouvre au spectateur le chemin de l’imaginaire et de l’émotion.

Avril 2019

12 & 13 avril 2019

Poussière(s)

Poussière(s)
de Caroline Stella
Collectif La Palmera
Mise en scène et scénographie
Nelson-Rafaell Madel
Avec
Damien Dutrait
Paul Nguyen
Caroline Stella et
Nicolas Cloche en alternance avec Brice Perda

La pièce
La pièce raconte comment Poussière, personnage central, à l’étroit dans le moulin familial, épreuve après épreuve, cherche à échapper à l’ennui et à l’autorité paternelle, avec l’aide de Simon, jeune apprenti meunier, dans l’espoir de partir découvrir un ailleurs. Voici la quête d’émancipation d’un être
déterminé à ne pas s’en laisser conter !
Le personnage de Poussière veut voler de ses propres ailes. Compliqué, quand on n’a pas d’ailes ! De la chenille à Icare, il sont nombreux les prétendants au « grand saut » ! Et cette liberté espérée, quel est son prix ? Quels sacrifices en découlent ? C’est le temps de l’enfance qui se termine, celui des choix et
des séparations, du temps de la découverte et de la construction de soi.
Poussière, n’est déjà plus une petite fille mais est encore loin d’être une grande personne. Les adultes que nous sommes sont-ils bien les enfants que nous
étions ?
Il était une fois…
Les contes sont un genre merveilleux. Pas uniquement au sens magique du terme. En effet, ils permettent de prendre un personnage, prince vaillant orphelin, fille désargentée mais valeureuse, animal maltraité et rusé ; de le mettre dans des situations périlleuses, rendre visite à sa grand-mère en passant par une sombre forêt, partir en quête d’un lointain trésor oublié ; de placer sur sa route tout un tas d’embûches, si possibles insurmontables, dormir chez un ogre mal luné, être coincé en haut d’une tour sans escalier ; de lui adjoindre un ou deux compagnons de route, chasseur assassin repenti, bonne fée aux pouvoirs limités ; d’éventuellement saupoudrer l’action d’une histoire d’amour, sans que celle-ci soit d’emblée gagnée ; et enfin de mélanger le tout pour voir comment notre héros réagit et s’il passe les épreuves pour arriver à poursuivre sereinement sa route. Vous obtiendrez alors un conte, peut-être lumineux, peut-être sombre, peut-être bienveillant, peut-être cynique, mais définitivement vivant et humain et qui potentiellement parlera à
chacun et chacune d’entre nous.
Après la tragédie, le collectif la Palmera s’attaque à un autre monstre sacré, celui des contes. Se glisser dans l’univers des histoires populaires, interroger notre mémoire collective, pour tenter de savoir quelles résonances ces constructions ont à notre époque. Comme il l’avait fait pour Andromaque, le collectif
se plait à prendre le genre, à le détourner, à s’en moquer, à en casser la forme, à en abattre ses fondements, à éplucher une à une chaque idée reçue, à s’appuyer sur les règles d’un monde très codifié pour mieux y pénétrer et les faire voler en éclats. Et essayer en définitive de mettre en avant ce que les contes ont de plus simple et de plus pur.
« Le héros est celui qui relève le gant quand toutes les chances sont contre lui », écrivait Eschyle en son temps.
Mais à l’heure actuelle, les contes ont-ils encore cette force de produire des héros capables de parler à notre imaginaire ?
Ont-ils encore ce pouvoir d’apaiser nos angoisses, et de nous aider à construire une route solide, loin du danger et de la crainte ?

 

 

La suite détaillée du programme plus tard…

 

 

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