Belles pièces de Monet

Exposition à New York d'une soixantaine de tableaux du maître impressionniste, dont certains n'ont jamais été montrés au public.

Par Vincent NOCE

 

 

Envoyé spécial à New York

Claude Monet (1840-1926). A tribute to Daniel Wildenstein and Katia Granoff Galerie Wildenstein, 19 East 64th Street, New York NY 10021. Rens. : (00 1) 212 879 05 00. Catalogue : 65 €, au Wildenstein Institute, 57, rue La Boétie, 75008 Paris ou c.jacir@wildenstein-institute.fr

«Regardez, c'est une honte.» Dans l'hôtel particulier de la rue La Boétie, Daniel Wildenstein ne mâchait pas ses mots en montrant des photos de la tombe, effectivement en piteux état, de Claude Monet à Giverny. Ce grand marchand d'art vouait une admiration sans bornes au peintre, dont il aurait voulu voir transférer le corps au Panthéon. Il lui consacra des décennies de recherches, pour former un catalogue raisonné de près de 3 000 oeuvres.

Ayant vécu quatre-vingt- six ans, Monet était, disait aussi Wildenstein, un des très rares à avoir été «grand au début, grand au milieu et grand à la fin». Et, comme le montre cette exposition américaine, il est resté fidèle à un motto : la couleur. Cette «satanée couleur» dont son professeur classicisant, Charles Gleyre, faisait pourtant tout pour éviter qu'elle «ne tournât la tête des élèves». 

Unique. Guy Wildenstein a voulu cette exposition en hommage à son père Daniel, et à Katia Granoff, qui valorisa l'oeuvre tardive du peintre grâce à sa relation avec son fils, Michel Monet. Cette monographie «digne d'un musée», selon les mots du New York Times, ne voyagera pas. Elle est unique : Joseph Baillio, vice-président de la galerie, présente une soixantaine de tableaux, dont plus de la moitié proviennent de collections privées. Une douzaine ont été très peu ou même jamais vus. Il est vrai que la maison Wildenstein est bien placée, puisqu'elle en a vendu un nombre honorable. Georges Wildenstein, le père de Daniel, a aussi offert au Louvre, en 1956, un fragment du Déjeuner sur l'herbe, oeuvre monumentale que Monet avait voulue pour le Salon de 1866, mais resta inachevée.

La plupart des toiles viennent des Etats-Unis. Les Américains furent en effet les premiers à collectionner le grand peintre français, depuis l'exposition montée en 1886 à Madison Square par le galeriste Paul Durand-Ruel. Deux n'ont jamais été présentées au public depuis sa mort, dont une vue de parc à Sainte-Adresse où l'on voit son père lisant le journal dans une ombre nettement découpée. Lors de l'été 1867, passé dans la région havraise avec sa famille, à 27 ans, Claude Monet a ainsi réalisé plusieurs paysages avec une palette claire, dont la Terrasse à Sainte-Adresse (aujourd'hui au Metropolitan), considéré comme une préfiguration de l'impressionnisme.

Légende. Déjà, une peinture de 1864 montre un jeune artiste remontant la plage avec son chevalet. On pourrait également y voir une première affirmation du «travail en pleine nature», appelé à devenir le credo de l'impressionnisme, au point d'en devenir une légende. Monet y prit plus que sa part, allant jusqu'à prétendre à un journaliste qu'il « n'avait jamais eu d'atelier». «Mon atelier, c'est ceci», lançait-il en montrant la Seine et ses collines. Les études montrées à l'exposition suggèrent une réalité différente de cette «peinture spontanée» : Monet, qui n'a certes jamais manqué d'atelier, réalisait en plein air de nombreuses études, qu'il ramenait à l'intérieur où il composait ses grands paysages achevés.

En 1871, lors d'une visite aux Pays-Bas, il s'attaque à ce qui va devenir le thème de sa vie, et culminer dans les Nymphéas : les reflets dans l'eau. La Lectrice est une des oeuvres les plus émouvantes avec sa robe grise parcourue d'un frottis de rose, baignée d'une lumière filtrée par les arbres, les herbes et fleurs au premier plan traitées en touches nerveuses. On retrouve ce brio, et les premiers empâtements, avec les champs d'Argenteuil, le vent soulevant une robe blanche au-dessus des blés. Le naturalisme de Monet s'affirme comme un effet de sensations, loin du réalisme de son maître Boudin.

En 1876, il réalise une vue des Tuileries d'un cinquième étage de la rue de Rivoli, inaugurant ces panoramas animés de Paris, de surplomb, qui se répandront plus tard dans le siècle. De même qu'il innovera en faisant dévaler le torrent de la Petite Creuse, en une vue rabattue, sans horizon. Monet fait jaillir de sa palette «tous les incendies et décompositions de la lumière, tous les jeux de l'ombre, toutes les magies de la lune et tous les évanouissements de la brume», écrira en 1884 devant ces paysages Octave Mirbeau, le premier auteur à l'avoir compris.

Eloquence. De Chicago est venu un autre «paysage», de la gare Saint-Lazare cette fois, où Monet avait réussi à faire poser pour lui des locomotives afin de s'attarder sur le nuage grisé s'échappant de leur cheminée noire. D'une collection européenne, un des plus beaux exemples de la suite des Débâcles, «beauté navrante» (selon les mots de sa compagne Alice) du spectaculaire dégel de la Seine de janvier 1871, aux tons acier scintillant de touches colorées.

Avec autant d'intensité que d'éloquence, surmontant ses sautes d'humeur et même ses mouvements d'abandon, Monet retravaille constamment son propos. Des suites ­ des vues différentes d'un même site ­, il passe à partir de 1890 aux séries d'un même sujet, cherchant à capter l'action changeante de la lumière selon le temps et les heures. L'exposition en présente des spécimens, d'allées de peupliers, de la cathédrale de Rouen ou de meules, dont un collectionneur a prêté une des plus étincelantes, dans les tonalités bleutées et orangées. En revanche, ses paysages de la Méditerranée en 1884 le montrent bien moins à l'aise, ses plages de couleurs semblant s'affadir devant les ombres accusées et la lumière blanche du Midi.

Les tableaux inachevés de son atelier ne sont pas les moins saisissants, comme cette maison vénitienne ramenée à une tache carmin, ou cette vue de Leicester Square qui s'embrouille de couleurs. Les variantes se font incandescences, les empâtements forment une véritable croûte, la vision de la composition, très construite en fait, change selon qu'on s'approche ou s'éloigne de la toile. Prêté par un collectionneur, le Chemin des saules pleureurs à Giverny jaillit en une explosion chromatique, dans laquelle Monet pousse la figure à son bord extrême.

 

© Libération 02 & 03 juin 2007