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La bande-son d’un monde caché

Par YVES SIMON

 Yves Simon est chanteur et écrivain. Dernier album : Rumeurs (Barclay, 2007)

 Tout lieu d’enfermement (caserne, centre de rétention, camp de réfugiés) porte à incandescence les travers et vicissitudes d’une société, comme les outrances refoulées des hommes qui le peuplent. Le film Un prophète ne prétend pas à la vérité (Jacques Audiard, son auteur, le répète à l’envi), il est dans l’outrance paroxystique comme la Peau de Malaparte ou le Voyage au bout de la nuit de Céline. Ce n’est pas un énième reportage sur l’univers carcéral, mais le prisme poétique par lequel une humanité séquestrée va dévoiler ses tumultes les plus ténébreux, les plus abjects, les plus inavouables.

Film sur la violence, la subordination et la promiscuité, sur l’indifférence au mal et aux morales, sur la plus haute des solitudes lorsqu’il s’agit de choisir entre la mort de soi et la mort de l’autre, Un prophète fascine. Il est un effroi car nul n’est préparé à recevoir la face cachée d’un monde parallèle qui se déploie au milieu de nos maisons, de nos rues, et sur lequel nous ne portons ni compassion ni regard. De la prison ne sort aucun cri. Même pas ceux qui, la nuit, s’interpellent de cellule à cellule pour échanger en langage SMS, minimaliste, des pleurs, une douleur. De l’extérieur, la prison est silence. Et pourtant quelle bande-son nous propose Audiard ! Caverneux bruits de clés, de portes, gémissements de vidéos pornos, cliquetis de gamelles, radios à fond la gomme, chuchotements, douches, coups portés sur des corps à terre… Matière sonore qui ponctue comme des couperets les actions de la société qui se côtoie là.

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VERY BAD TRIP

  Lorsque l'on voudra, dans quelques siècles, se pencher sur les moeurs de la société américaine au début du troisième millénaire, il faudra espérer que les comédies produites à Hollywood depuis quelques années auront été conservées. La grande force du nouveau cinéma comique américain ne réside-t-elle pas, en effet, dans cette impression que le trait a été à peine grossi, que la dimension burlesque des films avec Jim Carrey, Will Ferrell ou Steve Carrel, des productions de Judd Apatow, relève moins de la caricature ou de l'excès que de l'observation stricte des comportements ?

En résumé, c'est lorsqu'un film parvient à mettre en lumière l'aspect ridicule, obscène et régressif de la vie elle-même qu'il réussit son coup. Very Bad Trip fait indiscutablement partie de ces réussites. On y assiste pourtant à une enfilade de situations incongrues, s'additionnant comme par le jeu d'un cadavre exquis cinématographique. Et pourtant, à aucun moment n'est véritablement perdu de vue tout lien avec un certain réalisme.

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Madiana
Etreintes brisées

Qu'y a-t-il dans la tête de Pedro Almodóvar ? Des histoires, et encore des histoires. Ainsi que tous les films qui les ont un jour racontées, et ceux qui pourraient leur être consacrés... Etreintes brisées est un film d'amour, le récit tragique d'une passion interdite, mais c'est d'abord un film d'amour du cinéma. On y trouve une classique mise en abyme, un film dans le film, intitulé Des filles et des valises, curieux fragment d'autoremake de Femmes au bord de la crise de nerfs. On y décrypte une belle référence cinéphile : le titre, Etreintes brisées, vient de Voyage en Italie, de Rossellini, précisément d'une scène où George Sanders et Ingrid Bergman découvrent les restes pétrifiés d'un couple d'amants surpris par l'éruption du Vésuve, à Pompéi. Etreinte éternelle dans la mort, comme un présage du malheur en marche...
On y parle, aussi, des films possibles, à venir : le héros, cinéaste devenu scénariste depuis qu'il est aveugle, ébauche sans cesse des récits. Il lance des idées en l'air. Certaines abracadabrantes, d'autres qui résonnent étrangement avec sa propre biographie – comme celle, dont il faudrait vérifier l'authenticité, de l'enfant caché d'Arthur Miller... Etreintes brisées pourrait sans mal être la matrice d'une demi-douzaine de films supplémentaires, boutures qui se rapporteraient à lui comme lui-même se rapporte au cinéma.

Hollywood mise sur
les remakes des années 1980
De «Ghostbusters» à «RoboCop», vingt blockbusters font l'objet d'une nouvelle version. À voir dès l'automne prochain.

  Pas une semaine sans que le remake d'un grand succès des années 1980 ne soit annoncé à ­Hollywood. La semaine prochaine, à Cannes, les Américains ont l'intention de séduire les distributeurs avec un Conan le Barbare (1982, Arnold Schwarzenegger) remis au goût du jour. Dans un autre genre, le réalisateur Robert Zemeckis (Forrest Gump) veut revisiter en 3D Qui veut la peau de Roger Rabbit ?, qu'il avait lui-même tourné en 1988.

 

Selon une enquête du quotidien spécialisé The Hollywood Reporter, vingt remakes des années 1980 sont lancés aux États-Unis. Le premier à inaugurer la série sera Fame, qui sortira en salle en octobre prochain. Le vrai déferlement est attendu à partir de 2010. On aura alors vraiment l'impression de revenir plus de vingt ans en arrière.

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Che, 1re partie - l'Argentin

Film américain de Steven Soderbergh

POUR
   Un léger regret d'abord : la sortie séparée des deux films, à trois semaines d'intervalle. Quatre heures trente en une séance, ce fut la forte expérience vécue à Cannes, qui valait le coup tant les deux parties - la première consacrant une victoire, la seconde une défaite - se rejoignent malgré leurs divergences, créant un mouvement d'un seul tenant, circulaire. Voilà pour l'aspect conceptuel. Passons maintenant à ce révolutionnaire qu'on ne présente plus, icône rebelle indépassable, interviewé par une journaliste au début du film. Brèves images en noir et blanc, sortes de flashs qui participent à la légende. Corps massif, treillis de guérillero, barbe épaisse et havane aux lèvres, impossible de se tromper, c'est bien le Che, réincarné en Benicio Del Toro.....

CONTRE
C'est un hold-up brillant... Steven Soderbergh, qui a toujours fait bon ménage (à trois...) avec l'art et l'industrie, a réussi à vendre l'idée d'une fresque sur le Che. L'idole de toutes les jeunesses révolutionnaires, l'un des posters les plus vendus au monde : on imagine l'enthousiasme des producteurs. Et leur tête en découvrant ce drôle de truc hybride. Quasiment invendable, en fait... La première partie, intitulée L'Argentin, n'est qu'un long essai sinistre, fait pour décourager tous les guérilleros éventuels d'entrer dans la lutte....

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Doublage: une comédienne noire accuse le cinéma français de racisme

 La Haute Autorité de lutte contre les discriminations et pour l'égalité (Halde) dénonce, dans une note datée du 29 décembre, les préjugés racistes en cours sur les plateaux de cinéma français, qui empêchent les comédiens noirs d'être choisis pour doubler la voix d'un personnage blanc. Saisie par Yasmine Modestine, une comédienne métisse estimant avoir été écartée d'une saison de doublage en raison de son origine, la Halde rappelle que "le choix d'un comédien-doubleur doit se faire en fonction de sa qualité de voix et de sa compétence, et non en raison de sa couleur de peau ou de son origine."
  Selon l'enquête menée par la Halde, les directeurs de casting rejettent régulièrement des candidats noirs parce qu'ils estiment que ceux-ci ont une voix trop spécifique, inadaptée à un personnage blanc. Les acteurs blancs, au contraire, sont censés avoir des voix "universelles", et doublent régulièrement des grandes vedettes hollywoodiennes noires. Sur les écrans français, Denzel Washinton, Danny Glover, Morgan Freeman, Bill Cosby, Forest Whitaker, Don Cheadle et Whitney Houston sont tous doublés par des comédiens blancs.  

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Louise-Michel

Cinéma politique: Louise-Michel, une comédie de Benoît Delépine et Gérard Kervern.

Par Selim Lander.

Un titre trompeur mais qui vise juste, à l’image d’un film qui jouera sur les faux semblants du début jusqu’à la fin. L’affiche annonce qu’il s‘agit d‘une « comédie » et, de fait, les outrances de ce film, ses gags, le jeu des acteurs sont tout-à-fait réjouissants. Pour autant, et sans vouloir sous-estimer le caractère de divertissement de Louise-Michel, il est permis de penser que les applaudissements, à la fin de la séance à laquelle nous avons assisté (plutôt exceptionnels dans une salle de cinéma en France), traduisaient l’acceptation par les spectateurs du message politique du film et de sa morale.

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Nouveau cinéma québécois : Un capitalisme sentimental d’Olivier Asselin

par Selim Lander

  On devrait commencer à s’habituer aux coups d’éclat du cinéma québécois. On se souvient sans doute, entre autres, des films de Denis Arcand (Le Déclin de l’Empire américain, 1986, Jésus de Montréal, 1989, Les Invasions barbares, 2003, L’Age des ténèbres, 2007) ou, dans une veine plus légère, de La Grande Séduction de Jean-François Pouliot (2003). Olivier Asselin appartient à la nouvelle génération des cinéastes québécois. Son premier long métrage, La Liberté d’une statue, date de 1990. Parallèlement à son activité de cinéaste (scénariste, réalisateur), il est actuellement professeur au département des Etudes cinématographiques de l’Université de Montréal.

Le festival du Nouveau cinéma qui s’est tenu à Montréal du 8 au 19 octobre a présenté en ouverture son dernier film, Un capitalisme sentimental, précédé de Next Floor, court métrage de Denis Villeneuve, autre cinéaste de cette génération ayant déjà à son actif deux « longs » (Un 32 août sur terre, 1998 ; Maelström, 2000). La décision de réunir ces deux films était particulièrement pertinente, au plus fort de la crise financière de l’automne 2008, puisqu’ils traitent tous les deux, dans des styles certes très différents, d’un même thème : la crise de 1929.

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"Aliker" le film de Guy Deslauriers, sur un scénario de Patrick Chamoiseau

Nos ancêtres les communistes

par Manuel NORVAT

 

  Aliker, le nouveau film de Guy Deslauriers m’a plongé dans une mélancolie qu’aucune marchande de pistaches ne peut consoler. Ce film bien escampé m’a en effet particulièrement ému sur cette question de la transmission de la mémoire, de celle qui se fait Histoire. Pendant la séance, dans les effluves de pop corn de mes jeunes voisins, je me remémorais qu’à l’âge de quinze ans j’allais me procurer à la librairie Désormeaux Des origines de la nation martiniquaise, le livre de Camille Darsières, et que c’était dans ce livre-là où, pour la première fois, je pu lire les faits concernant l’affaire Aliker. Il y eut dans mes boutonnements d’adolescent des veillées aux flambeaux avec des communistes, des pépéèmes et d’autres groupuscules politiques ou organisations syndicales de gauche forgeuses de convictions ; il y eut toujours au sujet d’Aliker des plongées en des encyclopédies ou autres historials, des paroles entendues derrières des paroles et aussi des jourés anti-cominisses bardés d’ingratitude ; il y eut dans mes fréquentations, et elle demeure toujours, la vaillante rue Jules Monnerot d’où part la maison du poète Georges Desportes. À l’autre bout se trouvait, place de l’Abbé Grégoire, le siège du parti communiste martiniquais. Il vaut d’ajouter encore à cette petite mythologie portative le dernier ouvrage du politique et écrivain Georges Mauvois : Château Aubéry. C’est dire que, au nom de mon humaine condition et collectivement, l’affaire Aliker revient, parce quelle nous revient.

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"Trénelle citron"

,  de Laurent Cadoux 

 mention spéciale prix Jean Philippe Matime du documentaire 2008 sur ce quartier de Fort de France 

En présence du réalisateur Laurent Cadoux  et du comité d’organisation du prix du doc  JeanPhillipe  Matime 
 L'occasion de parler du film avec son réalisateur, de découvrir ce prix du doc martinique et le réalisateur Matime issu de la commune de Ste marie.

  "On ne va pas par hasard à Trénelle Citron. Ce quartier populaire de Fort de France s'est auto construit dans les années 50, principalement par une population qui venait de la campagne. Cette architecture singulière et spontanée, voire pittoresque, fait penser aux favelas et Barrios des grandes villes d'Amérique du sud. Mais cette urbanisation est surtout le résultat d'une histoire faite de luttes contre la pauvreté et contre un système foncier inadapté. [...]. Ce film documentaire raconte une quête. Celle de la liberté de vivre, de survivre et surtout d'habiter. Une dizaine d'habitants nous racontent leur histoire et comment ils sont arrivés à Trénelle Citron."

 Le commentaire ci-dessus est celui d'un internaute et il reflète assez bien le propos du film de Laurent Cadoux. On peut simplement ajouter que le cinéaste  évite deux écueils, l'exotisme et l'esthétisme. Le côté "favelas" s'il est évoqué n'est pas la thématique du film. Pas besoin d'un rabattement de ce qui échappe aux connaissances sur du déjà vu, pas de Brésil aux portes de Fort-de-France, non Laurent Cadoux semble s'être débarrassé des clichés, des images toutes faites. Son regard est celui d'un découvreur, c'est surtout celui d'un cinéaste pour lequel il n'est pas de réalité en dehors de l'image qu'elle produit. Le début de son film illustre assez bien cette démarche, où l'on voit, à partir d'une fresque représentant le quartier et peinte par des élèves de cours moyen, voire de cours élémentaire, le réalisateur isoler des détails du travail et chercher dans la réalité de la ville ce qui a susciter cette représentation. La réalité du quartier comme illustration de l'image posée comme première, comme seule matière. Image de l'image. Et c'est ce même mouvement de caméra qui balance entre passé et présent, entre le Trénelle d'hier et celui d'aujourd'hui, sans que l'un prenne le pas sur l'autre, sans que le film ne verse dans une nostalgie factice. Le regard de la caméra est toujours attendri, mais distant. Il évite ainsi de verser dans un esthétisme auquel la diversité des matériaux utilisés, le patchwork, kaléidoscopique des couleurs, l'inventivité créatrice des formes pouvaient inciter. L'objectif n'oublie jamais la misère et la douleur qui ont présidé à la naissance du quartier, tout en rappelant les joies, les solidarités indispensables à la survie et coextensives à l'essor de cette ville dans la ville. Le facteur le dit clairement, lui qui compte les marches du quartier depuis 25 ans  et qui précise  qu'il ne fait pas que distribuer du courrier mais qu'il fait du "social".  Trénelle Citron ou l'obstination de vivre, comme le dit joliment  un personnage : " Dans cette architecture il y a du cri."  voilà le documentaire que nous offre Laurent Cadoux et qu'il faut avoir vu et même revu pour mieux en apprécier la distance amoureuse.

Roland Sabra

Les Citronniers

Film israélien de Eran Riklis

  A sa façon, c'est une héroïne de Ken Loach. Courageuse. Opiniâtre. Et solitaire. Son mari est mort il y a longtemps, et, à en juger par son air de crétin sinistre qui trône en photo sur le mur de la maison, il a très bien fait. Son fils l'oublie. Et sa fille, est bien trop accaparée par ses mômes pour se soucier d'elle. Il ne reste à Salma que ses citronniers : une magnifique plantation située en Cisjordanie, sur les territoires occupés, dont elle s'occupe avec son fidèle serviteur.

Les citronniers

Mais voilà que le nouveau ministre de la Défense israélien et madame viennent s'installer tout près. Et avec eux des soldats juchés sur des miradors et une ribambelle d'agents de sécurité, forcément obsédés par les attentats. D'où leur décision immédiate d'abattre cette citronneraie qui pourrait abriter de dangereux terroristes. Là, soudain, Salma se révolte. Avec l'aide d'un avocat vite séduit, elle décide d'aller jusqu'à la Cour suprême...

Si joliment dessiné soit-il, cet avocat amoureux pose un vrai problème. Et son idylle avec l'héroïne, aussi. Leur histoire, bien touchante, amorce un autre problème, en fait, tout à fait intéressant (une veuve palestinienne peut-elle prendre pour amant un p'tit jeune ?), mais en arrive à distraire le spectateur de l'essentiel. A savoir le lien invisible, muet et passionnant qui se noue entre cette Palestinienne en révolte et l'épouse du ministre israélien qui, elle, prend conscience, peu à peu, de l'hypocrisie de son entourage et des faux-semblants de sa vie.

Par moments, le réalisateur de La Fiancée syrienne aurait tendance à sacrifier aux défauts habituels du film à thèse, mais, visiblement porté par ses deux comédiennes (Hiam Abbass et Rona Lipaz-Michael), il fait le plus souvent preuve d'une étonnante finesse. A travers les conflits qu'elles découvrent ou qu'elles provoquent, Eran Riklis parvient à décrire un pays, une société, un système démocratique, avec ses qualités (une Palestinienne qui interpelle la Cour suprême israélienne, ce n'est tout de même pas mal), mais aussi ses failles et ses défaillances absurdes.

Pierre Murat

Télérama, Samedi 26 avril 2008

Ce James Bond n'est pas Bond

La nouvelle aventure du célèbre espion, qui sort sur les écrans du monde entier aujourd'hui, déçoit. Un scénario insipide, pas de gadget et une violence accrue.
« Quantum of Solace » Film d'espionnage de Marc Forster, avec Daniel Craig, Olga Kurylenko, Mathieu Amalric. Durée : 1 h 58.

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Woody et ses sabots

Ibère. Chronique de mœurs vaine et caricaturale.

  Woody Allen raconte avec une coupable candeur qu’il ne comprenait rien aux paroles que s’échangeaient devant la caméra Javier Bardem et Penélope Cruz. S’exprimant dans leur langue d’origine, les deux vedettes brodaient, tandis que le cinéaste, lui, se contentait de filmer. Ou de faire la sieste ? Car, avec le recul, on trouve le procédé d’autant plus désinvolte que Vicky Cristina Barcelona manque précisément de consistance, variation romantique dont la nature volatile tranche avec plusieurs antécédents autrement affûtés du New-Yorkais.

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Captation d’énergie scolaire

  Dans la première séquence d’Entre les murs, on voit le jeune prof, François Marin [...] dans un café, avalant un expresso, le jour de la rentrée scolaire. Ce temps de solitude hors les murs, de liberté songeuse et de quant-à-soi silencieux gagné sur les exigences de la fonction, le rôle social, sera le seul que le film lui accordera. Une fois franchi le seuil de cet établissement parisien, il devient un autre, perpétuellement visible, sous le regard des élèves, des collègues, de l’administration, des parents, toujours en état de parole, toujours accompagné, la plupart du temps le corps debout, dressé, à l’affût au milieu de gamins assis en embuscade, à la fois impérieux et débordé. On ne se souvient pas avoir jamais vu avec une telle évidence, une telle acuité, la scénographie scolaire dans son autonomie radicale. Ce qui a provoqué un véritable choc à Cannes, c’est sans doute cette tension sans détente du «in», ce pleins feux de la rampe pédagogique que le cinéaste Laurent Cantet refuse sur plus de deux heures d’éteindre par les techniques habituelles de la diversion ou de clair-obscur.

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Le film qui secoue l’école

 On reproche suffisamment au cinéma français de ne s’intéresser qu’aux tourments existentiels de jeunes bourgeois du VIIe arrondissement taraudés par le vide pour ne pas louer Entre les murs. Mais le film de Laurent Cantet revient de très loin: il n’avait pas été annoncé au cours de la conférence de presse rituelle révélant la sélection officielle du dernier festival de Cannes. Des tractations tendues entre les différents comités de sélection et une certaine indécision (ou réticence) du directeur de la manifestation, Thierry Frémaux, avaient ainsi conduit à une situation inédite de place à prendre au côté des déjà retenus Desplechin (Un conte de Noël) et Garrel (la Frontière de l’aube). Faisant figure de repêché de dernière minute (comme certains à l’oral du bac), le film a été projeté en plein après-midi, le dernier jour de la compétition, avec à peu près aucun photographe pour immortaliser la montée des marches de l’équipe du film au grand complet. Sans l’énorme coup de pouce surprise d’une palme décernée par une star américaine, Sean Penn, président du jury, ce film de la 25e heure serait reparti comme il est arrivé, dans l’indifférence à peu près générale. Tohu- bohu. Cette palme d’or française, la première depuis Sous le soleil de Satan de Maurice Pialat, en 1987, a de fait créé en mai une inflammation médiatico-politique spectaculaire. Le collège FrançoiseDolto, dont sont issus les élèves du film, a été littéralement envahi par les caméras de télévisions et les journalistes.

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Agnès Jaoui & Jamel Debbouze : Incitation à la tolérance

Dans Parlez-moi de la pluie, le comique perd le sourire. Objet de l’humiliation ordinaire, il joue un homme tiraillé entre deux cultures. La réalisatrice, elle, signe une comédie douce-amère. Entre eux, c’est une histoire d’humour et de franc-parler.

Paru dans Le figarole 13.09.2008, par Béline Dolat

Dans Parlez-moi de la pluie (sortie le 17 septembre), sa dernière réalisation, Agnès Jaoui met en scène Jamel Debbouze. Pour l’occasion, le comédien a renoncé à son débit de mitraillette, à ses fantaisies lexicales, et s’est laissé porter par la musique des dialogues ciselés du binôme Jaoui-Bacri. Au milieu d’une tendre galerie de personnages, il forme avec ce dernier un duo à l’équilibre parfait, émanation cinématographique d’une amitié qui dure depuis dix ans et que l’actrice-réalisatrice a voulu imprimer sur la pellicule.

Dans le film, il incarne Karim, un personnage qui lui ressemble, Français d’origine maghrébine pris entre son monde et celui de Mimouna, sa mère. Agnès Jaoui est Agathe Villanova, écrivain féministe fraîchement arrivée en politique et confrontée à la dure réalité du terrain. Entre deux projections en province, nous les avons rencontrés dans les salons du cinéma MK2 Bibliothèque, à Paris. Légèrement dissipés, complices et unis par une même volonté de bousculer les a priori, ils ont, pour _Madame Figaro _, évoqué le film, la maman de Jamel, le tagine au poulet-citron et… Jean-Pierre Bacri.

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La fille de Monaco

   En apparence, le scénario n'est qu'une osmose habile entre La Femme et le Pantin et En cas de malheur : un riche avocat pour riches (comme Gabin dans le film de Claude Autant-Lara), venu défendre, dans la principauté, la (vieille) meurtrière d'un gigolo bien membré, tombe raide dingue amoureux de la présentatrice météo d'une chaîne câblée. Audrey (Louise Bourgoin) a la blondeur, la sensualité et l'insolence d'une bimbo qui se prendrait pour Bardot, légère vulgarité en sus. C'est même ça qui émoustille l'avocat (Fabrice Luchini) : qu'une bombe comme elle puisse s'intéresser à son petit corps tout mou, redonner à sa libido endormie une nouvelle vigueur. Dont va profiter sans vergogne la ravissante (fausse) idiote, qui en ce nanti croit voir passer la chance de sa vie...

La Femme et le Pantin, donc. Sauf que rien n'est jamais aussi simple qu'il y paraît chez Anne Fontaine. Si l'on excepte sa veine fantaisiste (la trilogie consacrée au person­nage hurluberlu baptisé Augustin), la ciné­aste n'aime que les histoires ambiguës et troubles. Souvent peuplées de ménages à trois : un couple terne, soudain confronté à un ange pasolinien (Nettoyage à sec) ; deux femmes fantasmant sur le même homme (Nathalie).

Le troisième personnage de La Fille de Monaco, celui qui donne au film son mystère, c'est le garde du corps de l'avocat : Christophe, interprété par Roschdy Zem, impassible et fascinant. Le garde du corps parle peu, n'exprime rien. Sinon la détermination à exercer ce qu'on lui demande de faire - ce qu'il croit devoir faire. Silhouette impénétrable, minérale, au point d'en devenir inquiétante, comme une mécanique parfaite dont on pressent, à chaque instant, qu'elle pourrait s'enrayer. D'abord en retrait, le garde du corps envahit l'intrigue, au point de reléguer au second plan le personnage d'Audrey, en dépit de la plastique irréprochable et de l'évident naturel de Louise Bourgoin.

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Cinéastes inattendus à la Mostra

" Teza ", d'Haïlé Gerima, un film porté par une force lyrique et une lucidité politique hors du commun. DR

  La Mostra 2008 propose une section consacrée à des films italiens méconnus, intitulée " Questi Fantasmi ", ces fantômes. Mais l'appellation aurait aussi pu s'appliquer à plusieurs films de compétition, montrés depuis le 27 août, oeuvres de cinéastes dont on était restés longtemps sans nouvelles, comme Werner Schroeter, qui présentait Nuit de chien, son premier long métrage depuis 2002, ou l'Ethiopien Haïlé Gerima, venu sur le Lido avec Teza, qui suit le parcours d'un médecin dans la tragédie éthiopienne, de 1970 à 1990. Gerima n'avait pas tourné de fiction depuis 1993.

Le retour de Werner Schroeter, gravement malade, a pris la forme d'un épisode paroxystique. Tiré d'un roman de l'Uruguayen Juan Carlos Onetti, Nuit de chien suit la déambulation d'un homme revenu dans une ville déchirée par la guerre civile, dans l'espoir de sauver une femme qu'il a aimée. Assailli par tous ses passés, politique, amoureux, militaire, le héros se heurte au déchaînement de cruauté et de lâcheté provoqué par l'imminence du danger. Ce basculement dans l'horreur peint aux couleurs de l'opéra a été mal compris par un public aux réactions violentes, qui n'a vu que l'outrance et la pauvreté matérielle du film (qui donne en effet, le temps des scènes de combat, l'impression de tenir avec des bouts de ficelle) et a ignoré son courage, sa virulence.

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   A travers les témoignages de Guadeloupéens et de Martiniquais ayant quitté leur île pour la métropole, ce film traite du déracinement et de la difficulté à trouver sa place entre terre d'origine et terre d'adoption.

Ils sont partis. Loin, très loin. Jambé dlo, disent-ils en créole. "Pour l'autre bord", expliquent-ils. L'autre bord ? C'est la rive d'en face, les côtes amies après l'océan, la métropole dont ils ont tant rêvé.

Antillais de Martinique et de Guadeloupe, ils ont, dans les années 60, quitté leur île pour se rendre à Paris, Crouy-sur-Ourcq, Fontenay-le-Comte… Au lendemain de la guerre, à l'heure de la reprise économique, l'administration française leur a offert des billets pour venir s'installer en métropole et a organisé pour eux, à leur arrivée, des formations pour apprendre un métier.

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Le secret d’Hancock

Ou quand le passé ségrégationniste des Etats-Unis fait retour dans la science-fiction

par Tina Harpin

  A l’heure où la candidature de Barack Obama à la présidence des Etats-Unis fait la une de l’actualité, nul ne peut nier l’importance de la question raciale dans un pays qui a officiellement aboli la ségrégation il y a à peine quarante ans. C’est pourtant sur ce déni que semble jouer le film de science-fiction Hancock.

Que raconte en effet ce blockbuster actuellement au box office en France et aux Etats-Unis ? Se poser cette question n’est pas inutile lorsque plusieurs critiques soulignent l’incohérence du scenario et les ruptures de ton du film. Tout le monde aura noté l’originalité prétendument subversive de l’intrigue : Hancock, un superhéros marginal, déclassé, incapable d’utiliser intelligemment ses pouvoirs, s’avère être une plaie pour la société jusqu’à ce qu’il se fasse aider par Ray Embrey, un brave chargé de communication qui devient son « coach de vie » et redore son blason. Hancock se prend en main, oublie sa bouteille d’alcool, et accepte même d’endosser le costume trop « homo » à son goût ( !) de superhéros, pour se mettre enfin au service de la société. Telle semble être la fable d’Hancock. Qualifié hâtivement de « transgressif » pour une promotion publicitaire efficace, le film a aussi été interprété comme « progressiste » du fait que le superhéros soit noir, incarné par Will Smith. Cette donnée de la mise en scène passe facilement pour une preuve d’ouverture d’esprit, d’antiracisme, et on y voit même un clin d’œil amical au candidat en lice pour la présidence des Etats-Unis. Le fait que le superhéros noir doive suivre une véritable rééducation (dont la première étape est un séjour en prison) avant de pouvoir assumer ses fonctions ne serait qu’une innocente sophistication du scenario, une variation sur le schéma classique des épreuves purificatrices que doit endurer tout héros, et plus indubitablement tout superhéros.

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vendredi 06 juin à 9:30

Rigoberto Lopez - Cuba - 2003 - 2h05

Au19ème siècle à Cuba, …l’aventure amoureuse entre une belle et distinguée femme (noire) de Saint-Domingue et un commerçant allemand (blanc), romantique, arrivé récemment dans le pays. Une histoire d’amour infini qui fit de l’Angerona, la plus riche plantation de café de Cuba. Dans cette sombre période, marquée par l’intolérance, les incompréhensions, les conflits d’intérêts et le pouvoir absolu, en ces deux personnages s’affrontent, plus que deux cultures, deux identités, deux façons de voir la vie.

Entrée libre
lundi 02 juin à 18:30

Zulaika (Curaçao, Antilles néerlandaises, 1990), fiction de Diederik Vaan Rooijen, 1 h 18

Section : Joyaux Caribéens-
Meilleur long-métrage pour jeunes : Prix du Jury, 4ème Festival International de Film de Buenos Aires, 2005 ? Certificat d’Excellence. Festival International de Film d’Enfants de Chicago.

Zulaika, est une jeune fille débrouillarde de 12 ans, dont la mère travaille aux Pays-Bas, vit à Curaçao avec sa grand-mère et son grand-père malentendant. La famille est humble et les enfants de l'école se moquent de Zulaika à cause de son uniforme râpé et de la difficulté que rencontre sa famille à s'acquitter les frais de sa scolarité. Lorsque la situation empire, sa force de caractère et sa persévérance lui donnent le courage de surmonter les difficultés.

Film franco-uruguayo-brésilien de Enrique Fernandes, César Charlone

Ken Loach a des cousins en Uruguay : ils ont posé leur caméra à Melo, tout près de la frontière avec le Brésil que, chaque jour, des petits trafiquants inoffensifs traversent à vélo - en rêvant d'avoir une moto ! Beto est de ceux-là, pédalant sans relâche, moustache au vent, pour le compte d'un commerçant local, à qui il rapporte du pays voisin, plus prospère, toutes sortes de denrées de base. L'annonce du voyage du pape - Jean-Paul II sillonna effectivement la région en 1988 - secoue la petite communauté, qui parie sur l'afflux de riches pèlerins brésiliens. Chacun s'affaire à préparer des stands de chorizos et autres empañadas, ce qui donne à Beto une autre idée : bâtir dans son jardin des toilettes payantes pour croyants repus. Reste à financer l'installation du (saint) siège.

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Cantet, la classe!

  Les salles de classe sont des pièces aussi mystérieuses que les chambres conjugales. Entre les murs éclaire ce mystère en mettant les outils de l'expérience directe au service de la fiction. Cette greffe est rendue possible par l'existence d'un individu qui occupe une multiplicité de positions au centre du film : François Bégaudeau en est à la fois le sujet (il a été professeur), l'inspirateur (il a écrit un roman tiré de son expérience d'enseignant), le coscénariste (avec Laurent Cantet et Robin Campillo) et l'interprète principal.

Cantet ne le laisse pas pour autant kidnapper le film et impose sa mise en scène fluide et rigoureuse. Le scénario, à première vue fait d'une succession de séquences disjointes, révèle progressivement une construction dramatique intense.

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