Madinin'Art a pu voir au théâtre Aimé Césaire de Fort-de-France dans le cycle Shakespeare " Roméo et Juliette" dans une mise en scène qui flirte allégrement avec le burlesque à la limite de la dérision; et si quelques libertés sont prises avec le texte elles rencontrent une large approbation dans le public jeune. Dommage que la salle soit pliée en deux de rire dans certaines scènes qui relèvent de la tragédie. Mais bon il est mal venu de faire la fine bouche devant une programmation de qualité qui relève d'une nécessité de service public et que le théâtre foyalais assure avec bonheur auprès des générations montantes et des autres.

 Dans un tout autre genre l'Atrium nous a présenté une adaptation  de "Ce soir on improvise" mise en scène par Philippe Adrien, qui cette fois semble avoir réellement contribué à la prestation fournie. Le résultat est plaisant, même si le rythme est encore un peu lent avec quelques longueurs et si les comédiens paraissent quelques fois perdus sur le plateau vide de la grande salle du CMAC. Aurélie Dalmat truculente et gouailleuse à souhait est dans un registre qui lui va comme un gant, mieux en tout cas que celui de la tragédie, Aliou Cissé égal à lui-même confirme pièce après pièce  la palette de ses talents, Orlane donne l'impression de découvrir  un potentiel insoupçonné en elle de comédienne et les apports " extérieurs" s'agrègent plutôt bien au noyau martiniquais. Le texte de Pirandello est, on le sait, une belle leçon de théâtre avec ses mises en abimes, de théâtre dans le théâtre qui parle du théâtre etc. Une pièce à voir donc, par tous les amateurs de... théâtre.

M'A

Comment tuer sa mère ?

"Le complexe de Thénardier" de José Pliya :  une variation moderne  et réussie de la dialectique du maître et de l'esclave

par Roland Sabra

  La fin est au début. De façon plus claire le dénouement de l'histoire qui va nous être contée est posée sur scène dés les premières phrases : « Vido s'en va. Voilà je m'en vais. Vous dormez. Je n'aurai pas votre bénédiction. Ce n'est pas grave. Je reviendrai. » Une manière de débarrasser l'esprit du spectateur d'une question inutile, quelle issue pour ce drame ? pour qu'il puisse se concentrer sur l'essentiel : la langue et sa structure poétique, sa découpe au scalpel, le tranchant des mots et la finesse de leur lame, dans une joute verbale qui décline une variation moderne de l'antique et toujours actuelle thématique du maitre et de l'esclave. « Dans un lieu hors du temps et de l'espace, la mère a recueilli Vido qui fuyait le génocide. Pour se rendre utile Vidomégon, c'est son vrai nom, devient servante, femme à tout faire. Un jour, une nuit, peu importe, Vido décide de s'en aller. Mais voilà comment faire ?

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Expériences théâtrales.

 Par Selim Lander.

  L’amateur de théâtre qui se trouvait par hasard à Aix-en-Provence à la mi-janvier se voyait proposer un programme éclectique qui invite à quelques commentaires.
Découverte, en premier lieu, d’un « match d’improvisation théâtrale ». S’affrontaient deux équipes de six comédiens : la LIPAIX (ligue d’improvisation du Pays d’Aix, puissance invitante) contre les Bouffons de Marly. Devant une salle remplie par un public plutôt estudiantin, à en croire les apparences, les comédiens devaient improviser sur les thèmes fixés par un arbitre, dans un temps limité et le plus souvent sur un mode « mixte », c’est-à-dire les deux équipes mélangées, ce qui les obligeait à réagir face à des partenaires qu’ils ne connaissaient pas et avec lesquels ils n’avaient pu s’entendre à l’avance. A la fin de chaque brève séquence (quelques minutes), le public désignait le vainqueur en brandissant un carton de la couleur de l’équipe de son choix. L’ambiance festive n’était pas sans rappeler celle des matches de boxe, autant pour la brièveté des rounds, que pour la présence d’un arbitre bouc-émissaire, bombardé de projectiles (chaussettes nouées) par les spectateurs, et pour le jeu stéréotypé des acteurs.

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 CYCLE WILLIAM SHAKESPEARE.
Roméo & Juliette
Le théâtre "audiovisuel"

Par Christian Antourel

   Un pas de plus a été accompli dans le prolongement d’un théâtre idéal, pris comme unique modèle, en voulant être «  la nouvelle vague » et qui est devenu une des caractéristiques psychologiques d’un théâtre contemporain.

Dominique Serron et la Compagnie des Mutants n’hésitent pas à s’engager au service d’une dimension qui fait aujourd’hui référence en matière d’audace très structurée, auprès de laquelle même notre jeunesse doit pouvoir s’identifier. Ainsi est envisagé de nouveaux rapports entre une mise en scène, jusqu’alors improbable et un théâtre ancien du XVIème siècle. S’il faut sans cesse se confronter aux « grands ainés »comme on dit, à leur toujours éclatante jeunesse ; l’art et la manière ont brusquement évolué ; nous entrons de plain-pied dans l’ère de l’Internet, comme un langage en marche, une matière vivante du théâtre. La préoccupation de Dominique Serron est ici toute orientée vers ce mélange, cette métamorphose des genres, pour une impression saisissante. Le renversement qui s’opère est d’abord un effet d’écriture. L’écriture devient l’espace d’un réaménagement des positions subjectives, une fête pour l’imagination entre le théâtre de toujours et les techniques actuelles. L’écrit devient écriture, la parole devient gravure, le corps se fait livre, et Roméo recherche Juliette sur son blog, via Google sur Internet pour un amour connecté webcam. Quand la vidéo impose l’ambiance et son décor avec des balayages de plans panneautés : qui combinent des prises de vues panoramiques et des travellings, lorsque la caméra s’introduit dans le décor et ici, au plus proche de costumes qui mélangent les époques

« Les histoires d’amour finissent mal…en général »

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A voir au CMAC le 1er et le 2 février 2012
Congre et Homard,
production guadeloupéenne d’une pièce de Gaël Octavia.

Joël Jernidier et Dominik Bernard

Par Selim Lander.

Gaël Octavia, comme son nom ne l’indique pas, est une jeune femme d’origine martiniquaise. Congre et Homard n’est pas son premier essai d’écriture théâtrale mais sa première pièce montée. Elle y révèle une étonnante maîtrise. Construction parfaite (dans le genre des pièces à tiroir avec des rebondissements successifs qui relancent l’action), langue brillante avec quelques rares pépites empruntées à un vocabulaire plus populaire, voire créole puisque nous avons affaire respectivement à deux représentants du petit peuple antillais : un pêcheur et un « jobeur » (c’est-à-dire un chômeur « officiel » faisant des petits boulots).

On ne racontera surtout pas l’histoire. Disons simplement que le pêcheur a une bonne raison d’en vouloir au jobeur et qu’il lui fera passer de très mauvais moments. Le premier, Dominik Bernard – qui a également assuré la mise en scène – mène le jeu avec un bagout et une autorité sans faille. Joël Jernidier, son comparse, qui endosse le rôle plus ingrat d’une victime presque tout le temps passive, démontre une belle intériorité.
Ce spectacle est exemplaire parce qu’il réunit toutes les qualités que l’on attend du théâtre : 1) un vrai texte, écrit pour le théâtre, utilisant de manière magistrale les techniques propres à l’écriture théâtrale. 2) des comédiens talentueux. 3) une mise en scène rigoureuse et une scénographie au service du texte. En l’occurrence, le parti retenu par le metteur en scène et le décorateur (Pascal Catayee) fut de placer les deux hommes (tous deux vêtus d’une combinaison de travail) face à face de part et d’autre d’une table qu’on pourrait imaginer dans un bistrot branché, cubique de forme et d’où surgit par moment une lumière bleutée. Le bleu est d’ailleurs la tonalité dominante et cette lumière froide n’est pas sans contribuer à la tension qui domine le spectacle de bout en bout. Lumière bleue qui contraste avec le rouge qui accompagne le tout début du spectacle lorsque le pêcheur, seul en scène, esquisse une valse. Première fausse piste ; il y en aura bien d’autres !
  

"La vocifération des chrétiens de Civitas"

par  Alain Didier-Weill, psychanalyste

  La semaine dernière, un nombre appréciable de "restaurateurs" de "Civitas" – la cité catholique – s'était réuni dans l'enthousiasme, place de l'Alma, pendant qu'à quelques pas de là , au Théâtre du Rond-Point, se jouait la pièce de Rodrigo Garcia "Golgotha picnic" .

Un des prêtres qui animait le cortège, disciple de monseigneur Lefèbvre, tenait des propos qui permettaient de comprendre enfin, en toute clarté, qui était le responsable du malaise effrayant accablant la France, fille ainée de l'Eglise. Ce responsable avait un nom, connu depuis des millénaires, qui retrouvait hier sa fraicheur d'antan : ce nom était celui de "Satan". C'était lui qui était responsable du fait que le Théâtre du Rond-Point puisse recevoir des subventions du ministère, afin de monter et de montrer des œuvres diaboliques visant à blasphémer le Christ. Naturellement, expliquait ce prêtre, Satan était également responsable de Descartes, de Rousseau, et de toute la clique de penseurs qui, au nom d'une liberté soit disant donnée par Dieu (le libre arbitre), considérait que l'homme pouvait être un créateur. Pourquoi ne pas sourire devant ce discours, qui, après tout, pourrait sembler comique ? Pour plusieurs raisons. La première apparaît quand nous apprenons que le mentor de ces catholiques de Civitas est Alain Escada qui a toujours eu des liens politiques avec l'extrême droite, et qui se vantait d'avoir reçu un mail du député UMP, Pierre Remiller, lui apprenant l'existence d'une liste de 56 députés signataires d'une pétition contre la christianophobie.

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Robert Wilson et sa magie noire
 

par Jean-Pierre Léonardini

  La venue à Paris de Lulu, production du Berliner Ensemble, musique et chants de Lou Reed, mise 
en scène, décors et lumière de Robert Wilson, prouve 
à l’envi que ce dernier demeure, à ce jour, 
le plus fastueux inventeur de formes scéniques 
de notre temps (1). À partir de la fable noire que Frank Wedekind (1864-1918) mit des années à composer 
et qui donna lieu au sublime opéra d’Alban Berg, 
voici comme la quintessence, mise en jeu par des espèces de marionnettes humaines à déchiffrer ainsi que des hiéroglyphes, au milieu d’un incessant combat entre l’ombre et la clarté. On sait que Wilson prémédite d’abord son cadre visuel à partir de la lumière. C’est plus tard que les acteurs trouvent place dans le projet. 
Cette fois, beaucoup mieux que dans l’Opéra de quat’sous, par exemple, vu en 2009, où l’esthétique 
de Wilson devait par force en découdre avec les attendus dramaturgiques de Brecht, on peut s’avouer comblé devant l’harmonie chromatique d’une réalisation 
en tous points fidèles à l’esprit de Wedekind, apôtre 
d’un éternel féminin constamment bafoué et bouleversant, à travers la figure de la femme-enfant 
sans fin désirée et possédée sans qu’elle se donne.

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 L’Ange de la faute

de Marco Antonio de la Parra.

Par Selim Lander.

   Le théâtre du Guichet Montparnasse pourrait être l’avatar parisien d’une scène du Off avignonnais : petite salle dans laquelle se succèdent plusieurs spectacles quotidiens, souvent des créations, programmation éclectique, scénographie réduite a minima. Comme à Avignon, la qualité est inégale mais le théâtre présente toujours un risque que compense largement ici le plaisir de la découverte d’auteurs, d’interprètes inconnus.

Marco Antonio de la Parra n’est pas, pour sa part, complètement inconnu en France. Psychiatre, auteur d’une vingtaine de pièces de théâtre, sa Lettre ouverte à Pinochet – Monologue de la classe moyenne chilienne avec son père a été traduite et publiée en français. L’Ange de la faute est un autre monologue qui joue sur le même registre, celui de la culpabilité, non plus celle du peuple chilien et de l’auteur en particulier pour avoir toléré avec trop de complaisance la dictature, mais celle d’un individu ordinaire, inspecteur de police qui ne peut s’empêcher, à l’occasion d’une enquête criminelle, de ressasser la faute impardonnable qu’il a lui-même commise.

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 LA LOI DE TIBI
D’après « Mieux que nos pères »  

Don Quichotte…. & Sancho Panza
 

par Christian Antourel &
Ysa de Saint-Auret

 Imaginons un ailleurs au milieu de nulle part,  mais marqué par la misère, par un déterminisme prénatal, cette prédisposition au manque de chance, à une victimisation chronique, où le malheur s’écrit en lettres capitales. Ravages de tous les fléaux qui touchent la société. L’avidité et tous les vices de la condition humaine, qui font de ce monde ce qu’il est, dans son masque le plus ténébreux. A ce moment là entre en scène Tibi en «  habit de lumière. » L’Auguste triste mais encore plus joyeux. La mise en scène nous l’impose déplorable et au bout du compte, relativement attachant. Forgé d’humour noir ou d’ironie féroce. Avec un cœur qui respire la communication. Si Don quichotte transparaît dans sa fibre combative, il y a certainement dans un recoin un Sancho Panza dans sa force d’aimer. Comme dans un traveling de cinéma, revenant sans cesse sur «  le séducteur »pour faire jaillir en gros plan son rôle principal , ce voyage , ce formidable questionnement montre un personnage en constantes métamorphoses mentales autour d’un seul axe ; ce monde qui est le notre et dont on ne peut renoncer au nom de l’humain..

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Le solitaire de Ionesco
L’expérience de l'illumination

par Christian Antourel &
Ysa de Saint-Auret

« A trente cinq ans, il est temps de se retirer de la course. J’en avais par-dessus la tète de mon emploi. Je serais mort d’ennui et de tristesse si je n’avais pas fait cet héritage inattendu »

  Ionesco prince de la dérision et de l’absurde nous plonge sans ménagement dans l’étonnement, car en opposition à la profusion de ses pièces de théâtre dont il nous a abreuvé, il se fend d’un moindre ouvrage, insignifiant, inaperçu , inexistant….. en apparence. . À l’image de son personnage principal, affublé du nom de «  solitaire » personnage a la fois original, piètre, en constat d’échec, qui passe en revue son passé vide de sens. Le metteur en scène nous propose une démonstration remarquable de l’irrationalité, ou l’art d’habiller le vide. Jean louis Martinelli cherche à dépeindre les affres d’un homme englué dans sa médiocrité existentielle, à travers un tableau épuré, limpide et contrasté. Entre une vie ratée, un écroulement de l’être et de l’âme dans l’ambiance dédalesque d’un chaos instinctif, et un héritage providentiel, coup de théâtre qui nous bascule ensemble dans un huis clos sartrien. La mise en scène s’approprie la pièce dans une dramaturgie alternative et lumineuse, pour l’éloge d’une imagination à fleur de peau. L’immobilisme nous saute au visage en amples sinuosités et certitudes, par les méandres de l’incongru restitué : l’antre névrotique d’une chambre à coucher. Lorsque l’homme devient objet de ses délires et ose des regards, une philosophie de derrière ses paupières closes, comme une fêlure, pas bien dans sa tête pas bien dans sa vie. Il n’est pas seul dans sa peau et assume ses propres contradictions. L’existence est toujours compliquée. Mais en ce lieu de théâtre la précision implacable et affolante d’une mise en scène finement articulée , parée d’une tonalité savamment désaccordée, veut démonter la complexité qui atteint des sommets où l’absolu des situations doit être une évidence.

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Entre acculturation et butin de guerre, la langue

par Rosa Moussaoui

  L’auteur, comédien 
et metteur en scène congolais Dieudonné Niangouna 
présente le Socle des vertiges, 
aux Amandiers, 
à Nanterre.

Brazzaville, années 1990. Un homme surgit de nulle part, un seau de boue à la main. Il s’en vide le contenu sur le corps, puis se jette dans un soliloque que rythment les gestes rageurs de quatre personnages pétrissant la glaise, démiurges en échec. Préambule d’un récit effréné, circulaire, polyphonique, qui croise conte individuel et drame collectif.

L’auteur, comédien et metteur en scène ­Dieudonné ­Niangouna, artiste associé au Festival d’Avignon en 2013, crée le Socle des vertiges, fable racontée par deux frères, ­Roger et ­Fido, l’un légitime et l’autre pas, amoureux d’une même femme, hantés par le secret de leur naissance. Au point de départ de leur quête d’origines, la mort de leur père, criblé par les balles d’un Magnum 44. Où l’on plonge dans l’enfer d’une guerre civile sponsorisée par Elf avec la bénédiction d’une oppressante « mère partie /  mère patrie ».

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"L’Iceberg" : un brûlot contre le capitalisme financier

par Roland Sabra

   Comment parler d'un spectacle qui échappe à toute classification, qui broie les repères tranquilles de nos repères catégoriels ? Est-ce du cirque ? de la danse ?, du cinéma ? des marionnettes ? du théâtre ? du chant ? De la poésie ? C'est bien sûr à la fois tout ça et bien autre chose, quelque chose qui dépasse l'entendement, quelque chose qui relève de l'hypnose et du cours d'économie politique.

Quand les portes s'ouvrent ils sont déjà là sur scène, huit à s'échauffer autour d'une immense poutre métallique, totem théâtral qui traverse le plateau de part en part et qui sera hissé pour des numéros de haute voltige. En fond de scène un écran, sur lequel sera projeté des documentaires, des interviews, des listings d'ordinateurs, des slogans, des citations, des tableaux d'un des co-auteurs du spectacle, plasticien à temps perdu et surtout de magnifiques ombres chinoises.

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Théâtre – Retour en Martinique.

Théâtre : Octobre aixois.

Yna Boulangé dans "Folie"
de Marie Vieux-Chauvet
Mise en scène José Exélis
dans une adaptation de José Pliya

par Christian Antourel & Ysa de Saint-Auret.

  Dans cette adaptation de José Pliya, José Exélis monte à cru tendu l’ultime volet de la trilogie: Amour, Colère et folie et réussit la mise en scène qui voltige sur le corps, le souffle et la voix que Marie Vieux –Chauvet a lancé dans une exclamation exacerbée d’écriture abrupte, sèche et volontairement subversive. Elle participe d’un au-delà des mots qui échappent au langage indicible, de ces maux qui ont la couleur du vide et reflètent jusqu’au silence des choses par la quête d’un dire, d’un bien dire qui émerge au milieu du désordre quand la perte n’est plus l’absence mais la dimension même de l’absolu, de la vie. C’est que la chose démontrée, l’est dans une harmonie inversée qui à travers la douleur vise le beau. L’épreuve du bien est ici l’épreuve du mal. Les idéologies totalitaires, les tyrannies, les intégrismes sont parfaitement compris et sur le voile de cette histoire se peint l’amour, la colère la résistance, l’espoir et la folie. Cécile est ainsi confrontée à un double rapport au manque ; d’abord l’absence, bien sûr, et elle incarne également les traits de l’union entre guerre et paix, pour mieux rester captive d’une image que nul ne pourra altérer. Kant fait de la raison l’unique argument de la survie de l’homme, identifiant celle-ci a la loi et perçoit dans la douleur une limite à l’oppression, aux renoncements et au maintient du bien dans son inaccessibilité.

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Atelier théâtre des Trois-Ilets

  Il ya trois ans la compagnie les Enfants de la mer" du metteur en scène martiniquais José Exélis ouvrait aux Trois-Ilets un atelier théâtre ouvert ç tous? C'est Arielle Bloesch, elle aussi metteure en scène, on lui doit notamment le travail intéressant autour d'une création martiniquaise "La nuit caribéenne", très appréciée au Festival Mondial des Arts Nègres (FESMAN) de Dakar l'an dernier, qui était en charge de l'animation. Trois ans plus tard donc, c'est sa propre compagnie "Les Berlick" qui reprend le flambeau, José Exélis étant tout entier à régler la mise en scène du troisième volet, tant attendu de "Folies", l'adaptation de José Pliya du roman de Marie Vieux-Chauvet. Ecoutons Arielle Bloesch nous parler du nom de sa compagnie ! :  "Berlick est le nom d'un personnage du théâtre de Guignol que fréquentait la mère d'Alexandre Dumas. Un diable noir et facétieux qui a donné sa  naissance le surnom de l'auteur des Trois Mousquetaires. Un diable d'auteur dont le sang caribéen bouillonnait d'une imagination qui a passionné des générations de lecteurs dans le monde entier."

Le 17 septembre  avait donc lieu une reprise d'un spectacle de fin d'année de juin qui présentait les travaux de l'année., soit un ensemble de cinq courtes pièces de Jean-Claude Grumberg, auteur et metteur en scène connu et reconnu par ses pairs, notamment lors de la cérémonie des Molières pour Zone Libre et l'Atelier entre autres.

 Le premier mérite d'Arielle Bloesch est d'avoir eu l'audace de proposer des textes de cet auteur qui tournent autour d'une problématique peu souvent abordée ici dans notre belle ile, celle des conséquences de la Shoah sur la construction identitaire d'un enfant juif miraculeusement épargné, parce que recueilli par des Justes peu après sa naissance. Les esprits chagrins, étroits ou les deux à la fois diront qu'en matière de construction identitaire, il y a  ici déjà beaucoup à faire pour s'intéresser à celle de l'Autre..

Les prestations sont certes inégales comme toujours dans les ateliers amateurs, et hélas pas seulement amateurs, mais la représentation laissait voir un véritable travail de direction de comédien, qui est la patte d'Arielle Bloesch. C'est le second mérite de ce travail soutenu par la municipalité des Trois-Ilets et son directeur  de la Culture et des Sports, Bruno Mariette.  Cet Atelier de la Cie Les Berlicks est aussi l'occasion d'un brassage ethnique, reflet de la population de la commune. Ce qui n'est pas rien.

Pour les dates et horaires contacter Arielle Bloesch au 0696 22 58 63. 2 rue du Quadrille ( ex-école Sixtain) lesberlick@hotmail.fr

Madinin'Art

Economiste, Frédéric Lordon est connu pour ses essais critiques sur la mondialisation financière,
qui ont rencontré un grand succès public. Il a ici choisi une forme singulière, celle du théâtre, pour
mettre en scène la crise de la finance mondiale. Le rideau s’ouvre : Messieurs les Banquiers, son Altesse le président de la République française, Monsieur le Premier ministre, Monsieur le Gouverneur de la Banque centrale et le petit peuple des conseillers de la Cour. La pièce peut commencer : complètement lessivés par la crise des désormais célèbres « subpraïmes » (sic), les Banquiers vont bientôt sonner à la porte de l’Etat pour lui demander de mettre la main au porte-monnaie…Frédéric Lordon se révèle un versificateur virtuose, qui a fait le choix de l’alexandrin pour raconter la déconfiture d’un système qui a tous les traits de l’Ancien Régime. Mais si la forme évoque la tragédie classique, D’un retournement l’autre est aussi une farce sinistre qui dresse un portrait dévastateur de notre élite (le lecteur reconnaîtra sans peine ses plus célèbres représentants). On rit jaune, à écouter cet aréopage de beaux parleurs affolés par l’interminable maelstrom qu’ils ont provoqué, mais qui jamais n’abjureront leur foi dans les vertus du marché. Crise de la finance, sauvetage public, Explosion de la dette et rigueur hystérique. Et comme d’habitude, à qui va l’addition ? Qui donc de la farce pour être le dindon ? On l’aura compris : le « retournement » à venir n’aura rien à voir avec celui d’un cours de bourse (Présentation de l’éditeur)

D’un retournement l’autre. Comédie sérieuse sur la crise financière. En trois actes et en alexandrins, de Frédéric Lordon.

Girouette et pisse-vinaigre

par Christian Antourel

   Le point de départ de Girouette et Pisse- Vinaigre de Syto Cavé et Alain Blondel est le texte«  Voisin Voisine » d’abord monté a Barcelone en 2004 pour le Forum des cultures puis a Port -au- Prince , New York, Fort de France et Paris. C’est une réflexion écrite de leur parole mixée que le poète et dramaturge haïtien et le plasticien on muri dans un questionnement sur l’enfermement de la langue contemporaine, ou en panne dans notre société. Ils ont suivi des courants de pensées sur la distinction entre lecture et écriture entre cris et chuchotement, révolution et silence. Jusqu’à cet autre texte, d’une littérature de l’émotion introduite par une volonté arrogante d’une parole plus franche encore, pour échapper aux règles des conversations jouées dans un certain ordre social, par habitude ou lassitude. Pour changer l’image et le son. Déplacer la syntaxe, en obtenir d’autres musicalités dans l’apparente cacophonie, d’un bric à brac de grammaire architecturale libérée. Un jeu de mots croisés structurés/déstructurés, assemblés/cassés. Action violente dans les termes mais qui utilise toujours la poétique de Syto Cavé dans cette mathématique bleue qui enrichie l’écriture de la langue tout en réduisant jusqu'à les confondre l’architecture et l’artisanat des lignes directrices dictées et l’orthographe des espaces de lumières et de sons Dans ce fracas de combinaisons grammaticales éclectiques et fantaisistes la mise a mal des diversités d’expression contemporaines est parfois sidérantes toujours au-delà du possible et provoque un plaisir intellectuel intense. De cette jubilation naissent des pistes pour Syto Cavé et Alain Blondel qui deviennent chercheurs. La pièce est un exercice périlleux. Un objectif commun relie le poète au plasticien : créer la dimension humaine d’un discours réinventé, dans une appétence pulsionnelle de découvreurs de dictionnaire. Loin très très loin des maladies de la Norme, dans le champ social où la parole s’éssoufle dans le carcan des règles de conjugaison.

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Mix'Art à l'école

par Christian Antourel

Toutes les bonnes choses ont une fin. C’est en apothéose dans le décor mythique du cirque d’hiver Bouglione que l’Association Ariana a l’origine de « MIX’ART à l’école » référence incontestée, en terme de promotion de la diversité culturelle, qui s’adresse aux collégiens et lycéens au travers de la bande dessinée et des arts urbains a choisit de lancer le bouquet final de ce périple aux couleurs de la diversité culturelle. C’est la dernière image qui restera gravée dans les mémoires elle se devait d’être merveilleuse.   Ariana a véhiculé les valeurs de partage, d’échange, de transmission et d’enrichissement par la connaissance et l’ouverture aux autres. Soutenue par les principaux Ministères concernés (Ministère de l’Education Nationale, Ministère de la Culture, chargé à l’Outre-mer, Secrétariat d’Etat à la Jeunesse), par l’Agence Nationale pour la Cohésion Sociale et l’Egalite des Chances, et par la Direction de l’Accueil, de l’Intégration et de la Citoyenneté. Fort du partenariat avec la Délégation Académique, avec les groupes France Télévisions et Lagardère Active, et du concours de mécènes renommés. « L’opération « MIX’ART à l’école » est une réponse forte et innovante de l’Association Ariana à l’enjeu de la promotion des valeurs républicaines chez les jeunes. » Cette opération associative permet en classe d’étudier, d’échanger et de révéler le talent autour du thème de la diversité culturelle par la bande dessinée et le street art. Le concours MIX’ART a donné la parole aux élèves de manière dynamique et participative. Un travail collégial où chacun s’est renvoyé la balle par le dessin et par l’écrit, sur des thèmes fondamentaux tels que la lutte contre la violence, le décrochage scolaire, et la tolérance.

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Girouette et pisse-vinaigre

par Christian Antourel

   Le point de départ de Girouette et Pisse- Vinaigre de Syto Cavé et Alain Blondel est le texte«  Voisin Voisine » d’abord monté a Barcelone en 2004 pour le Forum des cultures puis a Port -au- Prince , New York, Fort de France et Paris. C’est une réflexion écrite de leur parole mixée que le poète et dramaturge haïtien et le plasticien on muri dans un questionnement sur l’enfermement de la langue contemporaine, ou en panne dans notre société. Ils ont suivi des courants de pensées sur la distinction entre lecture et écriture entre cris et chuchotement, révolution et silence. Jusqu’à cet autre texte, d’une littérature de l’émotion introduite par une volonté arrogante d’une parole plus franche encore, pour échapper aux règles des conversations jouées dans un certain ordre social, par habitude ou lassitude. Pour changer l’image et le son. Déplacer la syntaxe, en obtenir d’autres musicalités dans l’apparente cacophonie, d’un bric à brac de grammaire architecturale libérée. Un jeu de mots croisés structurés/déstructurés, assemblés/cassés. Action violente dans les termes mais qui utilise toujours la poétique de Syto Cavé dans cette mathématique bleue qui enrichie l’écriture de la langue tout en réduisant jusqu'à les confondre l’architecture et l’artisanat des lignes directrices dictées et l’orthographe des espaces de lumières et de sons Dans ce fracas de combinaisons grammaticales éclectiques et fantaisistes la mise a mal des diversités d’expression contemporaines est parfois sidérantes toujours au-delà du possible et provoque un plaisir intellectuel intense. De cette jubilation naissent des pistes pour Syto Cavé et Alain Blondel qui deviennent chercheurs. La pièce est un exercice périlleux. Un objectif commun relie le poète au plasticien : créer la dimension humaine d’un discours réinventé, dans une appétence pulsionnelle de découvreurs de dictionnaire. Loin très très loin des maladies de la Norme, dans le champ social où la parole s’éssoufle dans le carcan des règles de conjugaison.

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Que les fruits tiennent la promesse des fleurs

"Il want it, I'll get it !"

  Il ne faut pas désespérer de Hervé Deluge. S'il nous est arrivé d'être très réservé à l'égard de certaines de ses productions il nous arrive aussi d'être charmé par son travail. C'est le cas avec sa dernière production «I want it, I'll get it », présentée fin fin 2011 à Fort-de-France dans le cadre du Festival e Théâtre amateur. Hervé Deluge, s'est emparé non pas d'un texte d'auteur mais d'un ensemble d'écrits destinés à autre chose quel leur mise en scène théâtrale. Il y a là des articles de presse, des extraits de coupures de journaux des commentaires, des réflexions entendues ici où là, des saynètes inventées à partir d'une observation distanciée et critique des pratiques quotidiennes qu'elles soient télévisuelles, radiophoniques, issues du monde professionnel ou de la conjugalité ou d'autres domaines. On assiste alors à un théâtre fait de collages de petites scènes, dont chacune présente une unité discursive et dont l'emboitement génère en creux, détaché du contexte et à un autre niveau de réflexion, un étrillage vigoureux de l'ordre social capitaliste. Tout le contraire d'un discours militant bavard, didactique et empesé. Le sens résulte plus de la succession des tableaux que des tableaux eux-mêmes.

Il y a dans le travail de Hervé Deluge une piste intéressante qui est celle du refus d'une dichotomie entre l'écriture et la mise en scène. C'est en renonçant à cette césure, en brisant cette séparation, cette dualité qu'il semble avoir conduit ses comédiens amateurs. L'écriture théâtrale collective, qu'il nous propose alors, n'est pas seulement celle des mots, mais devient aussi celle des sens, des émotions.

Certes il y avait encore pas mal de scories à éliminer dans ce qui nous a été présenté. Certaines scènes mériteraient d'être plus ramassées, notamment celle du jeu de télévision. Mais il faut encourager ce théâtre de critique sociale, satirique, qui porte à rire et à penser et qui nous défatigue des habituels discours d'auto-lamentations.

Si la troupe manque d'homogénéité; si les prestations des comédiens sont hétérogènes elle comporte quelques éléments de qualité ( Guillaume Malsne, Emmanuelle Clément...) et les autres ne demandent qu'à progresser. En tout cas le théâtre amateur martiniquais est on ne peut plus vivant, riche et divers dans ses pratiques, reste à expliquer et à tenter de combler le fossé qui le sépare du théâtre professionnel.

R.S.

« I want it » : Pertinente comédie satirique.

 Par SelimLander.

   Beaucoup de compliments et peu de critiques pour ce spectacle imaginé et monté par Hervé Deluge. Un Deluge que l’on voit décidément beaucoup ces temps-ci : comme comédien dans Les Désincarcérés (voir notre chronique et celle de Roland Sabra), comme lecteur de L’Esclave et le Molosse de Chamoiseau, le 22 mai, et enfin comme auteur-metteur en scène dans cet I want it, comédie satirique qui nous instruit en nous distrayant.
Le message de la pièce est plus qu’instructif en effet puisqu’il nous met en face de la réalité du capitalisme néolibéral qui a proliféré, tel un chancre, sur presque toute la surface de la planète. Ses ressorts sont simples : l’envie et la peur. L’envie de consommer est encouragée par la publicité, laquelle, il faut le dire, trouve un terrain favorable dans le comportement mimétique (voir les analyses de René Girard) qui caractérise l’humanité en général. Quant à la peur, c’est celle de ne plus pouvoir continuer à maintenir – au moins – son niveau de consommation, donc, concrètement, celle de perdre son emploi. Le socialisme et la fonction publique (son avatar dans les pays capitalistes) ont bien des défauts mais pas celui-là. Quant au capitalisme, il possède deux leviers très efficaces pour terroriser la main d’œuvre, donc pour la discipliner : le progrès technique (qui permet de remplacer les travailleurs par les machines) et les délocalisations (qui permettent de remplacer les travailleurs d’ici par des travailleurs d’ailleurs, moins coûteux).
Hervé Deluge a choisi le ressort qui se montre en général le mieux à même d’emporter l’adhésion du spectateur, lorsqu’il s’agit de démontrer une thèse, aussi sérieuse soit-elle : l’humour, la comédie. De fait, on rit bien dans cette pièce, même si le rire est souvent grinçant. Car il ne faut pas faire beaucoup d’effort pour prendre en pitié les pantins qui sont manipulés devant nous par un chef d’entreprise-meneur de jeu, aussi charmeur que cruel.
Cette pièce s’inscrit dans les rencontres de théâtre amateur, organisées désormais chaque printemps au Théâtre de Fort-de-France. Cela se sent parfois, sans être vraiment gênant. On est dans l’ensemble admiratif par le travail des comédiens bénévoles et passionnés qui ont trouvé en eux des ressources qu’ils ne soupçonnaient probablement pas eux-mêmes. On ne va pas, ici, distribuer des médailles, mais on ne saurait passer sous silence le nom de Guillaume Malsne, qui porte avec une aisance et un bagout sans faille le rôle absolument crucial du chef d’entreprise.
Le spectacle est construit de manière à donner la parole successivement aux différents comédiens, placés le plus souvent frontalement, et qui interagissent assez peu. D’où l’importance du meneur de jeu, qui leur distribue la parole. Le jeu télévisé, la visite chez une « psy » font partie des artifices mis en œuvre pour amener les comédiens à s’exprimer les uns après les autres. Cela pourrait paraître répétitif mais ce n’est pas le cas, d’autant que le procédé n’est pas absolument systématique : certaines scènes (comme celle où les employés discutent de la possibilité de faire grève) amènent les comédiens à faire leur numéro… ensemble.
Puisqu’on a annoncé des critiques, il devrait être temps de s’exécuter. A la réflexion, nous ne le ferons pas. Car ce serait… exécuter les rares comédiens-comédiennes qui n’étaient visiblement pas à la hauteur de leur rôle, de telle sorte qu’il serait bien difficile de décider qui, du comédien ou du rôle, était responsable de notre malaise. S’il est normal d’accabler un professionnel qui ne se montre pas à la hauteur des exigences de sa profession, autant cela paraît injuste pour des amateurs. Sans doute eût-il fallu, pour que la qualité du spectacle se maintînt de bout en bout, ne pas hésiter à couper certaines branches…

Les 14 et 15 avril 2011
Mon petit Poucet

d’après Charles Perrault ;
texte et mise en scène de
José Pliya. 

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Le dramaturge et metteur en scène cubain Yoshvani Medina débarque à Broadway.

by Yoshvani Medina on Monday, May 2, 2011 at 6:53am

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La pièce" Probation" de Yoshvani Medina, dramaturge et metteur en scène cubain, très connu dans le monde caribéen et hispanophone aux Etats Unis, vient de remporter le Grand Prix de Dramaturgie Répertoire Espagnol 2010 et sera honorée en cérémonie officielle à Broadway, le mercredi 11 mai, a-t-on appris auprès du service de presse de l’auteur. La pièce sera produite la prochaine saison par l’illustre compagnie newyorkaise Répertoire Espagnol, avec un casting qui pourrait compter avec les plus grands stars latinos du moment. Yoshvani Medina débarque donc à Broadway, après un passage a la Martinique où il a écrit et/ou mis en scène quelques spectacles a succès entre 2000 et 2006 (« Bésame mucho », « Suicidame », « Les monologues du vagin », « Cinq filles couleur pêche », « Romeo et Juliette » et « Quelques histoires d’amour très très tristes », entre autres).
En janvier 2011, la pièce Symphonie en Do Majeur (et La mineur), écrite et mise en scène par Yoshvani Medina avait raflé tous les prix Miami Life Awards. Ici avec la star mexicaine Rosalinda Rodriguez, l’acteur cubain Carlos Garin (Telemundo-NBC) et la jeune révélation colombienne Valentina Villamizar.
Yoshvani Medina est actuellement le directeur artistique de la compagnie américaine ArtSpoken Performing Arts Center, avec laquelle il a créé cette saison une vingtaine de spectacles.

"Les sardines grillées"

12-13-14 mai 2011 au Théâtre de Foyal

Jean-Claude Danaud, né en 1948 est l'auteur d'une quinzaine de pièces de théâtre, de trois douzaines de dramatiques radiophoniques , de presque qu'autant de sketchs télévisuels. C'est sa cinquième pièce «Les sardines grillées» que nous que propose la Compagnie VIRGUL du metteur en scène et scénographe martiniquais Valer EGOUY au théâtre Aimé Césaire de Foyal.

Solange Une vieille fille plutôt coincée, vient de se faire embaucher comme aide familiale, ou plus réellement comme bonne à tout faire dans une famille bourgeoise à Marseille. Devant la porte de la maison campe sur un banc, depuis plus de vingt ans une clocharde hargneuse, prénommée Victoire. Celle-ci va entreprendre de déniaiser Solange, de la mettre au parfum comme on dit. Le parfum ici est celui des sardines que Victoire s'entête à faire griller tous les jours et dont l'odeur envahissante pousse régulièrement, à la démission les employées de la maison.

Mais que veut donc Victoire? Qu'a-t-elle à reprocher au vieux chef de famille qui gite là et dont elle empeste la vie?

La rencontre entre Solange et Victoire est explosive, autant Victoire a le verbe haut, coloré et recours à des images fortes autant Solange est un peu niaise, timorée, timide , effarouchée. Elles vont devenir amies, confidentes, intimes et presque parentes. Au contact de Victoire Solange va voir le monde différemment. C'est cette transformation qui nous est contée. On l'aura compris le comique résulte de cette confrontation entre deux caractères que tout oppose et qui n'ont rien de commun en apparence. En apparence car la chute de ce morceau de café théâtre réserve quelque surprise.

La compagnie Virgul de Valer EGOUY s'emploie depuis plusieurs années à un travail de terrain et d’enracinement de la pratique théâtrale du coté des Terrresainville, quelque chose qui renoue avec ce qu'il y a de plus noble dans l'expression théâtre populaire.

R.S.

Lire l'article de Christian Antourel

«Tango Neruda» et «Hôtel des deux mondes»:
Professionnels ou amateurs, les meilleurs ne sont pas nécessairement ceux que l’on croit.

Par Selim Lander.

Fin avril au théâtre municipal de Fort-de-France. Serge Barbuscia, comédien-directeur du Théâtre du balcon, troupe professionnelle basée en Avigon mais qu’on a déjà vue en Martinique, se présente seul en scène pour interpréter des poèmes de Pablo Neruda. C’est la manière moderne de faire du théâtre! Ne surtout pas faire appel aux textes des auteurs de théâtre confirmés, aller chercher d’autres textes, des bouts de roman ou, comme ici, des poèmes, les confier à un comédien et le tour, si l’on peut dire, est joué. Oh! Cela peut marcherpuisque de magnifiques spectacles ont été conçus ainsi, dont nous avons rendu compte, à l’occasion. Mais enfin, il faut de bonnes raisons pour renoncer à ce qui a fait le succès du théâtre depuis des siècles! En l’occurrence, le choix de poèmes traduits était déjà très risqué: rien de plus difficile à traduire que la poésie, on le sait. Lorsque, en plus, le comédien commence par «lire» des poèmes pendant un bon quart d’heure sur l’avant-scène d’une voix que la plupart des spectateurs – pas seulement les personnes âgées naturellement dures d’oreilles – ont jugé difficilement audible, on sent qu’on est parti pour un très mauvais tour.

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«L’Or» avec Xavier Simonin et Jean-Jacques Mitteau, d’après Blaise Cendrars

Par Selim Lander.

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« J’aime le théâtre » d’après Pauline Carton, avec Fiora Giappiconi.

  Cours de théâtre au Théâtre municipal 
Les temps sont durs ! Si l’on faisait le compte des derniers spectacles qui nous ont été présentés ces dernières années tant au Théâtre municipal qu’à l’Atrium, on verrait que la part des one-man ou one-woman shows ne cesse d’augmenter. Economie exige. Il n’y a pas que du mauvais dans cette évolution : La présence d’un seul comédien sur la scène crée entre lui et la salle un rapport plus intime que dans des spectacles plus étoffés en personnages et nous garderons longtemps en mémoire certaines de ces soirées où un(e) unique comédien(ne) portait son rôle avec une particulière intensité. Cela étant, la nouvelle donne économique nous prive de pans entiers du répertoire.
On y songeait, l’autre soir, en écoutant et regardant la jeune comédienne Fiora Giappiconi évoquer les tournées de Pauline Carton (1884-1974), avant la première guerre mondiale et jusqu’après la seconde, à l’époque où la France avait encore des colonies vers lesquelles on déplaçait des troupes entières, afin de présenter aux populations avides des spectacles parisiens des comédies aux intrigues complexes, aux personnages nombreux, avec de riches costumes et des décors variés. Signe des temps : aujourd’hui, au lieu de tels spectacles, nous avons une seule comédienne pour nous les raconter !
Fiora Giappiconi ne s’en tire pas mal du tout, malgré une voix manquant souvent de puissance et une certaine nonchalance dans son jeu qui pourrait faire que parfois nous nous ennuyions. Elle chante plutôt bien des chansons de l’époque et se révèle assez drôle dans les parties les plus comiques. Un spectacle à recommander aux vrais amateurs du théâtre, pour ce qu’ils pourront y apprendre sur les coulisses de leur art favori, et aux nostalgiques des tournées de papa.
Au Théâtre de Fort-de-France, les 11 et 12 février 2011.

Par Roland Sabra

   Daniel Marcellin nous conte l'histoire d'Haïti, qu'il a écrite avec Philippe Laurent et que ce dernier met en scène dans un spectacle justement nommé AYITI. Comédien longiligne, formé au mime, Daniel Marcellin use non seulement de la souplesse de son expression corporelle mais aussi de ses talent d'imitateur pour entremêler tranches de vies et histoire majuscule. Ses propres enfants, sa femme, côtoient, Napoléon, Toussaint Louverture, Dessalines, Papa Doc et les autres. Il est seul sur le plateau avec pour tout dispositif scénique deux dizaines de valises de toutes sortes disposées en demi cercle, desquelles il extraira au gré de ses besoins quelques accessoires, un parapluie, des sacs à mains, une casquette, des lunettes pour figurer les différents personnages qu'il incarnera.

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"L'ile aux esclaves"
le 28 /01/11 au CMAC

« Une bonne pièce de théâtre doit poser les problèmes et non les résoudre »

par Roland Sabra

  Cette phrase  de Jean-Paul Sarte à propos des "Mains sales" s'applique assez bien au théâtre de Marivaux (1688-1763) qui invite le spectateur à réfléchir sur l'inégalité sociale, sans pour autant réclamer un changement politique. Marivaux n'est pas révolutionnaire. Dans le langage moderne, tout au plus serait-il «  réformiste ». Moraliste est semble-t-il le mot le plus adéquat. Dans l'Ile aux esclaves, qui nous est présentée le 28 janvier à 20 h 30 dans la salle Frantz Fanon du CMAC-ATRIUM, il fait appel sinon à l'humanisme des personnages, tout au moins à leur humanité, à leur raison, ce en quoi il préfigure le siècle des Lumières sans en avoir les audaces politiques. Résumons l'intrigue.

Lire la suite et le compte-rendu Une mise en scène qui se veut une mise à nu!

par Roland Sabra

Une rencontre miraculeuse, en pleine rue, va transformer, bouleverser et finalement détruire une famille en proie aux difficultés ordinaires de la vie. Problèmes d'argent récurrents, des difficultés relationnelles entre parents et enfants, bref le pain quotidien de beaucoup. Croyant faire le bonheur de tous le Père de la famille Florès, de sous-louer à M. Fergodlivio une chambre dans la maison familiale, à des conditions pécuniaires qui défient tout entendement : 20 000 euros par mois. Trop beau pour être vrai! Le locataire va très vite se révéler être un tyran, exigeant, pour commencer que disparaissent de la maison, les petits riens , les petits plus qui rendaient acceptables ce qui ne l'était pas. Doivent donc disparaitre plantes, fleurs, oiseaux, alimentation locale et d'une façon plus générale tout ce qui renvoyait aux coutumes de la maisonnée. Le fils, Jorge Florés, en rébellion contre le père, rien d'extraordinaire à cela, sera le premier à partir, avant que le despote n'oblige le père à punir, en la frappant, la mère accusée d'avoir désobéi aux ordres du locataire, étape dans une descente aux enfers qui se conclura par l'élimination physique de la gêneuse!

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   Le Théâtre Aimé Césaire (Aimé Césaire, forcément Aimé Césaire) de Fort-de-France, ouvre l'année 2011 avec un détour par la Commedia dell' Arte avec "Fabula Buffa", inspiré de Mystère Bouffe du grand Dario Fo, la mise en scène étant signée Carlo Boso. Du sérieux, ou plus exactement du rire assuré pour débuter et puis trois créations, une dans le domaine de la danse avec "On t'appelle Vénus" de la chorégraphe Chantal Loial qui décline la  thématique de la Vénus Hottentot, dont personne n'a pu manqué ( ce serait une faute) l'admirable restitution qu'en a faite Abdellatif Kechiche au cinéma dans la Vénus noire, puis deux dans le domaine du théâtre avec "Les sauveurs" de Ruddy Sylaire ( 11 & 12 février) "L'Or" de Blaise Cendrars" dans une mise en scène de Xavier Simonin et Jean-Paul Tribout ( 31 mars & 01-02 avril). Entre temps un nouveau passage par les valeurs sûres avec  "J'aime le théâtre" d'après les souvenirs de Pauline Cartonles 11 et 12 février.

Le CMAC, réaffirme son choix d'un cinéma de qualité, avec "Regards Croisés" du 11 au 18 Janvier. Une bouffée d'oxygène, nécessaire et vitale après l'asphyxie "madianesque" de narnars étasuniens de ces dernières semaines. Et on repartira avec de... la musique, bien entendu, le 13, puis une expo le 29  au lendemain  de l'unique représentation de "L'ile  des esclaves de Marivaux" dans une mise en scène de Christine Berg qui présente la pièce ici.  Haïti la bienaimée, sera sur scène les 03 et 04 février avec la compagnie "La charge du Rhinocéros" qui  nous offrira  à voir son dernier travail AYITI de Philippe Laurent et Daniel Marcelin, le comédien haitien qui sera  aussi sur scène.

 R.S.

Le monde est une pièce de théâtre où chacun doit apprendre à jouer son rôle.

par Hervé Deluge

  Cette critique mondaine en guise d'exécution, m'a un peu mis en colère et pour finir consterné. Le ton est hargneux, vengeur au-delà des arguments à proprement dit.
D'où tu parles Sabra ?
Alors descendons, mettons les choses au niveau de ta critique, au niveau du moment où dans le spectacle "les deux personnages se frappent dessus avec des massues gonflables d'hommes des cavernes. " Un niveau que curieusement tu ne reconnais pas. Cracher neuf fois sur dix sur ce qui se fait ici est bien ta “marque déposée” ?
Tu fais penser au bourgeois gentilhomme, celui qui voudrait être noble mais qui n'a pas les moyens de sa prétention. Un rustre. J'entends démontrer en suivant le plan approximatif de tes reproches, que tu n'es ni plus ni moins que le énième missionnaire d’une pensée qui se voudrait encore dominante, reconnaissable au caractère méprisant de ta phraséologie et aux injonctions péremptoires qui expriment tes frustrations de mauvais marionnettiste.
Une autre forme de ton inquiétant sentiment de supériorité te pousse à exclure de tes analyses l'homme de la rue dont tu minimises les capacités intellectuelles tout en provoquant chez le bourgeois une complicité de façade, nourrissant tes textes de références approximatives et inutiles de salonard.

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Bouffon et politique

par Roland Sabra

  Carlo Boso en personne est venu nous faire la leçon, nous rappeler les origines de la Commedia dell Arte. Avec l'accent italien en prime. Nous avons écouté. Nous avons retenu. Apparue au XVI ème, siècle son origine est sans doute plus lointaine. Dés l'époque romaine il existe une tradition populaire de pantomimes qui ne prendra forme que beaucoup plus tard après moult pérégrinations. Le nom lui-même est sujet à variation : Appelé aussi commedia all’improviso  (à l’impromptu), commedia a soggetto  (à canevas) ou commedia popolare  (populaire), ce genre a reçu ces noms divers par opposition au théâtre littéraire (commedia sostenuta ), apparu en Italie dès les premières années du XVI^e siècle. Sa caractéristique essentielle et qui lui donnera le nom sous lequel il nous est parvenu est une fixation, une formalisation des codes scéniques que l'on retrouve presque intacts de nos jours. Les personnages sont eux aussi très normés, deux vieillards, deux jeunes hommes amoureux, deux jeunes femmes amoureuses, deux valets, deux servantes auxquels viennent s'ajouter à l'occasion des acrobates, des danseurs des chanteurs etc. Les paires de rôles sont typées. Si l'un des vieillards est riche et avare, l'autre est pédant et ridicule  si l'un des valets est ingénieux l'autre est balourd bien qu'étant tous les deux fourbes etc.

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  Romain Duris avait le sourire, à l'heure des saluts, lundi 29 novembre 2010 au soir. Il avait de quoi : il venait de gagner ses galons de comédien de théâtre, superbement. Au Louvre, dans le salon Denon, Patrice Chéreau, avec la collaboration du chorégraphe Thierry Thieû Niang, lui faisait faire ses premiers pas sur scène avec un texte époustouflant dhref="http://www.madinin-art.net/images/ard-Marie Koltès (1948-1989) : La Nuit juste avant les forêts.

Ce moment de théâtre d'une force rare, on peut maintenant le retrouver au Théâtre de l'Atelier, à Paris, où le spectacle est repris jusqu'à fin février. Le choc vient d'abord de la (re)découverte d'un texte que Koltès a écrit en 1977, avant ses grandes pièces. Non seulement il n'a pas vieilli, mais il résonne aujourd'hui, dans sa fulgurance, avec une actualité qui laisse estomaqué.

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Une tragédienne : Amel Aïdoudi dans "L’Orchidée violée"
de Bernard Lagier. 

Par Selim Lander.

  Les Martiniquais se rendent-ils compte de leur chance ? Une authentique comédienne a élu domicile sur leur petite île. Amel Aïdoudi pourrait se produire sur des scènes plus prestigieuses, se montrer sur les écrans des cinémas. Eh bien, non, elle a choisi de demeurer sur notre île où elle ne se produit pourtant que sporadiquement – faute du public suffisant pour jouer plus que deux ou trois fois la même pièce et, ceci expliquant cela, faute de fonds pour monter davantage de spectacles, – bien que faisant montre toujours du même enthousiasme et du même professionnalisme.
Qu’est-ce qui fait un grand comédien ? Il doit évidemment aimer jouer plus que tout, il doit ensuite faire preuve d’une totale générosité afin de donner tout ce qu’il a au public, il faut encore qu’il sache mourir à lui-même pour renaître dans la peau de son personnage. Mais tout cela est insuffisant, il doit encore être capable de transcender le réel sans que cela paraisse jamais exagéré. L’idée suivant laquelle un grand comédien se devrait de jouer « vrai » est en effet très inexacte : si le théâtre se contentait de reproduire tel quel le monde réel, il n’aurait pas sur nous cet étrange pouvoir. Les personnages tragiques, en particulier – les seuls réellement forts, et l’on en trouve aussi dans les meilleures comédies (voir le Misanthrope, Tartuffe,…) – nous fascinent parce qu’ils sont plus grands que nature, plus outrés, plus sensibles que leurs éventuels modèles.

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Les programmes de recherche / création
Résidences Culturesfrance /

Visas pour la création 2011

 / Caraibes

  Programme destiné aux artistes caribéens, souhaitant développer un projet artistique dans tous les domaines de la création contemporaine en arts visuels (arts plastiques, design, photographie, mode, nouvelles images) et en arts de la scène (danse, musique, théâtre, cirque et arts de la rue).

▪ Nombre de lauréats : 20
Le programme Visas pour la Création est destiné à des artistes caribéens résidant dans la Caraïbe insulaire (Cuba, Haïti, République Dominicaine, Jamaïque, Dominique, Barbade, Antigua et Barbuda, Grenade, Saint Kitts et Névis, Sainte Lucie, Saint Vincent et les Grenadines, Trinité et Tobago) ainsi que dans les Départements Français d’Amériques (Guadeloupe, Guyane, Martinique) et le Suriname, qui souhaitent développer un projet de recherche ou de création dans un autre pays de la grande Caraïbe (en plus des pays pré-cités : Etats-Unis, Mexique, Belize, Guatemala, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Panama, Colombie, Venezuela, Guyana, Brésil et Canada) ou en France, auprès d’un lieu d'accueil partenaire, identifié au préalable par les artistes postulants.

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Le Horla de Nouméa : un Maupassant insolite à la Nouvelle Calédonie

Le HORLA
Une proudction du théâtre BLOCK72
Adaptation dramatique de la nouvelle de Maupassant par Max Darcis
Mise en scène et interprétation par Max Darcis
Scénographie et éclairage : Max Darcis

  À Nouméa, le théâtre se joue de jeudi à dimanche. Souvent les spectacles ne passent que quatre soirées pour ensuite partir en tournée dans les écoles ou dans les provinces du Nord et du Sud où les lieux d'accueil peuvent être un grand espace vert, la cour d'une maison, une salle de sport ou une salle de classe. L'Association « le Chapitô », d'Anne Sophie Arzul, est une exception car elle fait circuler les productions professionnelles partout dans l'île sous un énorme chapiteau de 400 places qu'elle fait installer dans un lieu approprié (après avoir « fait la coutume », échange rituel avec les chefs Kanak pour légitimer le séjour sur leur terre). L'installation même du chapiteau se fait grâce à une équipe de monteurs dont les membres sont parfois de jeunes Kanak attirés par ces spectacles de théâtre itinérant de passage chez eux. Selon Mme Arzul, ces productions du « Chapitô » permettent au public loin de Nouméa de voir des œuvres mises en scènes dans les mêmes conditions que celles des grandes salles de la capitale.

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Fracas de
mots-bombes

  Crée pour la petite chapelle du Théâtre des Halles, à Avignon, durant le Off 2007, « le Jour où Nina Simone a cessé de chanter » est aujourd’hui repris avec bonheur [...] . Avec sa robe rouge et ses mots de conteuse cosmopolite pour seul bagage, Darina al-Joundi retrace quelque quarante ans d’une vie de Libanaise « libérée ».

Fracas de mots-bombes, de bons mots, d’expressions à fragmentation : la frappe est magistrale. Darina al-Joundi alias Noun nous conte « son » Liban, à feu et à sang, son Liban qui fait boum, un Liban de guerre qui est aussi le Liban de son défunt père. Son petit papa poète, Libanais laïque à qui elle épargne, le jour de ses funérailles, les rituelles psalmodies du Coran en radio-cassette. Face A, face B : les intégrismes contre le cosmopolitisme, le Coran contre Nina Simone. Elle coupe le son et reprend l’histoire à zéro.

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Une famille explosive triomphe au Rond-Point

   Le Festival d'automne tient son triomphe : Le Cas de la famille Coleman, de l'Argentin Claudio Tolcachir. Ce spectacle enthousiasmant, qui arrive à point nommé dans une rentrée plutôt décevante, se donne au Théâtre du Rond-Point jusqu'au 13 novembre.

Cette durée appréciable va permettre à beaucoup de gens de le voir : contrairement à de nombreuses productions étrangères qui passent en coup de vent sur les scènes françaises où, d'ailleurs, Le Cas de la famille Coleman a déjà tourné, en pointillé. Il vient de Buenos Aires, et a été créé en 2005, l'année où Claudio Tolcachir a eu 30 ans.

Ce grand garçon blond est tombé dans le théâtre quand il était petit. Son père, technicien de la télévision issu d'une famille juive russe, et sa mère, médecin d'ascendance italienne, emmenaient chaque semaine leurs trois fils voir une pièce. Claudio Tolcachir aimait tellement ces sorties qu'il a commencé à prendre des cours dès l'âge de 9 ans.

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Des souris et des hommes
de John Steinbeck

Mercredi 6 / Jeudi 7 / Vendredi 8 / Samedi 9 Octobre 19h30
Théâtre de Foyal

Comme souvent Michèle Césaire ouvre la saison théâtrale avec une pièce flamboyante Cette année elle nous offre un en hommage aux loosers du rêve américain et à tous ceux qui des aurores de l'expansion à la longue nuit des chômeurs ont trainé leurs guêtres et leur misère sur les bancs de toutes les galères du monde. C'est en 1937, au cours de ce qui est resté la plus grande crise du capitalisme que John Steinbeck publie Des souris et des Hommes. Ce sont avec les raisins de la colère les œuvres les plus connues de l’écrivain, prix Nobel de Littérature en 1962. L'histoire ressemble à celle de Moosbrugger dans « L'homme sans qualité » de Robert Musil paru en 1930, dont elle s'inspire mais en l'étoffant davantage. Le titre quant à lui est emprunté à un poème de Robert Burns «  Les plans les mieux conçus des souris et des hommes souvent ne se réalisent pas ». Le succès du roman est immédiat et vient consolider le statut d'écrivain que Steinbeck avait conquis deux ans auparavant avec Tortillat Flat.
Des Souris et des hommes est construit comme une tragédie selon la règle des trois unités. Unité de lieu, unité de temps et unité d'action.
Le tragique se manifeste dans l'impossibilité des personnages d'accomplir leurs rêves ou dans la solitude qui les déchire, sans lien d'amitié aucun, sans autre perspective de gagner les quelques dizaines de dollars qu'ils s'empresseront de dépenser le Week End dans un bar ou pour les plus fortunés dans un bordel.. George et Lennie, deux copains qui errent sur les routes, de ferme en ferme partagent ce même rêve : posséder un jour une petite exploitation pour y vivre comme des rentiers, y élever des lapins. Lennie est un idiot au sens classique du terme, doué d'un force phénoménale qu'il ne maitrise pas, il ne peut résister au plaisir de caresser les choses douces et de les briser. Alors quand la femme du patron lui proposera de toucher ses cheveux... ce qui devait arriver arrivera. Ne restera alors à George qu'une issue pour éviter le lynchage de son copain.
La mise en scène proposée date de 2002-2003, elle connait depuis un succès immense que confirme l'ensemble de la critique pour une fois unanime a souligner la qualité de la prestation des comédiens et la sobriété du metteur en scène. Une pièce à aller voir les yeux fermés... ou presque. Un seul regret qu'il n'y ait pas de séance pour les scolaires. Pour former le public du futur on peut mieux faire.

R.S

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Des Lycéens sur les planches
"Clair Obscur"

d’Israël Horowitz

Adaptation et mise en scène de Jandira Bauer
 

par Selim Lander

  Israël Horowitz est un juif américain né en 1939. Il a écrit de très nombreuses pièces de théâtre, des scénarios et fait un peu l’acteur. On le range dans l’école « réaliste » américaine (nous dirions plutôt « sociale »). Une quinzaine de ses pièces ont déjà été jouées sur des scènes françaises, depuis L’Indien cherche le Bronx (1969) jusqu’à Très Chère Mathilde (au Théâtre Marigny en 2009). Jandira Bauer, metteur en scène martiniquaise d’origine brésilienne, a choisi de faire travailler les élèves les plus avancés des classes ou ateliers « théâtre » du lycée Schoelcher sur Clair Obscur, texte extrait des Pièces Brèves d’Horowitz.

Le sujet porte sur l’identité des gens de couleur, dans un univers qui reste dominé par des Blancs. L’auteur aborde ce sujet sous un angle très particulier : les membres d’une famille noire prennent une pilule qui fait blanchir la peau, espérant ainsi se débarrasser de leur malaise identitaire. Mais il serait bien surprenant qu’une telle solution soit à la mesure du mal que l’on cherche à soigner, de fait, bien que blanchis, ces Noirs demeurent des Noirs, leur culture étant restée la même.

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d’Athol Fugard, John Kani et Winston Ntshona (Théâtre des Bouffes du Nord à Paris)

Par Julie Burelle

  La pièce "Sizwe Banzi est mort" a été écrite en 1972 par les auteurs sud-africains Athol Fugard, John Kani et Winston Ntshona et fait partie de ce qu’on appelle le Théâtre des Townships. Né dans ces ghettos à l’époque de l’Apartheid alors que le théâtre était interdit à la population noire, le théâtre des Townships était, par le simple fait d’exister, hautement politisé.

On y parlait, souvent avec humour, de la dure réalité de la vie sous un régime inhumain. C’était un théâtre du moment présent, branché sur la vie et sur l’expérience d’une communauté.

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 de Frederico Garcia Lorca au Théâtre de Fort-de-France
par Selim Lander

  Première pièce inscrite au programme du festival du théâtre amateur 2010, Sans titre est de loin la plus ambitieuse. Auteur prestigieux, thème méta-théâtral (comment réfléchir sur le théâtre au théâtre, comment impliquer les spectateurs ?), seule une troupe aguerrie, croirait-on, pourrait se lancer dans une telle entreprise. Hélas, c’est loin d’être le cas ! Dès lors, le décor et les costumes soignés, la bande son plutôt bien en phase avec le propos de la pièce et quelques bonnes idées de mise en scène, ne suffisent pas à pallier l’absence de véritables comédiens.

Il ne s’agit pas ici de condamner a priori les troupes amateurs, ce qui serait idiot. En matière d’arts, et d’arts de la scène en particulier, la distinction entre amateurs et professionnels est loin d’être absolue : on connaît de mauvais professionnels comme des amateurs géniaux. Sur cette même scène du théâtre désormais baptisé « Aimé Césaire », on a d’ailleurs pu assister, l’année dernière, à une adaptation très réussie des Dix petits Nègres d’Agatha Christie, par une troupe non professionnelle venue de Guadeloupe. Mais, naturellement, la qualité d’amateur ne saurait garantir la réussite du spectacle ! Car la recette du succès est la même pour tous : un bon texte, un bon metteur en scène, des dispositions naturelles chez les comédiens et du travail, toujours du travail, encore du travail.

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Par Roland Sabra

 Jacques-Olivier Ensfelder travaille depuis sept ans avec un petit groupe de femmes passionnées de théâtre. Un seul homme durant ce "septennat" s'est aventuré sur les planches. Le metteur en scène récuse la distinction entre théâtre amateur et théâtre professionnel. Il explique que bien des amateurs ont un talent au moins équivalent à certains professionnels. La preuve nous en est donnée chaque année par une troupe subventionnée dont le metteur en scène s'escrime à vouloir jouer, pour un résultat sur lequel on ne s’appesantira pas.

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par Selim Lander

Roland Barthes (1915-1980), qui fut le représentant le plus emblématique du courant structuraliste dans le domaine de la littérature, s’est intéressé au théâtre au point d’être pendant quelques années l’un des principaux rédacteurs de la revue « Théâtre Populaire », le-dit Théâtre Populaire devant être caractérisé, selon lui, à la fois par « un public de masse, un répertoire de haute culture, et une dramaturgie d’avant-garde ». Nul ne niera qu’il y eut un moment dans l’histoire de notre pays, autour de metteurs en scène-acteurs comme Jean Vilar ou Roger Planchon, où l’on crut s’approcher de cet idéal. Hélas, les temps ont changé et, en dépit de la création d’ateliers et d’options « théâtre » dans les lycées, ce mode d’expression est redevenu un art élitiste que le bon peuple ignore

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  "Michèle Césaire, directrice du Théâtre Aimé Césaire à Fort-de-France  et Manuel Césaire directeur du CMAC Atrium à Fort-de-France ne se  rencontrent pas, ne communiquent pas, ne se téléphonent pas, ne se parlent pas. La programmation concurrentielle se poursuit allègrement, comme c'est le cas depuis de longues années. L'affiche peut rester vide pendant des semaines, pas la moindre petite pièce à se mettre sous la dent et puis tout à coup, spectacles à l'Atrium et au Théâtre de Foyal au même moment, c'est à dire aux mêmes dates, aux mêmes heures. Comme si le public était assez nombreux pour se partager! Comme si il n'était pas préférable d'étaler sur l'année les trop rares pièces proposées! Comme si les autorités de tutelles étaient incapables d'imposer une concertation! Faut-il rappeler qu'elles sont elles aussi en concurrence  politique? Il est a parier que même une assemblée unique échouerait à relever un tel défi. A nous de faire entre vaches maigres et (relative) abondance."

Voilà ce que nous écrivions il y  a quelques temps. Ce n'était que la énième reprise d'une même plainte  formulée chaque année. On a peut-être touché le fond de cette absurdité cette semaine avec deux programmations de danses à la même période. Comme son nom l'indique tous les deux ans  une Biennale de la danse en avril est   organisée  par le CMAC-Atrium. C'est donc à cette même date que le théâtre municipal a trouvé judicieux d'inviter la compagnie de danse Norma Claire avec sa création "Va,vis" déjà présentée il y a deux ans à l'Atrium. C'était juste au moment de la mort d'Aimé Césaire, deux représentations avaient été programmées dont une gratuite, à l'annonce du décès et qui avait rempli la grande salle de l'Atrium. La compagnie avait même animé une soirée supplémentaire au Centre Camille Darsières qui s'était prolongée jusqu'au petit matin. La réception du travail de Norma Claire avait donc dépassé l'audience habituelle de ce type d'activité. Le nombre de spectateurs intéressés par la danse n'étant pas extensible tout comme celui des arts sur scène, en général estimé à 2500 personnes, il était prévisible que la reprise deux ans plus tard d'un même travail allait se traduire par un flop monumental. Ce qui s'est passé. Neuf billets payants le premier soir, sept le second et pas un seul le dimanche après-midi. La représentation a quand même eu lieu en vertu d'une règle qui veut que s'il y a autant de spectateurs plus un que d'artistes engagés dans le spectacle celui -ci doit se tenir. Ils étaient quatre sur scène et ils étaient cinq invités dans la salle. Ouf!

Il faut dédouaner Manuel Césaire d'une grande part de responsabilité dans ce fiasco. Sa tutelle, le Conseil Général exige un programme annuel  arrêté en Novembre de chaque année. Peut-il pour autant se contenter de le communiquer à la Directrice du Théâtre de Foyal? Il est vrai à ce qu'on dit qu'il a tenté plusieurs fois une concertation. Mais peut-être sa tutelle, représentée par Claude Lise, n'est-elle pas empressée de prendre en compte le travail du Théâtre de Fort-de-France? La directrice du Théâtre Aimé Césaire s'affranchit allègrement d'une telle pression tutélaire. Fille de son père, ce n'est pas Serge Letchimy quand il était encore maire, et encore moins Raymond Saint-Louis-Augustin, le successeur, qui pouvait et qui peut lui imposer quoi que ce soit. Elle est en  son théâtre comme à la tête d'une baronnie, pour notre bonheur quand elle sélectionne habilement, dans son espace de prédilection les arts théâtraux,  des pièces de qualité, pour notre malheur quand elle entreprend de vouloir faire de la concurrence à l'Atrium.

Le plus désolant survient quand on songe à la tristesse des artistes confrontés à des salles vides Quand les susceptibilités des unes et des autres prennent le pas sur l'intérêt général,   quand les querelles politiciennes se mêlent aux affaires de familles on voudrait un auteur de théâtre pour les écrire.

Krishna, le dieu noir contre les démons

On [pouvait] voir le 11 mars, dans le cadre du Festival de l'imaginaire à la Maison des cultures du monde, à Paris, la première représentation du krishnattam par la troupe du temple de Guruvayur, qui est la seule à jouer encore ce théâtre. Le Festival avait invité la troupe à Rennes, au Festival des arts traditionnels, il y a trente ans ; depuis, elle n'était pas revenue en Occident. Françoise Gründ, ethnoscénologue et ancienne directrice artistique du Festival, nous parle de ce théâtre.

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Président de la Grande Hall, ce comédien a tout joué, de James Bond à Claire Devers, consacre une salle de hip-hop et veut ouvrir le parc à toutes les couleurs de l'arc-en-ciel

  Trois ans déjà à l’ombre de la Grande Halle. Trois ans qu’il administre ce parc populaire de la Villette, au nord de Paris, connu pour sa Géode et ses petites maisons rouges biscornues baptisées Folies… Trois ans, mais Jacques Martial, dans la rue, est toujours reconnu pour son rôle de Bain-Marie, le lieutenant du commissaire Navarro, Roger Hanin, "mulet" qu’il a incarné une fois par semaine sur TF1 pendant quinze ans. Le comédien a pourtant ôté l’uniforme de policier en 2004 pour endosser, deux ans plus tard, le costume strict de président d’un établissement public culturel, le troisième lieu de spectacles vivants derrière l’Opéra de Paris et la Comédie-Française (220 salariés et un budget annuel de 34 millions d’euros).

Ces trois années ont filé comme les nuages passent, reflétés par les triangles d’acier de la Géode. A l’aube de la cinquantaine, le saltimbanque a dû se plier au carcan institutionnel et changer de rythme. "Pour la première fois de ma vie, je vais tous les jours au bureau. Et je ne suis plus maître de mon agenda." Lui qui cherche toujours le mot juste a appris une nouvelle langue, celle des technocrates.

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A propos de : « Mar Nuestro »

de Alberto Pedro Torriente

Mise en scène et scénographie : Ludwin Lopez et Ricardo Miranda

Par Christian Antourel

 La légende narre l’aventure de trois jeunes femmes essayant de fuir Cuba.

On ne peut que les croire, quand elles disent « Nous sommes dans la mer des Sargasses ». Elles le sont à n’en point douter, et ça se sent….par le tangage qu’elles miment dans les limites du cercle tracé à la craie, bastingage imaginaire d’un radeau d’infortune. L’illustration est claire et joliment menée, tramée d’obsessions mutines en accord avec les textes qui l’ont imaginée. L’oeuvre mêle truculence et invention, transformation et métamorphose, gestuelle et attitudes corporelles que Ludwin Lopez réussi artistiquement à mettre en boite. L’illusion est atteinte, dans le début tout du moins, et bien vite c’est autant la mer qui chahutent et malmène nos trois glorieuses que Oshun vierge surgie, mythique Déesse des eaux douces de la beauté et de la coquetterie. En réalité Ricardo Miranda qui nous apparaît comme échappé de chez Michou, légendaire cabaret de transformistes de Montmartre. La gloutonnerie puérile de l’artiste pour lui-même nous soustrait d’un transport scénique accepté et nous prive, par là même d’une odyssée mise en scène, quand l’orgueil à la fois alibi et mobile de ce théâtre d’une condition humaine, blesse de part en part, d’un trou de balle agité, le théâtre de Dieu du Diable et…. de la drag queen.

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  Pour la seconde fois la compagnie " Corps Beaux" présentait "Mar Nuestro" aux Martiniquais La mise en scène avait été revisitée, on pouvait donc penser qu'il s'agissait d'un travail différent. Et il l'était. En mieux ? En pire ? Ni l'un ni l'autre. Ricardo Miranda en "Vierge folle" était au moins deux tons en dessous de sa prestation de la première version. Ce qui était un mieux incontestable mais encore très indigeste. Un interprétation beaucoup moins "Cage aux folles" que  dans la première version, mais comment revenir, comment atténuer un tel parti pris de mise en scène?  Reste que la diction mange toujours autant de syllabes et rend le texte par moment  totalement incompréhensible.

Et nos regrets n'en sont que plus grands. Car s'il y a quelques qualités a retenir du travail de Miranda et de son compère Lopez c'est la passion qu'ils mettent à faire les choses, cette abnégation dont ils font preuve quand ils mettent en scène, avec très peu de moyens, presque rien, un texte d'auteur. Argent ou pas, ils travaillent, ils répètent dans des lieux pas possibles, des garages trop étroits, bien loin des conditions matérielles des troupes subventionnées. Il faut encore souligner, outre la solidité des comédiennes, à la réserve près formulée ci-dessus, la grande beauté plastique de la scénographie succession de tableaux qui laisse supposer de réels talents graphistes chez Lopez.

Le prochain spectacle de la compagnie devait être une troisième pièce de Torriente. On ne souhaite qu'une chose que Miranda s'abstienne de monter sur scène espace dans le quel il est loin, bien loin d'exceller, il y est même insupportable, et qu'il se spécialise là où est son talent , car il en a, dans la mise en scène.

R.

Mâ Ravan’ : du nèg’ marron à l’homo futurix

   Alvina Ruprecht a analysé ici-même avec talent le spectacle qui nous fut présenté la semaine dernière au théâtre Aimé Césaire par la troupe réunionnaise Taliipot. Je n’aurai donc pas à y revenir, préférant me livrer à des commentaires plus subjectifs. Notons pour commencer qu’il existe plusieurs sortes de théâtre. Il y en a pour rire et d’autres pour pleurer ; il y en a pour faire rêver et d’autres pour convaincre, voire pour mobiliser. Il y a aussi parfois des évènements que l’on qualifie, faute de mieux, de théâtraux, bien qu’ils entraînent le spectateur très loin du monde ordinaire du spectacle. S’agit-il d’une régression vers une humanité plus primitive, qui serait perdue dans les ténèbres de l’ignorance, ou au contraire d’une élévation vers un monde plus spirituel, en tout cas différent, que celui qui fait notre quotidien ? Un peu des deux sans doute. Lorsque cela se produit, il n’y a plus de comédiens, ils sont devenus les grands prêtres d’un culte ésotérique, au-delà de l’intellection, auquel nous nous laissons aller sans résister parce qu’il touche en nous au plus profond du mystère humain. Il n’y a pas plus de spectateurs que de comédiens, juste cette étrange communion entre la scène et la salle.

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par Michel Dural*
Président de l'ADAPACS
 

L'intitulé du débat : Théâtre jeune public, entre didactique et poétique?" a le mérite de soulever des questions, chaque mot y concourant :Théâtre: quel théâtre? le mot est polysémique, heureusement, on souhaite bien sûr que ce soit du "vrai" théâtre, pas un succédané s'inspirant de Dysneyland ou de la Comtesse de Ségur et de ses niaiseries moralisantes. Mais, ceci dit, y a-t-il nécessité d'un théâtre écrit de manière spécifique pour les enfants? On serait tenté de répondre oui, ne serait-ce que pour trouver un contrepoids au tout-venant télévisuel servi aux gamins qu'on abrutit sans prendre de gants et dont on fait des consommateurs qui ingurgitent en même temps leurs céréales hydrogénées et le flot ruisselant du petit écran. Mais, du coup, que représente le spectacle vivant pour jeunes à côté du géant télévisuel, virtuel mais omniprésent? Ce "David"-là a-t-il la moindre chance devant les "Goliath" du petit écran-plus si petit que ça d'ailleurs- multipliés à l'infini?

Et posons la questions des moyens que nos sociétés- développées ou non- mettent en œuvre pour préserver l'existence ou développer d'un théâtre vivant accessible au plus grand nombre.

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par Michel Dural*
Président de l'ADAPACS

  Du 22 au 24 octobre 2009, les "1ères Rencontres Dramaturgiques de la Caraïbe" se sont tenues au Lycée Schoelcher dans la salle de théâtre Aimé Césaire, ainsi nommée il y a dix ans, à un moment où ni l'homme Césaire, ni son oeuvre, ni sa pensée ne faisaient l'unanimité à la Martinique. Schoelcher, Césaire, même combat? Le programme de ces "Rencontres..." prévoyait deux Tables Rondes avec comme thèmes "Le théâtre Jeune Public" et "Théâtre et actualité politique". On ne pouvait rêver meilleur parrainage.
Ni meilleur espace que cette petite salle, avec ses murs noirs, son parquet noir et ses gradins rouges, où, depuis dix ans, les élèves martiniquais passionnés de théâtre apprennent à lire, à regarder, à jouer du théâtre, et à en parler.
Ils étaient là, d'ailleurs, ces élèves, dans les gradins où l'on aurait souhaité voir au moins quelques uns de ceux qui, à la Martinique, ont en charge le développement culturel et la promotion du spectacle vivant.
Ils étaient là sur scène, aussi, puisque c'est l'Option-théâtre du lycée qui ouvrait la manifestation par la lecture-mise en espace de "La robe de Gulnara", une pièce de l'un des auteurs invités, Ia québécoise Isabelle Hubert.

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par Christian Antourel.

 Un théâtre du mouvementent et de situations cocasses, entre farce et comédie, réalité et caricature.

-C’est du Feydeau, martiniquais certes, mais tout de même du Feydeau et c’est tant mieux. Dans cette aptitude du quiproquo, du rire et des malentendus ce theatre entraîne le public dans l’élan d’un manège à la rapidité brûlante d’espaces fictifs. D’emblé le spectateur se lâche et adhère à l’intrigue qui se trame, à la farce en embuscade.

Au-delà du visible, cette pièce exprime les modalités nouvelles d’un petit lexique du bien rire et du vaudeville, qui élaborent une subtile stratégie appliquée de la prise de la parole. Là les bons mots naissent et émergent de l’écriture de Jeff Florentiny dans l’imbroglio inextricable, cris et chuchotements, d’un théâtre de boulevard.

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  Il y a, selon moi, deux approches de la notion d’actualité :

Le présent : les événements d’ordre privé ou collectifs qui se déroulent au jour le jour, pendant que nous vivons 

Le « présent » présenté au plus grand nombre. Le produit quotidien des medias, résultat du travail des journalistes ou des chroniqueurs de presse. La vie quotidienne de la société regardée et relatée à travers un prisme où le critère esthétique n’est pas de mise.

Les faits et leurs problématiques étant hiérarchisés en fonction de critères idéologiques et marchands, qui concourent à déterminer « l’air du temps »

Idéologiques parce que traduisant une représentation conservatrice de l’ordre de notre société et du monde (qui contrôle la presse ?) Les actualités obéissent à un format, diffusé au moyen d’une grammaire codée : une grève, sera d’abord une prise en otage de la population, le terrorisme ne sera que l’action des forces du mal contre celles du bien ( en général, les pays occidentaux) les déviances sociales ou les catastrophes liées à la pauvreté seront mises en exergue pour convoquer la charité ou le travail social, qui ne sont que dépolitisation l’engagement social et l’humanitarisme qui n’est que dépolitisation de la solidarité des peuples.

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par Roland Sabra

  Ces dernières années elle ne nous avait pas habitués à une telle prise de risque. Une programmation sage, sérieuse, de qualité qui concourrait à former un public qui appréciait ce louable effort de pédagogie. On allait au Théâtre de Foyal, les yeux fermés, il suffisait de les ouvrir dans la salle et de découvrir ce que la programmatrice avait sélectionné bien souvent pour notre bonheur. C'était oublier un peu vite que Michelle Césaire est une femme de théâtre, qu'elle est aussi metteur en scène, et que son regard  s'est affuté à des choix artistiques exigeants, déroutants et parfois élitistes, dans le bon sens du mot. Elle en a fait la preuve en rapportant de la Chapelle du Verbe Incarné à Avignon "Angelo Negro" une pièce de Nelson Rodrigues. L'auteur brésilien, cinquième enfant d'une famille de journalistes est né, en 1912 à Recife. Son enfance se déroule dans un climat pulsionnel intense, entre une mère jalouse et possessive et un père absent  de par son implication dans la politique et le journalisme. A l'âge de huit ans il participe à un concours de rédaction en classe et fait la narration d'un adultère! L'enseignant sidéré, par le réalisme du texte de Nelson refusera de le lire en classe. Nelson Rodrigues dit d'ailleurs de lui: " Je suis un garçon qui voit l'amour à travers le trou de serrure. Je n'ai jamais été autre chose. Je suis né garçon, je mourrai garçon. Et le trou de serrure est vraiment mon point de vue de la fiction. Je suis ( et a toujours été) un porno Angel.)

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Le théâtre au village

Une femme de lettres

d’Alan Bennett par Claudine Baschet

par Selim Lander

 On se souvient peut-être que trois pièces en forme de monologue de l’auteur anglais à succès Alan Bennett ont été représentées au Théâtre du Rond-Point, à Paris, pendant la saison 2008-2009. Claudine Baschet a choisi pour sa part de monter Une femme de lettres, tirée du même recueil Moulin à paroles, et l’a interprétée à plusieurs reprises dans les lieux les plus divers. Comédienne aux multiples facettes, elle jouait par exemple dans la pièce de Guillemette Galland, Ecoute la chanson de celles qui marchent sur la route, mise en scène par Pierre Humbert, au festival d’Avignon 2009.

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De maux tus en mots dits
Nouvelle mouture d'un travail original d'Orélie Dalmat

Par Roland Sabra

  Il s'agit d'une reprise d'un spectacle de pas tout à fait dix ans mais presque. Un exercice difficile et en partie réussi. Dalmat Aurélie, pardon Orélie Dalmat, coquetterie graphique de l'artiste, est la maitresse d'œuvre de ce travail qui raconte, mais y-a-t-il vraiment un fil conducteur? L'éternelle et triste histoire de l'arrachement des terres originelles vers des terres d'asservissement. Les textes proviennent de plusieurs sources, notamment d'auteurs de la diaspora « noire ».

Cette démarche, on le sait n'est pas des plus facile. Quid de la cohérence, de l'homogénéité du propos? Cet écueil est évité par la forme musicale et chantée retenue par le metteur en scène. C'était sans doute là que résidant la véritable difficulté : faire travailler ensemble, des musiciens, des chanteurs, des danseurs et des comédiens martiniquais. Aurélie, pardon, Orélie Dalmat remporte ce pari audacieux. La partition musicale est la grande réussite de cette soirée et l'ajustement des voix se fait sans trop de problèmes.

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Ouverture en demi teinte du 38ème  festival de Fort-de-France

  Malavoi a fait une ouverture mitigée du 38 ème festival culturel de Fort-de-France placé sous le titre « Moissons vivantes ». Ralph Tamar est apparu « encravaté » avec boucle d'oreille, dans un costume anthracite rayé de VRP en recherche de respectabilité. Il y avait un coté chanteur sur le retour pour "mémères décorées comme des arbres de Noêl" (Brel). Mais le public à l'image de son chanteur s'y est reconnu. L'introduction, même si elle est un hymne la Martinique a semblé un peu « lourdingue » à l'image du leader vocal engoncé dans son costard de chez Tati. Si le bassiste était étrangement absent, parti ailleurs on ne sait où, le tenant des claviers a fait son boulot avec quelques solos bien balancés en écho à ceux des violons. La violoncelliste faisait de la pure décoration et il fallu attendre le dernier morceau pour un petit solo de percus. La deuxième partie avec une reprise de classiques balançait un petit peu plus : Ralph Tamar avait laissé tombé la veste et la cravate et opté pour une chemise blanche bien empesée sur le pantalon inchangé du costard. Les 50/60 ans et plus ont bien apprécié. Bon c'était « Moissons vieillissantes ».

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Un pamphlet :
Bloody Niggers

par Selim Lander

Frantz-Fanon aurait-il apprécié le spectacle qui vient d’être présenté dans la salle de l’Atrium qui porte son nom ? Les 14 et 15 mai, le trio Groupov (Dorcy Rugamba, auteur et comédien, à droite sur la photo, accompagné par Younouss Diallo et Pierre Etienne) y a proposé son spectacle Bloody Niggers. L’argument est simple : trois hommes, deux noirs et un blanc, en costume-cravate, chacun devant son micro, énumèrent les violences dont s’est rendu coupable l’homme blanc depuis les croisades. Le sujet est éminemment grave et sérieux mais néanmoins susceptible de devenir fastidieux. On est bien dans le registre du pamphlet tant sur le fond (le procès unilatéral d’une race qui se croit à tort meilleure que les autres) que sur la forme (un acte d’accusation récité sans autre mise en scène que l’alternance des voix qui se partagent le texte).

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  Michèle Césaire, directrice du Théâtre Aimé Césaire à Fort-de-France  et Manuel Césaire directeur du CMAC Atrium à Fort-de-France ne se  rencontrent pas, ne communiquent pas, ne se téléphonent pas, ne se parlent pas. La programmation concurrentielle se poursuit allègrement, comme c'est le cas depuis de longues années. L'affiche peut rester vide pendant des semaines, pas la moindre petite pièce à se mettre sous la dent et puis tout à coup, spectacles à l'Atrium et au Théâtre de Foyal au même moment, c'est à dire aux mêmes dates, aux mêmes heures. Comme si le public était assez nombreux pour se partager! Comme si il n'était pas préférable d'étaler sur l'année les trop rares pièces proposées! Comme si les autorités de tutelles étaient incapables d'imposer une concertation! Faut-il rappeler qu'elles sont elles aussi en concurrence  politique? Il est a parier que même une assemblée unique échouerait à relever un tel défi. A nous de faire entre vaches maigres et (relative) abondance.

R.S

"Le théâtre : un lieu où l'on est l'autre"

  Le mot est de Ariane Mnouchkine dans un texte aujourd'hui célèbre et  intitulé " Tout théâtre est politique". Manuel Césaire nous en offre une illustration avec la programmation de "Bloody Niggers" ( cf la critique ci-après de Selim Lander).  Le metteur en scène Jacques Delcuvellerie, est un français installé en Belgique, professeur au Conservatoire Royal de Liège, qui a fondé en 1980 Goupov, un collectif d'artistes pluridisciplinaires ayant vocation à créer un espace d'expérimentation théâtrales. Les années 90 seront consacrées au Projet Vérité qui pointera du doigt les croyances capables de mobiliser un être jusqu'à la mort. C'est dans la suite logique de ce travail qu'il propose en 1999, "Rwanda 1994" une pièce fleuve de six heures qui remontait aux causes du génocide rwandais. Younnouss Diallo qui jouait dans Rwanda 1994 participe cette fois non seulement comme comédien mais aussi comme adaptateur et concepteur à "Bloody Niggers" la dernière production de Groupov. Le texte de Dorcy Rugamba, rescapé du génocide rwandais est un long cri de révolte, de dénonciation et de douleur ensanglantées contre les massacres, les boucheries, les exterminations, commises au nom des Dieux de la Bible, de la Bourse et de Wall Street. L'intelligence du propos consiste à mettre en accusation un système, une logique, plus que des individus. L'invention d'un système qui délaissant une logique de prélèvement sur la nature et qui la laissait intacte pour les générations suivantes est passé à une logique d'exploitation de la nature avec son aboutissement inéluctable qui consistera à considérer l'humain comme une matière première bonne à faire des abat-jours, des engrais, du savon etc.. Dorcy Rugumba mettra en scène à la fin des années 90 "L'instruction" de Peter Weiss, récit du génocide juif par une équipe de rwandais. C'est la grande force de ce travail que de dénoncer l'ethnicisme, le racisme, dans une pratique théâtrale concrète et pas seulement de façon verbale. La structure de "Bloody Niggers" relève de cette problématique. L'ouverture se fait avec un écran sur lequel on revoit pour la énième fois les Twin Towers percutées par les avions détournés le 11 septembre 2001. Ensuite la première partie est consacrée à un rappels de faits historiques et attestés qui des Croisades, aux massacres de Sétif marque le chemin de sang et de feu de l'Occident sur le corps des cultures qu'il anéantit dans son expansion, dans sa croissance. La seconde partie dénonce les responsabilités complices des Africains eux-mêmes dans la perpétuation d'un système néocolonial.  Le propos est fort, puissant, plus théâtral dans le temps deux que dans le temps un, ou la thématique du réquisitoire prédomine. Il fait dire que l'âpreté du  discours, l'insoutenable violence des faits rapportés se prêtaient mal à une "mise-en-scène" et surtout pas à une illustration. Face à l'horreur les mots suffisent, les gestes viennent à manquer.  L'intelligence de la mise en scène consiste à avoir moduler ces deux temps sur deux registres expressifs en parfait accord avec le texte. Toujours avec sobriété. Il s'agit d'un théâtre politique qui jamais n'assujettit la pratique artistique à un discours militant. Jacques Delcuvellerie, poursuit avec systématisme son travail d'expérimentation théâtrale. Il prend des risques, dérange et c'est tant mieux. La scénographie, le travail des lumières, la musique, les pauses dans le récit, la place et le rôle de l'écran qui masque et qui projette, participent à la création d'un théâtre total dont on ne sort pas indemne.

Roland Sabra

Trames de Gerty Dambury

  Gerty Dambury, d’origine guadeloupéenne et auteure de théâtre déjà confirmée a mis en scène sa dernière pièce, Trames, présentée ces jours-ci au théâtre Aimé Césaire à Fort-de-France.

Dans un décor réduit à peu de choses mais qui colle bien avec l’esprit de la pièce, Firmine Richard, la mère, reçoit de temps en temps la visite de Jalil Leclaire, son fils, tandis que Martine Maximin endosse tour à tour plusieurs « petits » rôles : servante de scène, archétype de la femme antillaise, fille perdue au grand cœur. La progression dramatique est plutôt bien menée, nous comprenons peu à peu quelles raisons ont pu conduire le fils vers sa déchéance présente. Bien qu’astucieux et beau parleur, ayant même poursuivi des études d’économie à l’université, il n’arrive pas à sortir du cercle vicieux de la drogue, de la misère et de l’oisiveté. Les rapports entre les deux personnages principaux sont bien décrits dans toute leur ambiguïté. Tous les deux ont bien du mal à faire vivre l’amour qui est pourtant censé exister d’une manière toute naturelle entre une mère et son fils.

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Le Prophète et Monsieur de Pourceaugnac

  A la question, « qu’est-ce que le théâtre ? », on peut répondre en s’aidant de l’étymologie. En grec « drama » signifie action. Le théâtre est un genre hybride qui donne aussi bien à entendre, à voir ou à ressentir ce que suggèrent les acteurs par leur voix, leur corps, la scénographie par le décor, l’éclairage et la musique, et la mise en scène, par les choix personnels du metteur en scène. Le théâtre est un art vivant qui fait appel à tous les sens du spectateur. C’est pourquoi la représentation est une véritable épreuve pour les acteurs qui sentent dès le lever du rideau la réceptivité de la salle, son frémissement ou son apathie. Le théâtre ne pardonne pas ! Quoi de plus décevant que d’entendre des spectateurs s’assoupir ou bien de voir la salle se vider après quelques timides applaudissements ? Comment éviter cela ? Molière pourrait répondre : « la grande règle est de plaire ». Pour y arriver, il ne s’agit pas seulement de satisfaire aux attentes du spectateur, mais plutôt de le bousculer, de le surprendre et surtout de susciter son attention. Le choix du texte entre pour une bonne part dans l’éveil de l’intérêt du spectateur. Mais cela ne suffit pas.

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Les 22è Rencontres théâtrales de Fort-de-France

Nèg pa ka mô 

Une pièce écrite et mise en scène par Daniély Francisque, interprétée par la troupe Mawon

  Voir la grande salle de l’Atrium complètement remplie pour une pièce de théâtre ! Qui voudrait bouder son plaisir. Sans doute le fait que ce spectacle ait été offert gratuitement a-t-il contribué à son succès, mais si c’est là la condition pour amener au théâtre de nouveaux spectateurs, on ne le regrettera pas. Cela étant, les spectateurs étaient-ils vraiment nouveaux ? Il est difficile de l’affirmer car la pièce a pu attirer les habitués des comédies créoles, Bankoulélé ou autres.

Nèg pa ka mô mêle en effet assez agréablement des genres différents. Des scènes de comédie pure, en créole, à des scènes plus dramatiques souvent en français, des évocations de la vie des noirs au temps de l’esclavage – déportation, travaux des champs, etc. – sous forme de tableaux chorégraphiés, enfin des scènes plus proches de notre présent, comme celle de la veillée qui suit l’exécution du nèg mawon. Le tout relié par le récit du temps d’antan qu’une grand-mère adresse à sa petite fille.

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